Los 10 mejores rockeros que son mejores que Elvis

De inmediato, permítanme decir que esta lista no está destinada a afectar a Elvis Presley. Me estaba divirtiendo un poco con el título para generar algo de interés y emoción, pero soy un fanático de Elvis y no se puede negar su impacto, popularidad y éxito en las listas. Pero, seamos sinceros, ¿cuándo fue la última vez que escuchaste a alguien cubrir una canción de Elvis? La respuesta es "nunca", porque Elvis no pudo escribir una canción para salvar su vida. De hecho, anotó éxitos con canciones escritas por algunos de los artistas en esta lista. Eso no quiere decir que escribir tus propias canciones es la única medida de talento, influencia y respeto. Sus defensores argumentarán que era un gran arreglista, haciendo suyas las canciones de otros, sin mencionar que era un intérprete enormemente carismático que incluso influenció a algunos en esta lista, con lo que estaría de acuerdo. Pero para esta lista de rock and roll pionerosQuería ir más allá del resumen obligatorio del superestrella de Elvis y, en cambio, presentar a otros diez legendarios rockabilly y artistas de rock de los años 50 que tuvieron un gran impacto en el curso de la historia del rock and roll.

Esta era de la música estadounidense tuvo una gran influencia en la floreciente escena pop del Reino Unido (Cliff Richard & the Shadows, y Vince Taylor & the Playboys fueron los primeros imitadores) que pronto estallarían en Estados Unidos y el mundo, en gran medida con la Invasión británica de principios a mediados de la década de 1960. Muchos de esos actos, desde The Beatles hacia abajo, idolizaron a estos tipos, imitaron sus estilos y cubrieron sus canciones. Espero que disfrute y esté de acuerdo con mis selecciones, y como siempre, ¡dé su nota en los comentarios a cualquier persona que pueda haber pasado por alto!

10

Link Wray

http://www.youtube.com/watch?v=1NAq4HyoNe4

Conocido como el "Padrino del acorde de poder", Fred Lincoln Wray Jr., por sí solo, introdujo la confusión y la distorsión en las masas, allanando el camino para el ataque de metales pesados ​​y cargados de riffs que aún está por venir. Su instrumental de 1958, Rumble, es posiblemente una de las canciones más rudas de la historia. Cuando se lanzó, en realidad fue prohibido en algunos mercados de radio debido a sus "imágenes violentas", lo cual es una gran hazaña teniendo en cuenta que no hay letras. A pesar de la falta de airplay, saltó al número 16 en las listas de éxitos, pero, lo que es más importante, tuvo una gran influencia en futuros dioses de la guitarra y estrellas como Eric Clapton, Jimmy Page, Bob Dylan, Ray Davies, Jimi Hendrix, Jeff Beck y Neil Young, por no mencionar a Lennon y McCartney. Pete Townsend ha acreditado directamente esta canción como la razón por la que tomó la guitarra. La importancia de Wray trasciende el modesto éxito de éxitos que tuvo después de Rumble, pero sí tuvo un par de éxitos de seguimiento como Raw-Hide, Comanche y Jack the Ripper, entre otros temas menos notorios pero igualmente ruidosos. En lo que creo que es una omisión evidente, todavía no es miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll, pero está legítimamente consagrado en el Salón Rockabilly. No pude localizar un buen clip vintage de él tocando Rumble en vivo, y aunque existen imágenes más recientes de él, elegí presentar la grabación original del estudio aquí para poder apreciar mejor la canción en el contexto del período que le corresponde.

Trivia extra: La película documental de 2008 It Might Get Loud presenta un gran segmento sincero con Jimmy Page en su sala de música, girando un lado de vinilo de Rumble en su tocadiscos, tocando "guitarra de aire" y radiante como un joven brotando de su ídolo.

