10 temas sombríos de la muerte en el arte occidental

El arte es a menudo temático. Los artistas han explorado ideas comunes en diferentes medios y desde diferentes perspectivas a lo largo de los siglos. En la Edad Media, a partir del siglo XIV, el arte dio un giro hacia la oscuridad cuando la plaga conocida como la Muerte Negra descendió sobre Europa como el apocalipsis en sí. Este período estuvo a menudo lleno de desesperación y desesperanza, y por primera vez, se desarrollaron o se exploraron con mayor intensidad varios temas diferentes que giraban en torno a la muerte.

10Plague Art

Es imposible subestimar el efecto que la Muerte Negra tuvo en la sociedad medieval. Con un pico en Europa entre 1348 y 1350, con brotes adicionales en 1361 y 1430, la plaga fue un bacilo que podría contraerse por la picadura de una pulga o rata infectada o por el aire, según la variedad. La primera ola de la Muerte Negra mató a aproximadamente el 25-50 por ciento de la población de Europa.

La plaga se hizo sentir en toda la cultura medieval, donde las personas encontraron una salida para expresar su desesperación y depresión colectiva. Los artistas que anteriormente habían pintado escenas alegres que mostraban devoción piadosa o ilustraciones elevadas de los logros de la humanidad ahora se convirtieron en escenas de muerte y devastación. Los temas religiosos también se oscurecieron, centrándose en los tormentos del infierno y la paga del pecado, volviendo cada vez más sus espaldas a las recompensas del cielo o las comodidades del ritual. Fue en este entorno macabro que varios temas comenzaron a surgir en torno a la muerte en el arte europeo primitivo, y uno de los más importantes fue la plaga.

Giovanni Boccaccio utilizó el Black Death como telón de fondo de su clásico. Decameron, una historia sobre hombres y mujeres que huyen de la ciudad a una pequeña villa para escapar de la plaga. Las encantadoras historias que cuentan mientras se esconden son un contrapunto a la devastación que ocurre afuera. Las escenas de procesión fúnebre, que ya eran un tema común en el arte, se pintaron mostrando no a reyes o santos famosos como antes, sino a víctimas anónimas de la plaga mientras eran llevados a la tumba. A medida que más y más personas empezaron a ver la plaga como una especie de condena divina, la iglesia destacó la importancia de la salvación a través del ritual religioso y el arrepentimiento como el medio adecuado para combatir la epidemia, una actitud reflejada en obras como la de los hermanos Limbourg. La Procesión de San Gregorio (1300) y la iluminación del siglo XIV de James le Palmer para la Omne Bonum, que representa a las víctimas de la plaga recibiendo las bendiciones de un sacerdote.

Escenas realistas de pacientes tratados en hospitales y en casa estaban muy extendidas, especialmente durante el Renacimiento. Estos a menudo iban acompañados de descripciones precisas de las heridas y pústulas inflamadas de los moribundos, como en Jacopo Robusti. St. Roch en el hospital. (Los "santos de la plaga" eran un género en sí mismos). La escena del "lecho de muerte", en la que una persona moribunda está rodeada ceremoniosamente por seres queridos, data del período de la muerte negra en el siglo XV. También había una tendencia a representar figuras escultóricas en tumbas como cadáveres reales, a menudo con signos de la plaga o incluso completamente esqueléticos, en lugar de retratos idealizados de los difuntos. Cuando la muerte se convirtió en una realidad sombría y el cielo en una abstracción lejana, el realismo hizo una gran recuperación en el arte europeo.

Estos son solo algunos ejemplos de cómo la Muerte Negra tuvo una influencia directa en el arte de la Edad Media a través de la Ilustración, que nos inspira hasta el día de hoy. En 1988, la diva de vanguardia Diamanda Galas lanzó el primer disco en ella. Misa de la plaga trilogía, Máscara de la muerte roja, una mirada inspirada en la muerte negra de la epidemia de SIDA que seguramente se registró en el infierno.

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9 La muerte como segadora de almas

Todas las culturas en todos los tiempos y lugares han personificado la muerte de una forma u otra. Para nosotros, la gente moderna, una de las personificaciones más inmediatamente reconocibles es la Parca. Hoy en día, se encuentra principalmente en portadas de álbumes de heavy metal o joyas góticas, pero para el mundo medieval, era una auténtica figura del terror.

