10 orígenes de personajes de dibujos animados populares

La historia siempre me ha fascinado, y me encanta averiguar sobre la ascendencia y los árboles genealógicos. A partir de mi lista anterior, 10 canciones de los Beatles y los orígenes, esta secuela revela las historias detrás de varios personajes de dibujos animados populares. Esta publicación se creó durante un período de seis meses, utilizando videos, entrevistas, libros y muchas otras fuentes. La lista no solo es exclusiva de Listverse, sino que también es única en todo el mundo, ya que ningún libro, página web o sitio web ha proporcionado una fuente exclusiva todo en uno de esta información anteriormente, hasta ahora. Muchas gracias por leer.

10

Betty Boop

Producido: 9 de agosto de 1930 - 7 de julio de 1939.
Inspiración: Helen Kane (Cantante)

Helen Kane se convirtió en "The Boop Boop a Doop Girl" en 1928 cuando cantó la letra "boop-boop-a-doop" en la canción "That's My Weakness Now". La canción fue un éxito de la noche a la mañana, promoviendo una carrera estable en música. Al año siguiente, apareció en el cine, apareciendo con Ned Sparks y Richard Dix en la comedia de dominio público de 1929, Nothing But the Truth, donde el público vio por primera vez la tímida estrella de voz chillona, ​​completa con moño. Y una voz de canto casi infantil. "Do Something" fue su segundo número (posteriormente cortado y ahora perdido) de la película y se convirtió en un éxito nacional. Kane se ajustó a la imagen de la "chica de la aleta" de la época, la moda de lucir un corte estilo bob de Louise Brooks y un sombrero de copa con una falda corta y tacones altos. Las flappers eran en gran medida las Mujeres Liberadas de su tiempo y tenían una reputación de ser audaces, decididas y sin miedo a decir lo que pensaban.

En agosto de 1929, un animador de mucho tiempo también estaba a punto de entrar en el negocio del cine. Max Fleischer ya había tenido un pequeño éxito con Ko-Ko el payaso, y también hizo películas educativas antes de la creación en 1929 de Fleischer Studios. Utilizó su propio invento, la máquina de rotoscopio, para crear la serie Talkartoon de 42 dibujos animados, comenzando con Noah's Lark en octubre de 1929. Hot Dog, el tercero de la serie, presentó más comedia en la forma del temerario y propenso a accidentes Bimbo el perro. El éxito de este personaje significó que los animadores pronto diseñaron novias potenciales. Según los animadores, el boceto inicial de Betty era un caniche francés antropomorfo de tamaño más grande, con largas orejas caídas y un moño. Las orejas se transformaron constantemente en pendientes de aro, y la cara se volvió más parecida a la humana, hasta que el diseño final reveló una forma completamente humana (y aún así ella seguía siendo la novia de Bimbo, la perra).

La primera Betty Boop apareció en la sexta entrega de la serie Talkartoon de Fleischer, el 9 de agosto de 1930, en un dibujo animado llamado Dizzy Dishes. Betty fue presentada como una bailarina y cantante, con piernas largas, cara cuadrada y, característicamente, una voz chillona y lenta como la de un niño. Los dos personajes rápidamente se convirtieron en un éxito notable, y no pasó mucho tiempo antes de que la extravagante y franca Betty comenzara a eclipsar a Bimbo y protagonizar sus propios dibujos animados. Protagonizó 111 dibujos animados entre 1930 y 1939, incluyendo Minnie the Moocher (1932) con canciones de Cab Calloway, y Poor Cinderella, su única aparición en color, lanzada el 3 de agosto de 1934. Se convirtió en una estrella autoproclamada y sigue siendo muy popular. Hoy, más de 80 años después. Sin embargo, desde el principio quedó claro que Betty no solo estaba basada en el modelo de Helen Kane (los gestos, las canciones, la voz), sino que era una copia directa uno a uno. Mae Questel, quien fue la primera en expresar a Betty y la siguió en Who Framed Roger Rabbit (1988), fue elegida por el productor de dibujos animados Max Fleischer porque quería "un sonido de Helen Kane para Betty Boop". El nombre Betty 'Boop' podría implicar de inmediato una conexión entre ella y el "Boop Boop a Doop Girl" de unos pocos años antes.