9

Duane eddy

Justo cuando Link Wray parecía atraer más a los fanáticos de una naturaleza delincuente, Duane Eddie estaba allí para los jóvenes blancos de los suburbios más rectos y limpios del día. El estilo único de guitarra de Eddy de tocar y doblar las cuerdas bajas en el cuello para formar melodías de una sola nota, realzadas con trémolo y efectos de eco, le valió el apodo de "King of Twang", y sus influencias se pueden escuchar en el trabajo de muchos artistas posteriores, como George Harrison, John Fogerty y Bruce Springsteen, por nombrar solo algunos. El hit británico de The Shadows en 1960, Apache, parece ser un descendiente directo del toque de Eddy. Su sonido distintivo fue enfatizado aún más con el acompañamiento frecuente del trabajo del saxofón arenoso por parte del fallecido gran hombre de sesión Steve Douglas y, más tarde, Jim Horn. Su álbum debut de 1958, Have 'Twangy' Guitar - Will Travel, estuvo en las listas de éxitos durante más de un año, lo que lo convirtió en una de las primeras estrellas de rock en tener éxito en el mercado de LP. Este álbum contenía cinco singles de éxitos instrumentales, incluida su canción más conocida, Rebel Rouser, y también fue uno de los primeros discos de rock lanzados en estéreo. En general, Eddy registró quince sencillos Top 40 y ha vendido más de 100 millones de discos, lo que lo convierte en el instrumentista de rock más exitoso de la historia.

Trivia extra: En 1960, Duane Eddy fue el primer músico de rock en fabricar su propio modelo de guitarra con su respaldo: Guild Duane Eddy DE-400 y edición limitada DE-500. Durante su apogeo, Eddy en realidad jugó un modelo de cuerpo hueco 6120 de Gretsch Chet Atkins 6120, y en 1997 Gretsch produjo una versión "DE" de la 6120.

8

Jerry Lee Lewis

http://www.youtube.com/watch?v=8yRdDnrB5kM

Diga lo que quiera sobre las opciones de estilo de vida de Jerry Lee Lewis, pero tenga en cuenta que mi admiración por estos muchachos se centra en sus contribuciones duraderas a la historia del rock y no necesariamente en sus vidas personales. Ciertamente no creo que sea "genial" que Lewis se haya casado con su prima de 13 años, Myra, cuando tenía 23 años, ni tampoco la mayoría de los fanáticos del día, ya que provocó mucha controversia y prácticamente detuvo su carrera en sus pistas. . Dicho esto, en su apogeo, él realmente era "The Killer", ya que su frenética y dinámica ejecución de piano y su estilo vocal ruidoso iluminaron el escenario.Su estricta educación religiosa fue una fuente de conflicto para él (su madre lo inscribió en la escuela bíblica, pero fue expulsado por cantar un himno) y siempre consideró que su llamado del rock and roll era música del diablo. Creció escuchando música gospel y comenzó a tocar el piano a los 8 años.

Otras influencias tempranas fueron los iconos del país Jimmy Rodgers, Hank Williams y Moon Mullican. Lewis tenía un conocimiento casi enciclopédico de honky-tonk, western swing y hillbilly blues, y combinó estos estilos en su propio sonido distintivo. Firmado por Sam Phillips a Sun Records, su primer single fue un cover de tempo de Crazy Arms de la estrella del país Ray Price, en 1956, pero se abrió paso en 1957 con Whole Lotta Shakin 'Going On, que alcanzó el número 3 en las listas de rock, y Great Bolas de fuego golpeando el número 2 (ambos fueron al número 1 en las listas de países). Su carrera estaba en alza, pero mientras estaba de gira en Inglaterra, la prensa británica se enteró de su matrimonio con Myra y se lo comió vivo. La gira se canceló y, al regresar a los Estados Unidos, descubrió que sus canciones estaban prohibidas para jugar al aire y tuvo la suerte de conseguir conciertos en pequeños clubes y inmersiones. Tardó más de una década en volver a ponerse de pie, finalmente anotó algunos éxitos de country para Smash Records y viajó a la década de 2000. Pero el legado de rock and roll del Killer's perdurará, y él es legítimamente un miembro del Rock and Roll y de Rockabilly Halls of Fame.

7

Pequeño richard

Richard Wayne Penniman, también conocido como Little Richard, dijo una vez "boogie-woogie y rhythm & blues mixed, es rock and roll". Diría que es una descripción bastante precisa, y el pequeño Richard, boogeado como un loco. Al crecer en la pobreza en las profundidades del sur, Penniman era uno de los doce niños en una familia religiosa y musical muy unida que a menudo tocaba en las iglesias locales. Los artistas de los evangelios de los años 30 y 40, y los estilos de blues de salto temprano, lo influenciaron mucho, así como el poco conocido Eskew Reader Jr. (también conocido como Equerita), cuyo estilo algunos podrían decir que Penniman copió. No importa; su personalidad extravagantemente extravagante, sus voces explosivas y su piano de conducción dura definitivamente echaron las mermeladas. Logró una serie de éxitos, ahora clásicos, que inundaron las listas en 1956-57, especialmente Long Tall Sally, Rip It Up y Lucille, todos los cuales alcanzaron el número uno en las listas de R&B.