La idea de la muerte como un segador que sostiene una guadaña que usa para cosechar almas es un invento del siglo XV que se basó en muchas fuentes anteriores. Las inspiraciones de la mitología griega incluyeron el Titán llamado Kronos (a quien los romanos podrían haber confundido con Chronos, el dios del tiempo) y el barquero del río Styx en el inframundo llamado Caronte. Antes de que su forma moderna se desarrollara por completo en Europa, la muerte solía retratarse como un cadáver con un rayo de ballesta, dardo, arco o alguna otra arma. Fue durante la plaga que Europa comenzó a retratar la muerte como un esqueleto empuñando una guadaña y vistiendo una túnica negra (o algunas veces blanca). Por lo general, se lo describió como un guía que aparecería a la hora señalada por el sujeto para guiarlos, aunque en relatos posteriores, él mismo tomó la vida y las víctimas podían engañarlo o negociar con él.

La muerte como segadora se puede encontrar en todas las formas de arte en toda Europa. Él ha aparecido en obras de teatro, canciones, poesía, literatura romántica, y bawds. Él recorre las pinturas más oscuras de Breugel y es a menudo la figura del arte "danse macabre". En escultura, una estatua de un obispo del siglo XVII en la catedral de Tréveris de Alemania, acompañada por la Parca, sirve como un gran ejemplo. Si bien la Biblia nunca retrató la muerte como una segadora, muchos artistas a partir del siglo XV utilizaron el motivo en el arte bíblico. Grabado de Gustave Dore de Muerte en un caballo pálido (1865) es un ejemplo particularmente dramático.

8El baile de la muerte

A lo largo de los años de plaga se desarrolló una creencia de que los muertos podían levantarse de sus cementerios y atraer a los desafortunados transeúntes a una danza macabra de la muerte.Estas creencias folklóricas, alimentadas por la poesía de época sobre la inevitabilidad de la muerte y una obra dramática tradicional promulgada en Alemania, rápidamente se abrieron camino en el arte europeo como una alegoría social sobre la mortalidad, que ganó gran popularidad. El mensaje es claro en el Danse Macabre-Nadie se escapa de la muerte, por lo que es más inteligente preparar tu alma para su momento de recuento.

los Danse Macabre retrató la jerarquía de clases, desde el papa hasta el niño más común, participando en la rutina diaria a medida que se vieron obligados a los brazos de espera de la muerte. Uno de nuestros primeros ejemplos pictóricos es de una serie de pinturas creadas en 1424-1425 y que anteriormente se exhibían en el Cimetiere des Innocents en París. Los originales fueron destruidos en 1669, pero el impresor de París Guy Marchant conservó su esencia en una serie de grabados en madera junto con los versos que los acompañaron.

El motivo alcanzó su máxima expresión en los grabados en madera y versos de Hans Holbein el Joven. La danza de la muerte. Se publicó por primera vez en 1538 como un libro con 41 grabados en madera, mientras que las adiciones posteriores en 1545 y 1562 elevaron esta cifra a 51. El texto completo, así como todos los grabados en madera, se pueden encontrar en línea aquí. Otro ejemplo fantástico, este de la pintura, es el de Bernt Notke. Danse Macabre. Fue destruido durante un bombardeo en la Segunda Guerra Mundial, un evento que fue considerado una gran pérdida para el arte.

7Danza de los esqueletos

Otro tema relacionado con la danza de la muerte es la danza de los esqueletos, que conocemos principalmente a través de un grabado en madera del humanista alemán y primer cartógrafo Michael Wolgemut que apareció en Liber Chronicum ("El mundo crónico"), un libro escrito por Hartmann Schedel y publicado en 1493. La danza de los esqueletos es diferente de la danza de la muerte en que se basa estrictamente en el folklore, sin ningún mensaje social o moral. Los esqueletos usualmente se representan saliendo de tumbas abiertas, charlando y tocando música y bailando. El grabado en madera de Wolgemut es un hermoso ejemplo del género, que se utilizó para ilustrar y emocionar en lugar de educar o predicar al espectador.