Tanto es así que en mayo de 1932, Helen Kane intentó demandar a Fleischer Studios y Paramount Pictures por $ 250,000 por tratar de hacerse pasar por ella. Cuando el caso finalmente se puso en marcha en abril de 1934, Fleischer convenció a las seis chicas que ya habían expresado a Betty para que negara que la voz de Betty era un intento de imitar la voz de Helen Kane. Otro testimonio dijo que "Boop Boop a Doop" no era sinónimo, y de hecho, la frase "Boop Oop a Doop" llegó mucho antes de la popularidad de Helen Kane. Paramount Pictures incluso produjo un clip de otra cantante, Baby Esther, que dijeron que usaron la misma frase en una canción en 1928. Se llamó a otros testigos para decir que el personaje en realidad estaba inspirado en muchas influencias, sobre todo Clara Bow, una gran estrella. en Hollywood, recientemente se retiró en 1933 después de su última película, Hoop-la. De hecho, a todo color Poor Cinderella lanzado cuatro meses después (después de que Rise to Fame de Betty Boop y Trial de Betty Boop intentaron vender una versión diferente de la historia de Betty), vemos a Betty con el pelo rojo fuego característico de Clara Bows en lugar del negro liso. Como si los productores intentaran distanciarse de Helen Kane. Al final, Kane no tuvo éxito en su caso para obtener dinero del personaje de Betty Boop, un personaje que duraría más que la carrera de Helen Kane, un personaje que obviamente se basó en ella, y sin embargo murió sin recibir un centavo. de eso. Lo que al principio comenzó como una broma alegre, lo que halagó a Kane finalmente terminó por convertirla en un escándalo y reemplazarla. En cuanto a Fleischer, en 1933 adquirió los derechos para producir las caricaturas de Popeye the Sailor; una figura que asumirá el calendario de lanzamiento de Paramount para los próximos 25 años.

9

cerdo Porky

Producido: 9 de marzo de 1935 - 10 de marzo de 1956.
Inspiración: Joe Cobb (Actor) como Joe en la serie de televisión "Our Gang" (1922-1929)

Our Gang (más tarde renombrada como The Little Rascals) comenzó como una serie de comedias mudas hechas en el estudio de Hal Roach en Culver City desde principios de la década de 1920 hasta 1944. El espectáculo presentaba a una serie de actores infantiles que regularmente se metían en todo. tipos de rasguños y luego tratar de salir de ellos otra vez. El programa presentó a muchos miembros del reparto a lo largo de su carrera, especialmente el personaje "Alfalfa" interpretado por Carl Switzer. Joe Cobb apareció por primera vez en el grupo como "Joe" en el cortometraje The Champeen, lanzado el 28 de enero de 1923, y protagonizó 86 episodios de la serie; sobre todo The Big Show (1923), la lección del sábado (la última película muda de la serie) y el primer pequeño charla parlante (publicado en 1929). Joe interpretó al estereotipado "niño gordo", siempre sonriente pero desafortunado, que a menudo organiza bromas y misiones para los demás. La última aparición de Joe llegó en Lazy Days, lanzado el 15 de agosto de 1929, antes de ser reemplazado por su propio hermano en pantalla “Chubby” (interpretado por Normal Chaney), quien Joe mismo había presentado a la pandilla en solo el episodio anterior, Railroadin '( 1929).

A principios de la década de 1930, Leon Schlesinger, quien había fundado su compañía de producción Pacific Title and Art en 1919, había obtenido un contrato para producir la serie Looney Tunes para Warner Bros. y estaba produciendo los primeros episodios de Looney Tunes con "Bosko, un joven Chico negro "de su lote de Sunset Boulevard en la esquina de Van Ness y Fernwood. Después de 30 episodios de la serie, llegó la hora de un cambio, y ciertamente la versión de dibujos animados de un joven negro con su grueso dialecto del sur de los Estados Unidos había pasado de moda a las audiencias teatrales, que querían un personaje menos políticamente evitado. En 1933, Hugh Harman y Rudolf Ising abandonaron el estudio y se llevaron a Bosko su creación, dejando al estudio de éxito de la Depresión con solo un "Buddy" bastante insípido (a quien el animador Bob Clampett describió como "Bosko en cara blanca") para mantenerlos a flote . Schlesinger le pidió al animador Robert 'Bob' Clampett y al director del estudio Friz Freleng que diseñaran una nueva serie de personajes para llenar el vacío, y sugirieron que hicieran una versión animada de las películas de Our Gang. En el corto resultante, No tengo un sombrero (publicado el 2 de marzo de 1935), el reparto incluyó: Beans the cat, Oliver Owl, una vaca de origen materno llamada Mrs. Cud, y un Porky Pig completamente desconocido en el 'Joe' Rol: cuya apariencia de cameo brilló tanto que reemplazó a Buddy al instante como la estrella principal de los estudios. Tex Avery se apresuró a capitalizar el creciente éxito de Porky cuando fue incorporado como productor de la serie en 1936, y reutilizó rápidamente gran parte del reparto de I Haven't Got a Hat in Gold Diggers del 49.