Muchos otros éxitos se ubicaron entre los diez primeros, incluyendo, probablemente su canción más conocida, Tutti Frutti. También interpretó la canción principal de la película de rock y rollo de 1956, The Girl Can't Help It. James Brown y Otis Redding se encuentran entre los que citan ser influenciados directamente por Little Richard, al igual que las luminarias del rock como Bob Dylan, Mick Jagger, John y Tom Fogerty y The Beatles, quienes cubrieron una cantidad de sus canciones en sus inicios. Paul McCartney ha dicho que, como joven fanático, siempre quiso cantar como Little Richard.

A fines de 1957, en el apogeo de su popularidad, Little Richard abandonó abruptamente el rock and roll para grabar música gospel, y se inscribió en el instituto bíblico para convertirse en un ministro evangelista. Volvió al rock and roll de vez en cuando a lo largo de los años, disfrutando de una popularidad sostenida, pero nunca logró igualar su éxito anterior en las listas. No obstante, Little Richard es una figura clave en el rock and roll temprano, y estuvo entre el primer grupo de intérpretes incorporados al Salón de la Fama del Rock and Roll.

6

Buddy Holly

http://www.youtube.com/watch?v=mt02zuoxGj4

Casi todos están familiarizados con la historia del trágico accidente aéreo el 3 de febrero de 1959, que se cobró la vida del amado Buddy Holly, junto con sus músicos Ritchie Valens, JP Richardson (también conocido como The Big Bopper) y el piloto Roger Peterson, mientras Estaban viajando entre los conciertos de una gira de conciertos de invierno. Pero, en una carrera que abarcó alrededor de 18 meses, Buddy Holly dejó un legado duradero de clásicos del rock y fue una gran influencia en prácticamente todos los aspirantes al rock y el roller. Nacido y criado en Lubbock, Texas, en el seno de una familia musical, Charles Hardin Holley (que luego se cambió a Holly) a temprana edad tomó la guitarra, el violín y el piano, y cantó en los coros de la iglesia y la escuela.

Cuando era adolescente, formó Buddy & Bob Western y la banda de Bop con algunos amigos de la escuela secundaria, actuando a nivel local y se presentó regularmente en un programa de estación de radio local. La estación también promovió shows de country y rockabilly en el área, a menudo tocando la banda Western y Bop como acto de apertura. Uno de estos espectáculos presentó a un joven Elvis Presley, lo que llevó a Holly a alejarse de un sonido country y adentrarse en el rock and roll. Firmado con la filial de Decca Brunswick Records con su nueva banda, los Crickets, su single de 1957, That'll Be the Day, se lanzó al número uno. Siguieron más golpes, incluyendo muchos lanzamientos póstumos. Fue un innovador en el estudio, utilizando técnicas de doble seguimiento y también incursionando en la orquestación. Holly (como Elvis) ayudó a cerrar la brecha entre las audiencias estadounidenses en blanco y negro. Fue uno de los primeros (posiblemente la primero, las fuentes varían) los artistas blancos en el histórico Teatro Apollo de Harlem, y finalmente ganaron a la multitud. Lennon y McCartney han citado a Holly como una gran influencia, y se dice que los muchachos de Liverpool tuvieron su idea para su nombre de los Beatles como un derivado de los Crickets. Una versión de Holly's Not Fade Away fue el primer single de los Rolling Stones en los Estados Unidos, y muchas otras bandas lo interpretan regularmente.

Trivia extra: El éxito de 1971 de Don McLean, America Pie, presenta un gancho lírico "el día que murió la música", que es una referencia a la tragedia que se cobró la vida de Holly, Valens y Richardson en ese fatídico día.Es notoriamente reacio a discutir el significado detrás de las interesantes letras de esta canción, pero ha reconocido que la muerte de Holly fue un evento en su propia vida joven que lo afectó profundamente.