El baile esqueleto fue un tema de corta duración en el arte temprano, con pocos ejemplos sobrevivientes. En tiempos más recientes, surgió en la música cuando Camille Saint-Saens fundó su obra de 1874. Danse Macabre Sobre la danza de la muerte y temas de danza esqueleto. En el cine, Walt Disney y Silly Symphonives revivieron el tema en 1929 en el inmortal y a menudo imitado dibujo animado "The Skeleton Dance", en el que cuatro esqueletos bailan alrededor de un cementerio y aterrorizan a los residentes.

6Anamorphosis y símbolos ocultos de la muerte

La anamorfosis, que significa "la imagen dentro de la imagen", es una técnica que a veces se emplea en el arte para crear imágenes ocultas que solo se pueden ver correctamente desde ciertos ángulos o en las condiciones adecuadas. Fue visto por primera vez en Europa en 1485, cuando Leonardo da Vinci lo usó para representar un ojo humano. Varios artistas han incorporado la anamorfosis en los temas de la muerte, cuyo ejemplo más famoso es el de Hans Holbein el Joven. Los embajadores (1533).

La pintura es un retrato doble de Jean de Dinteville, embajador francés en la corte de Enrique VIII, y su amigo de la infancia Georges de Selve, el obispo de Lavaur, que también actuó como embajador en varias ocasiones. Fue pintado en los primeros años de la Reforma y está lleno de simbolismo político y teológico sobre esos temas, pero el elemento más discordante es una forma oval extraña y alargada en la parte inferior de la pintura, que se resuelve en una calavera cuando se la ve con El ojo en una posición cerca de la mano del obispo. Uno de los propósitos de este cráneo oculto era recordar a los poderosos jugadores involucrados en los problemas de este tiempo que fueran humildes y conscientes de su mortalidad.

La anamorfosis y otras formas de imágenes ocultas se han utilizado a lo largo de la historia del arte desde la época de Da Vinci. Un ejemplo posterior es el de Charles Allan Gilbert. Todo es vanidad (1892), en la que una mujer de la época victoriana se admira en un espejo que, con un cambio de visión, se convierte en una calavera. Puede encontrar un ejemplo contemporáneo de anamorfosis de la muerte en la obra del artista húngaro Istvan Orosz, quien crea ilustraciones con un estilo medieval de grabado en madera que siempre esconde un cráneo.

5 La muerte y la doncella

El tema de la muerte y la doncella se puede rastrear hasta la antigua Grecia y la historia de Perséfone, quien fue secuestrada por Hades y llevada al inframundo después de recoger la flor del narciso. Uno de sus temas es familiar: que la muerte supera a todos, incluso la orgullosa belleza de las mujeres, pero en el siglo XV, el tema comenzó a ganar características únicas y se volvió abiertamente sexual. Las mujeres abrazadas en los brazos de cadáveres o esqueletos ahora estaban en una relación íntima con la muerte.

Entre Niklaus Manuel Deutsch's Danzas de la muerte y La Muerte y la Dama (1517), podemos ver la transición. En el primero, la muerte baila con una dama elegante, colocando ambas manos huesudas firmemente en sus pechos. En este último, la muerte ya no está bailando; la está abrazando completamente, besándola con fuerza mientras sus manos van a sus genitales. La doncella está tratando de resistir, pero es incapaz de hacerlo.

Esta imaginería fuertemente erótica, utilizada a veces por artistas para justificar pinturas de desnudos de la iglesia, fue utilizada una y otra vez a lo largo del siglo XV y más allá. Una pintura de una serie pintada entre 1518 y 1520 por Hans Baldburg Grien muestra una figura desnuda parecida a la Virgen, agarrada por un cadáver desecado, mientras que los espermatozoides y los fetos, que eran símbolos de la renovación de la vida, giran alrededor de ellos. Este simbolismo sería usado nuevamente por Edvard Munch en su Muerte y vida (1894).

Uno de los ejemplos modernos más poderosos es un dibujo del artista de vanguardia alemán Joseph Beuys.Creado en 1959, representa la muerte y la doncella en un sobre con el sello de una organización de sobrevivientes del Holocausto. En este dibujo, tanto la muerte como la doncella son insustanciales y desecadas, un testimonio de la naturaleza fugaz de la vida y la baratura de la muerte en ese cataclismo.