El nombre de Porky vino de Friz Freleng, quien recordó a dos amigos y hermanos de la infancia apodados "Porky" y "Piggy" y decidió poner los dos nombres juntos. Su característico tartamudeo en realidad proviene de Joe Dougherty, el primer actor de voz que el estudio redactó para expresar a Porky. Joe tuvo un tartamudeo muy pronunciado y forzó al director Freleng a tomar una toma tras otra de una tartamudez incontrolable. Finalmente, el estudio se dio cuenta del alto costo de producción de las muchas horas de material desperdiciado y reemplazó a Dougherty con Mel Blanc en 1937. Para entonces, el tartamudeo se había asociado tanto con el personaje que se le pidió a Blanc que lo usara para crear una comedia más precisa. efecto en lugar de un matiz general. Se sabe que Porky suele tropezar con palabras pequeñas hasta que el personaje puede encontrar un sustituto más pronunciable, incluso si esa palabra es mucho más larga y complicada que la original. La personalidad de Porky también maduró de ser un personaje principal bastante despreocupado a un compañero de "todos los hombres" ingenioso y reflexivo, como se vio más tarde, se asoció con Bugs Bunny y luego con Daffy Duck, antes de volverse más serio y enojado con Sylvester durante los años cincuenta.

El legado de Porky también continúa con su línea de firma "¡Th-th, eso es todo amigos!", Escuchada al final de los episodios de Looney Tunes. Esta línea fue originalmente hablada por un bufón de la corte desde principios de los años 30, y también la hablaron Bosko y Buddy e incluso Beans, el gato antes de que Porky llegara y lo hiciera suyo. Curiosamente, fue el tartamudeo lo que hizo que la línea fuera más memorable. Incluso la serie hermana de Warner Bros. Merrie Melodies (que siempre había usado "So Long, Folks!" Para cerrar sus cortometrajes) cambió a la línea Porky más pegadiza en 1936 después de que las encuestas de opinión encontraron que la mayoría de las personas estaban mejor asociadas. 1936 fue también el año en que Porky apareció por primera vez en color gracias al nuevo proceso Technicolor de tres bandas, y la introducción de las ya legendarias secuencias de títulos de apertura y cierre.

8

Bugs Bunny

Producido: 30 de agosto de 1938 - 16 de junio de 1964.
Inspiración: Clark Gable (actor) en Sucedió una noche (1934)

Ahora disfrutando de un creciente éxito financiero con Porky pig, Leon Schlesinger estaba interesado en presentar nuevos personajes a sus series Looney Tunes y Merrie Melodies, comenzando con Daffy Duck y Elmer "Egg Head" Fudd en 1937. En esta época, Friz Freleng se fue para unirse MGM (aunque regresaría dos años después) y su reemplazo como director recayó en el inexperto Cal Dalton. El boceto original de Cals para Happy Wabbit (más tarde Bugs) muestra un carácter mucho menos definido con una nariz más larga que sobresale y una cola de algodón mullido, y muy diferente de la figura que vemos hoy. La primera aparición de Happy en Porky's Hare Hunt, lanzada el 30 de abril de 1938, vio cómo Porky, ahora bien establecido, se encuentra con un conejo loco por los disparos en un complot casi idéntico a la caricatura Porky's Duck Hunt de Tex Avery en 1937, en la que se presentó Daffy Duck.La película fue codirigida por Ben 'Bugs' Hardaway, quien desarrollaría el personaje con Bob Clampett y Tex Avery durante los próximos años para perfeccionar el aspecto y la personalidad de los personajes. Su voz alta y risa de martillo se guardaron para el próximo personaje de Woody Woodpecker en los estudios, quien apareció en 1940, dando a los productores una pizarra en blanco con la que trabajar. Avery prefería alejarse del personaje hiper maníaco Daffy hacia un personaje más relajado y reflexivo, con un aire de estilo y capaz de tomar todo a su ritmo, como Clark Gable en It Happened One Night.