5

Gene Vincent

Nacido Vincent Eugene Craddock, el legado de Gene Vincent siempre se definirá por una canción monumental, Be-Bop-A-Lula de 1956, que se considera una de las canciones más icónicas de la historia de Rockabilly. Pero, si no fuera por el grave accidente de motocicleta de Vincent en 1955, justo antes de embarcarse en un período militar de seis años, habríamos sido privados de esta melodía clásica. Mientras se recuperaba en un hospital de la Marina de los Estados Unidos, Vincent, un guitarrista desde su adolescencia, conoció a su colega paciente Donald Graves, quien coescribió la canción con él. Vincent terminó comprando los derechos de la canción de Graves por menos de $ 50. Con su carrera militar terminada como resultado de la lesión (su pierna estaba severamente dañada, apenas salvada de la amputación, y le dejó con una permanente cojera y dolor crónico), Vincent se lanzó a la música, tocando melodías de país para una estación de radio local en Su ciudad natal de Norfolk Virginia. El anfitrión de la estación, Tex Davis, se convirtió en su manager y formó una banda de respaldo, llamando a la unidad Gene Vincent and His Blue Caps. Se envió una demostración a Capitol Records, que condujo a su firma y una sesión de grabación de cuatro canciones, que produjo el single Woman Love con Be-Bop-A-Lula en la cara B. Después de que los fanáticos de la radio consideraran que Woman Love era "demasiado sugerente", comenzaron a tocar la otra cara, que terminó ocupando las listas de éxitos durante 20 semanas, llegando a alcanzar el # 7. Vincent and His Blue Caps también tuvo una actuación de esta canción en la película The Girl Can't Help It.

Además, no se puede hablar de los Blue Caps sin mencionar al brillante Cliff Gallup en la guitarra principal. Su paso por la banda fue corto; Tocó en aproximadamente 35 canciones en el temprano catálogo de Blue Caps, pero eso fue suficiente para establecerlo como uno de los mejores guitarristas del rock and roll temprano. Jeff Beck, en particular, cita a Gallup como una gran influencia, y en 1993 lanzó un álbum de portadas de Vincent como tributo a Gallup. Desafortunadamente, no pude encontrar ningún clip de Blue Caps en vivo con Gallup, así que este bonito de Be-Bop-A-Lula, alrededor de 1958, tendrá que hacerlo. Aquí vemos a su reemplazo, Johnny Meeks en la guitarra, que no está tan mal, y que él mismo es miembro de Rockabilly HoF, pero no es Gallup. Escuche la versión de estudio de esta canción para una comparación, pero si usted es un fanático de la guitarra o un aficionado, le insto a que se haga un favor y busque algunas de las otras primeras grabaciones de Blue Caps. Compite con el diablo, Who Slapped John y Bluejean Bop son buenos, pero recomiendo Cruisin 'de 1956 si quieres escuchar un fabuloso ejemplo de las carreras rápidas de Gallup. Se mantiene hasta hoy, pero para el período, él es simplemente increíble.

Vincent ingresó en el Rock Hall of Fame en 1998, y fue la entrada inaugural del Rockabilly Hall (número de certificado 0001), presentado en 1997. Desafortunadamente, los últimos años de Vincent estuvieron plagados de dolor crónico y alcoholismo, y murió de una úlcera estomacal en 1971. La edad de 36 años.

Trivia extra: "Rocky" de George Harrison, la famosa Stratocaster psicodélica pintada a mano de Magical Mystery Tour, incluye la palabra "Bebopalula" en la obra de arte, como un homenaje a Vincent. Puedes ver una imagen de George jugando aquí.

4

Eddie cochran

Influenciado por los grandes maestros de la guitarra como Joe Maphis y Chet Atkins, la carrera de grabación de Eddie Cochran comenzó en la música country, formando equipo con el cantante Hank Cochran (sin relación) como The Cochran Brothers. Según la historia, después de ver a Elvis actuar en un concierto de 1956, Eddie cambió a un estilo más rockero, y The Cochran Brothers pronto se separó, ya que las preferencias de rock de Eddie se convirtieron en su verdadera vocación. Su avance se produjo en 1956, cuando interpretó la canción 20 Flight Rock en la película The Girl Can't Help It, irónicamente en una escena de tramas burlándose de cómo un "tipo con voz inexperta puede convertirse en una de las principales estrellas discográficas". en el país".