Un tema similar relacionado con la muerte que surgió en el arte del período se llama "las tres edades del hombre", aunque generalmente representaba a las mujeres. Una figura se muestra en sucesión como un niño o un recién nacido, un adulto joven y, finalmente, una mujer de mediana edad, donde la muerte puede llevar al sujeto al escenario del inframundo. Un buen ejemplo es el de Grein. Las tres edades del hombre y la muerte. (1510).

4Triunfo de la mort (El triunfo de la muerte)

Mucho más inquietante que la danza de la muerte, el motivo del "triunfo de la muerte" fue otro tema común entre los artistas medievales. Al igual que el baile, el mensaje subyacente fue que la mortalidad es inevitable, pero a diferencia del "baile", el tema del "triunfo" representa a la muerte como un instrumento de caos y destrucción, un dictador brutal cuyos minions barren todo, destruyendo todo a su paso. Fue especialmente asociado con los tiempos de guerra y plaga. Este tema se remonta al menos a la década de 1400, ya que ya era una idea generalizada cuando un artista desconocido pintó un fresco en la corte del Palazzo Sclafaniin, Palermo, en el sur de Italia. El triunfo de la muerte (1445) presenta un esqueleto con arco que monta un caballo esquelético y lanza flechas a sus objetivos, aldeanos medievales de todos los ámbitos de la vida que realizan sus rutinas diarias.

La obra maestra indiscutible de este tema es El triunfo de la muerte (1562) por Pieter Bruegel el Mayor. En la pintura, un pueblo medieval que alguna vez fue pacífico se reduce a un desierto apocalíptico por un ejército de segadores y cadáveres. Es como si Bruegel destruyera cada una de sus pinturas de escenas medievales en un lienzo. Literalmente, cientos de representaciones y símbolos de la vida cotidiana recorren la pintura, cada una de ellas con una pequeña moralidad cuya tesis es la muerte. Incluso un rey no recibe ningún indulto. Un cadáver muestra su reloj de arena, quedándose sin tiempo, y el rey sucumbe cuando otro cadáver blindado se ayuda a su propia riqueza. Todo está perdido. Todo es inútil. La muerte siempre triunfa al final.

El triunfo de la muerte Es ampliamente considerada una de las pinturas más importantes de su época. UNA Wall Street Journal El artículo señaló que “la brutalidad de estas imágenes ha dado a la imagen de Bruegel una relevancia lamentable y continua. Parece anticipar descripciones de la Guerra de los Treinta Años en el siglo XVII ... Lo más perturbador desde una perspectiva del siglo XXI es lo que aparece a la derecha de la imagen como contenedores rectangulares donde los humanos son obligados a entrar y son enviados a su muerte. La similitud de los dispositivos con la tecnología nazi de exterminio en masa ha golpeado a muchos espectadores ”. Mientras haya guerra, hambre, pestilencia y muerte en sí, la obra maestra de Bruegel seguirá siendo una pintura que nos perturba incluso cuando resuena.

3 los muertos agradecidos

El motivo de los "muertos agradecidos" es raro en el arte pictórico, más comúnmente asociado con el folclore y la literatura. Las leyendas sobre los muertos agradecidos giran en torno a dos temas básicos. En el primero, alguien presta un servicio o favor a alguien que está muerto, como el cuidado de las deudas impagas o el pago de un servicio funerario, y su espíritu lo recompensa de alguna manera. En el segundo, alguien que necesita ayuda ingresa a un cementerio y pide ayuda. Los muertos se levantan de sus tumbas para ayudar a los vivos.

El primero se remonta a los tiempos del Antiguo Testamento con el libro apócrifo de Tobit. Más tarde fue recogido en la literatura, sobre todo en los romances medievales. Este último se puede ver en un fresco llamado La leyenda de los agradecidos muertosPintado en Suiza por un artista desconocido a principios del siglo XVI y restaurado en 1740. Representa a un hombre perseguido por una banda de ladrones a un cementerio no consagrado, donde se arrodilla para orar. Antes de que los ladrones asesinos puedan alcanzarlo, las tumbas a su alrededor estallan con los cadáveres de los muertos que se apresuran a defender al hombre con palos y guadañas, agradecidos por las oraciones que les permitirán descansar en paz.