A Wild Hare, dirigida por Tex Avery y lanzada el 27 de julio de 1940, fue el resultado de todo este arduo trabajo: la introducción de un personaje de Bob Clampett casi completamente rediseñado, el recientemente renombrado Bugs Bunny; junto con un Elmer Fudd totalmente rediseñado y formado. La caricatura también fue la primera en la que Mel Blanc usa lo que se convertiría en la voz estándar de Bugs, así como la primera vez que Bugs usa su lema "¿Qué pasa, Doc?", Que fue una línea escrita por el director Tex Avery para esta, su primera Bugs Bunny corto. Avery dijo que escuchó la frase durante su juventud en Texas, donde el término se había vuelto increíblemente común. Según Chuck Jones, Friz Freleng y Bob Clampett, la posición de pie despreocupada de masticar zanahoria de Bugs Bunny se originó en una escena en Sucedió una noche mientras Clark Gable se apoya en una cerca mientras mastica zanahorias crudas rápidamente y habla con la boca llena. La personalidad de "saberlo todo" de los insectos que hablan rápidamente y de manera inteligente también proviene de la misma película en la que Gable intenta abrirse paso rápidamente en el corazón de Claudette Colbert. El nombre 'Bugs' fue elegido como una referencia a la naturaleza obsesiva y loca de los conejos. Su voz "es una mezcla igual de acento del Bronx y acento de Brooklyn", según Mel Blanc, quien desarrolló la voz en línea con el personaje de Gable (que nació en Nueva York), y el lugar de nacimiento de los insectos se observa como: Brooklyn, Nueva York en un campo cubierto por Ebbets Field, hogar de los Brooklyn Dodgers, nacido el 27 de julio de 1940.

Tex Avery y Chuck Jones desarrollarían el personaje durante muchos años, y Bugs ganaría y perdería peso, estatura y definición a medida que pasaban los años. Su personalidad, una vez que también se inspiró en Groucho Marx (se sabe que Bugs usa la línea “¡Por ​​supuesto que te das cuenta, esto significa guerra!” De la película Marx Bros., Duck Soup (1933), y que a menudo se ve imitando a Groucho), fue luego disminuyó el tono para convertirse en un "conejo molesto" y más en un personaje impulsado por las ideas, enviando a otros personajes a "locos" en lugar del conejo mismo. Protagonizó 167 cortometrajes de animación para la serie Looney Tunes y Merrie Melodies hasta junio de 1964, cuando el personaje fue retirado, pero apareció nuevamente en los años 80 y 90 en varios especiales únicos, un cameo en Who Framed Roger Rabbit (1988 ) y junto a Michael Jordan en Space Jam (1996).

7

Tom y Jerry

Producido por primera vez: 10 de febrero de 1940 - 1 de agosto de 1958.
Inspiración: Primera Guerra Mundial / Segunda Guerra Mundial.

William Hanna y Joseph Barbera formaron parte de la unidad de producción de películas de Rudolf Ising en los estudios de dibujos animados de MGM a fines de los años treinta. MGM esperaba convertirse en rivales de las establecidas Leon Schlesinger Productions (bajo Warner Brothers) y Max Fleischer Studios (con Paramount Pictures) y capitalizar el interés recientemente redescubierto en los cortometrajes de animación. A pesar de haber adquirido a Friz Freleng de Schlesinger Productions, su primer proyecto titulado The Captain and the Kids tuvo un desempeño muy pobre y el estudio se vio obligado a simplificar el departamento para ahorrar costos. Joseph Barbera, un guionista y diseñador de personajes, fue emparejado con William Hanna, un director de producción, con la esperanza de que trabajar tan estrechamente resultaría más rentable. En su primera reunión de producción, Barbera sugirió que probaran el escenario de un gato y un ratón, y dibujaron los personajes que necesitarían para producir Puss Gets The Boot, lanzado el 10 de febrero de 1940.

En las entrevistas, Joe Barbera dijo más tarde: “Sabíamos que necesitábamos dos personajes. Pensamos que necesitábamos conflicto, persecución y acción. Y un gato detrás de un ratón parecía un pensamiento bueno y básico ”. La historia original giraba en torno a un gato tabby de pelo corto doméstico azul y blanco llamado Jasper en sus intentos de atrapar a un ratón de casa llamado Jinx, mientras que evitaba a la criada afroamericana Mammy (quien más tarde se convertiría en el dueño de Tom). Ante esto, el salvaje Jasper fue visto como un cuadrúpedo y tenía una inteligencia normal parecida a un gato, en contraste con Jinx, que era bípedo y tenía una inteligencia más humana. Entre ellos rompían cosas y dañaban los muebles de la casa hasta que el gato era literalmente tirado, dejando a Jerry libre para seguir adelante como él quisiera. Sin embargo, este partido aparentemente alegre tenía un lado oscuro en el sentido de que también se suponía que aumentaría la moral civil durante la Segunda Guerra Mundial. El 10 de febrero de 1940 también coincidió con el comienzo de la Batalla de Gran Bretaña, cuando los combatientes alemanes atacaron un convoy en la costa de Dover. América no estaba oficialmente en la guerra en esta etapa, aunque el apoyo a los británicos "Tommys" era fuerte entre los estadounidenses. De alguna manera, la historia del gato y el ratón había golpeado una cuerda.