Cochran escribió varios éxitos, siendo su más grande Summertime Blues, que luego será cubierto memorablemente por Blue Cheer and the Who. Su uso de las técnicas de sobregrabación en el estudio en canciones como Summertime Blues, así como en C'Mon Everybody, fue innovador en ese momento. Desafortunadamente, su carrera se vio interrumpida cuando, en 1960, a la edad de 21 años, murió en un accidente de tráfico mientras estaba de gira en el Reino Unido con su amigo Gene Vincent. También en el auto con Cochran estaba la novia de Eddie, Sharon Sheeley, quien no sufrió daños, y Vincent, quien sufrió una fractura en la pierna (la misma pierna que la que ya sufrió en su accidente anterior) y otras lesiones. Al igual que Buddy Holly, la muerte prematura de Eddie Cochran a una edad tan temprana ha llevado a un estado icónico inmortal, y está consagrado tanto en el Rock and Roll como en el Rockabilly Halls of Fame.

Trivia extra: El 20 Flight Rock de Cochran fue la canción favorita de un joven Paul McCartney, y al conocer a John Lennon en 1957, impresionó mucho a John al enseñarle los acordes y a conocer todas las palabras de memoria, que John le pidió a Paul que se uniera a su grupo de skiffle, The Canteros.

3

Bo Diddley

http://www.youtube.com/watch?v=sgBbmuD_LQw

Ellas Otha Bates nació en McComb, Mississippi, en 1928, y de joven fue adoptada y criada por el primo de su madre, lo que resultó en un cambio de nombre a Ellas McDaniel. Las historias varían en cuanto a cómo adquirió el apodo de Bo Diddley, y el propio Bo no parece recordar. Inicialmente entrenado clásicamente como violinista, Bo cambió de rumbo después de ver una actuación del músico de blues John Lee Hooker.También conocido como "The Originator", debido a su papel en la fusión de la evolución del blues con el rock and roll, el estilo característico de Bo empleó un ritmo fuerte, "como tocar la batería en una guitarra", dijo una vez. Hizo un uso extensivo de la reverberación, el trémolo y la distorsión, que en ese momento era innovador. Bo diseñó sus propias guitarras, y desde aproximadamente 1959 en adelante, rara vez, si alguna vez, lo vieron sin su marca registrada de "caja de cigarros", la costumbre de Gretsch, que cariñosamente llamó "Big B". Más tarde, encargó a un constructor de guitarra australiano para una unidad de cuerpo cuadrado de reemplazo que denominó "The Mean Machine". Bo también es reconocido como uno de los primeros artistas de rock masculino que incluyó a músicas en su banda, entre ellas The Duchess (Norma-Jean Wofford), y más tarde Lady Bo (Peggy Jones).

Su primer single fue en 1955, con el doble lado A de su canción homónima, Bo Diddley, invirtió con I'm a Man, los cuales alcanzaron el número uno en las listas de R&B, aunque la mayoría de las personas probablemente estén más familiarizadas con los Yardbirds. 'Excepcional portada de I'm a Man lanzada diez años después. Siguieron muchas más canciones, y si bien no hubo más éxitos enormes, los clásicos como Roadrunner y Who Do You Love se han convertido en estándares del rock and roll. La influencia de Bo abarca muchas bandas y músicos conocidos, en particular los Stones, los Who, los Animals, Clapton, Hendrix, Billy Gibbons, George Thorogood e incluso AC / DC. Bo Diddley es miembro del Rock and Roll y del Rockabilly Halls of Fame. Murió pacíficamente en su casa el 2 de junio de 2008 a la edad de 79 años.

Trivia extra: Cuando Bo y su banda aparecieron en The Ed Sullivan Show en 1955, Sullivan quería que tocaran la canción de Tennessee Ernie Ford, Sixteen Tons, pero en su lugar tocaron Bo Diddley. Esto enfureció a Sullivan, quien, según Bo, lo llamaba "el primer niño de color que jamás lo había cruzado" y declaró que "no duraría seis meses". La sonrisa desafiante de Bo hacia un Sullivan fuera de cámara justo antes de que comience a jugar no tiene precio.