El mensaje de las agradecidas historias muertas es muy diferente de la mayoría de los temas relacionados con la muerte del arte europeo, tal vez porque los recuerdos de la plaga se estaban alejando y más personas se permitían ser positivos sobre el futuro. Recordaron a los vivos que pensaran en sus seres queridos y los mantuvieran en sus oraciones y que recordaran a los que se habían ido.

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2Skulls En Arte

Quizás ningún otro ícono haya tenido un impacto tan universal en el simbolismo y el arte como el cráneo humano. Sus características simétricas son visualmente atractivas a la vista, incluso cuando su asociación obvia con la muerte fascina y repele al mismo tiempo. Prácticamente todas las culturas lo han utilizado, la mayoría de las veces como un símbolo de mortalidad, pero a veces como una afirmación de la vida, como el uso de calaveras y esqueletos de México durante Dia de los Muertos (Día de los muertos) festivales.

El cráneo a menudo se incorpora en pinturas de naturaleza muerta junto con otros objetos relacionados. A veces, se usaba en algún lugar de una pintura como señal de muerte o se pintaba en la parte posterior de los retratos para cumplir el mismo propósito. Si esa persona estuviera muerta, también se podría usar una calavera como reemplazo del sujeto real en un retrato. En el Tríptico Familiar Braque (1452) del pintor holandés Rogier van der Weyden, una calavera se representa no solo como un recuerdo mori pero también se muestra una representación del patrón, cuyos logros están simbolizados por el ladrillo y la cresta familiar.El cráneo era un rasgo común de las joyas incluso en la Edad Media, ya que hombres y mujeres de clase alta llevaban medallones grabados con caras en un lado y cráneos en el otro como un recordatorio de la muerte y la obligación de llevar una vida moral.

Debido a su atractivo estético, los cráneos a menudo se usaban con propósitos no simbólicos y puramente decorativos. De cezanne Los tres cráneos (1900), una de las varias pinturas que hizo del tema, combina elementos de impresionismo y expresionismo, creando interacciones complejas de luz y forma que tienen un significado técnico y emocional, pero sin el énfasis en el significado simbólico que caracterizó las anteriores representaciones occidentales de cráneos. Para el siglo XVIII y principios del XIX, el cráneo se había convertido en un símbolo de los piratas y luego de los rastrillos, los pozos y los forajidos. Este uso continúa hoy, como se puede ver en la moda y la joyería de los ciclistas, punk rock y otras subculturas antiautoritarias.

1La anatomía como arte

En 1697, el anatomista holandés Frederik Ruysch impresionó tanto a Pedro el Grande que el zar ruso compró la colección completa de su obra en el museo anatómico de Ruysch. Las exhibiciones anatómicas de cadáveres y esqueletos humanos y animales preservados no eran nuevos, y tampoco el tipo de leyendas amonestadoras colocadas a menudo en las placas para describir las escenas, pero lo que hizo que la obra de Ruysch fuera única fue que hizo todo lo posible por retratar belleza De anatomía y muerte.

Con el Renacimiento en pleno apogeo y el recuerdo de la plaga retrocediendo, el florecimiento de la ciencia moderna trajo consigo nuevas actitudes hacia la muerte y la muerte. La muerte podría verse nuevamente como un ciclo, una contraparte de la vida que era igual de importante y conmovedora. Ruysch trató de capturar esos ideales en su trabajo, que combinaba técnicas de embalsamamiento con conceptos escultóricos y pictóricos para crear obras que incorporaban niños momificados y fetos y esqueletos preservados con adornos de naturaleza muerta y artísticos creados con otros detalles anatómicos, incluidos árboles y arbustos. De las arterias humanas y rocas formadas a partir de cálculos renales.

Ruysch continuó su trabajo hasta el siglo XVII. Lamentablemente, ninguno de sus dioramas sobrevive hoy en día, aunque todavía existen algunos bebés decorados conservados en frascos. Sabemos de ellos gracias al trabajo de los grabadores, principalmente Cornelius Huyberts, que los publicó en el Tesauro anatómico.