2

Carl Perkins

http://www.youtube.com/watch?v=79CJON8fv6c

Carl Lee Perkins creció muy pobre en una plantación de algodón cerca de la pequeña ciudad de Tiptonville, Tennessee, y cuando era un niño que trabajaba al lado de los trabajadores de campo negros, fue expuesto a la música gospel del sur, aprendiendo a tocar la guitarra de una mano de campo anciana. Cuando era un adolescente en los años 40, había formado una banda con sus dos hermanos. La Perkins Brothers Band pronto se convirtió en uno de los actos más populares en el circuito de bares de honky-tonk local. Un gran fan de Bill Monroe, al escuchar a Elvis en la radio que cubría una de sus canciones, se inspiró para viajar a Sun Records, en Memphis, para una audición para Sam Phillips. Allí, cortó un sencillo, una canción country escrita cuando tenía 14 años, llamada Movie Magg, que tuvo un impacto mínimo. En esta época, Elvis dejó a Sun por RCA y Phillips animó a Perkins a seguir un estilo más rockero, lo que le llevó a grabar su ya clásica canción, Blue Suede Shoes. Era 1956 y esta melodía puso a Perkins en el mapa, puesto que se ubicó en el número uno en la lista de países, y en el número 2 en las listas de pop y R&B, y se convirtió en el primer récord de ventas de Sun en millones. Perkins y su banda estaban listos para capitalizar esta atención nacional, con conciertos en los programas de televisión Ed Sullivan y Perry Como, pero en el camino a Nueva York para las apariciones, se vieron involucrados en un grave accidente de tráfico cuando el conductor de El auto en el que viajaban se quedó dormido al volante. El conductor murió y Perkins sufrió un cráneo roto y un brazo roto. El cuello de su hermano Jay estaba roto, y aunque no estaba paralizado, nunca se recuperó por completo.

En el clip de 1957 que elegí aquí, puedes ver a Jay de vuelta en el escenario tocando la 2ª guitarra, pero todavía con una orejera, y moriría por complicaciones de la lesión solo un año después. Si esta desgracia no fue lo suficientemente grave para los Perkins Brothers, solo unos meses después del accidente, mientras todavía se encontraba hospitalizado recuperándose, vieron a Elvis grabar su propia versión de Blue Suede Shoes y actuar en el programa de televisión Dorsey Brothers. La canción se convirtió en el tercer y más grande éxito de Elvis hasta la fecha, llegando al número 20, y el impulso de Perkins se detuvo. Continuó escribiendo y grabando en Sun, sin embargo, lanzó varias canciones rockabilly más, ahora clásicas, y giró durante los sesenta y más tarde como miembro de la banda de Johnny Cash, incluso escribiendo un éxito para él. Aunque Perkins nunca volvió a alcanzar el mismo nivel de éxito en las listas que el primer millón de vendedores, su lugar en la historia de la música es sólido como una roca.

Trivia extra: Los cuatro Beatles eran grandes fanáticos de Perkins, y grabaron más versiones de sus canciones que cualquier otro artista. George, en particular, cita el estilo de Perkins como una gran influencia, y Paul dijo una vez: "Si no hubiera Carl Perkins, no habría Beatles". Perkins 'Honey Don't se convertiría más tarde en un vehículo vocal de Ringo, y los muchachos incluso solicitaron la presencia de Carl en su sesión de grabación de 1964 para esta canción, lo que llevó a una larga amistad entre ellos.

1

Chuck Berry

http://www.youtube.com/watch?v=gsp4VCbVvn4

En mi opinión, Chuck Berry es el músico de rock más influyente de todos los tiempos. Fue el propio héroe de Berry, Muddy Waters, quien convenció a Berry de que se acercara a Leonard Chess of Chess Records para una audición, lo que llevó a su grabación de Maybellene, en 1955. Esa canción llegó al número 1 en las listas de Billboard R&B, vendiendo más de un millón de copias. , y él estaba en camino.Su extensa discografía incluye clásicos como Roll Over Beethoven, Too Much Monkey Business, Rock and Roll Music, Carol, Sweet Little Sixteen, Little Queenie y, por supuesto, el estándar por el cual se miden todas las demás canciones de rock and roll: Johnny B. Bueno e. Tantos artistas notables han cubierto el trabajo de Berry a lo largo de los años que ni siquiera intentaré enumerarlos a todos. Ted Nugent dijo una vez: "Si no conoces todos los chupadas de Chuck Berry, no puedes tocar la guitarra de rock". Echa un vistazo a este clip de Roll Over Beethoven y podrás ver cómo Pete Townsend y Angus Young lograron algunos de sus movimientos en el escenario, ya que la postura de Berry y la postura en solitario de guitarra fueron el prototipo para las futuras generaciones de rockeros. Al igual que con muchos otros en esta lista, sus seguidores eran grandes en el extranjero, ayudando a dar forma a muchos de los futuros actos de la invasión británica.

Los Rolling Stones eran grandes fanáticos y, en particular, Keith Richards cita a Berry como su principal influencia. Los Stones cubrieron una canción de Berry en cada uno de sus primeros álbumes, y su primer sencillo fue una versión de Berry's Come On. Los Beatles también lo cubrieron extensivamente, y los Yardbirds y los Animales también tuvieron éxito con las melodías escritas por Berry. Desafortunadamente, la carrera de Berry golpeó algunos momentos difíciles más adelante en algunos asuntos personales bastante sórdidos, pero como mencioné en una entrada anterior, solo me he centrado en su música y sus contribuciones a la historia del rock and roll. Y así, en ese sentido, opino que Chuck Berry encabeza la lista por un amplio margen.

Trivia extra: El éxito de Beach Boys en 1963, Surfin USA, es un robo flagrante de Sweet Little Sixteen de Berry, con una melodía casi idéntica y un tema lírico "ciudad por ciudad" (por no mencionar el alto riff de Movin 'n Groovin de Duane Eddy ). Cuando fue lanzado originalmente por los Beach Boys, Brian Wilson fue incluido como el único compositor, sin embargo, después de haber sido amenazado por una demanda, Berry recibió créditos únicos de escritura y regalías a Surfin USA.

Prima

Fats Domino

http://www.youtube.com/watch?v=uORo2CMUUsk

Una vez más, me encontré en una situación en la que realmente quería incluir a un artista en particular, pero no podía decidir a quién salir del top 10 para dejar espacio. Así que, en lugar de molestar para siempre, incluyo el "Domino" Fats "Antoine de Nueva Orleans aquí como entrada de bonificación. Obviamente, no tan salvaje o extravagante como los otros pianistas en esta lista, tal vez sea su naturaleza realista y su personalidad sin pretensiones lo que lo convirtió en una figura tan perdurable para los fanáticos de la música. Su primer single, The Fat Man de 1949, es considerado por muchos como el primer disco de "rock and roll", y, en una carrera que acumuló ventas de más de 65 millones de discos y no menos de treinta y siete singles entre los 40 mejores (once en el top 10, y en el número 1 de R&B número 1), ha tenido más éxitos que cualquier otra leyenda del rock de los años 50 excepto por Elvis. Fue una figura importante en la transición de rhythm and blues a rock and roll, como lo demuestra su primer éxito pop top 10 en 1956 en Ain't That a Shame. Entre sus otros éxitos notables están Blue Monday, I'm Walkin ', I'm in Love Again, y, por supuesto, su inolvidable interpretación de Blueberry Hill. Además de sus propios registros, Domino también se puede escuchar en sesiones para notables como Big Joe Turner y Lloyd Price.

Él ha inspirado e influenciado a muchos pianistas de rock futuros, incluidos Paul McCartney, Billy Joel y Elton John. Entre la primera clase de miembros del Salón de la Fama del Rock and Roll, Billy Joel habló en nombre de Domino y agradeció a Domino por "probar que el piano era un instrumento de rock and roll". Aunque inicialmente se pensó que había perecido en las inundaciones del huracán Katrina en 2005, Domino sigue vivo y bien, viviendo en su amada casa de Nueva Orleans, reconstruida en parte con los ingresos de la venta de un álbum de caridad Goin 'Home: A Tribute to Fats Domino, que contó con portadas de muchos artistas notables.

Trivia extra: Según el libro de Bob Spitz de 2005, The Beatles: The Biography, la primera canción que John Lennon aprendió a tocar en su guitarra fue Fats 'A That't Shame, enseñada a él y a un amigo por la madre de John durante las etapas formativas de lo que se convertirían en los canteros. Años más tarde, Lady Madonna de los Beatles fue un tributo al estilo de Domino, y Domino mismo lo cubrió en 1968, que fue su último single de charting.