Hanna y Barbera, ajenos a esto, continuaron haciendo nuevos cortometrajes como Gallopin 'Gals (1940) y Officer Pooch (1941) y casi se olvidaron de sus personajes de gatos y ratones. Eso fue hasta que Puss Gets The Boot perdió por poco un Premio de la Academia a La Vía Láctea (1940), otra producción de Rudolph Ising, al Mejor Corto Tema: Dibujos animados de 1941. Los escépticos de MGM fueron silenciados de inmediato, y Fred Quimby, el gerente de producción de El estudio de animación MGM, rápidamente sacó el par de sus proyectos actuales y puso en marcha el gato y el ratón de nuevo en producción.Las primeras cosas que se cambiaron fueron los nombres de los personajes. En el libro "Tom & Jerry: La guía definitiva para sus aventuras animadas", Patrick Brion recuerda una competencia en el estudio para nombrar a la pareja al sacar sugerencias de un sombrero. El animador John Carr ganó $ 50 por su sugerencia de nombrarlos Tom y Jerry. La sugerencia de Carr surgió de dos ideas: en primer lugar, que un gato debería llamarse Tom debido a la asociación con el gato como una raza de gato. En segundo lugar, porque las travesuras de guerra entre los dos personajes le recordaban a los Tommies y Jerries que luchaban en la Primera Guerra Mundial, una situación que recientemente se había repetido de alguna manera.

The Midnight Snack apareció como su próximo cortometraje el 19 de julio de 1941, la misma fecha en que Winston Churchill lanzó su campaña "V for Victory". Los personajes aparecerían en cuatro o cinco cortometrajes al año, con un total de 114 películas cuando el estudio de caricaturas MGM se cerró en 1957, con los últimos dibujos animados lanzados en 1958. Esto dio lugar a que Hanna y Barbera comenzaran su propia animación. El estudio (ahora dirigido principalmente a cortos de televisión de bajo presupuesto) llamado Hanna-Barbera Productions Inc. en 1957, aunque pasaría algún tiempo antes de que el estudio ganara dinero. MGM retuvo la licencia de Tom y Jerry, y en un giro controvertido decidió reactivar la serie a principios de la década de 1960 utilizando el estudio con sede en Praga Rembrandt Films, con el animador Gene Deitch y producido por el propietario de la compañía William L. Snyder. Checoslovaquia fue una elección muy controvertida, dado que estaba escondida detrás de la Cortina de Hierro, la Guerra Fría estaba en su apogeo y la Crisis de los misiles en Cuba ocurrió durante la producción. Tanto Samuel Goldwyn como Louis B. Mayer eran europeos del este, de Varsovia y Minsk, respectivamente.

6

Cuerno de niebla

Producido: 31 de agosto de 1946 - 29 de junio de 1963.
Inspiración: Kenny Delmar (actor) como el senador Beauregard Claghorn

Kenny Delmar apareció por primera vez como el senador Beauregard Claghorn en el segmento "Allen's Alley" del programa The Fred Allen Show de la NBC Radio el 5 de octubre de 1945, donde interpretó a un ventoso y escandaloso hombre de negocios sureño de Charleston, Carolina del Sur. Claghorn estaba obsesionado con todas las cosas del 'Sur' y solía bromear con que el Sur era mejor que el Norte por una variedad de razones diferentes. Sus frases pronto se hicieron famosas, como "¡Eso es una broma, hijo!" Y "¡Presta atención ahora, muchacho!" Y el senador a menudo insertaba "Ah dice" y "Eso es ..." en el medio y al final de las oraciones. . Claghorn pronto fue parodiado en otros programas, incluso se convirtió en una característica habitual del programa de televisión Jack Benny, y después de que Fred Allen Show se cerró en 1945, Delmar continuó con la imagen de Claghorn en comerciales, en dos discos de éxito, una película titulada Es una broma. Hijo (1947) coprotagonizó a Una Merkel como la Sra. Claghorn, y finalmente en un episodio del programa Four Star Revue en 1953. Kenny Delmar se desvaneció lentamente en la oscuridad después de su período en el Senador Claghorn y su película de 1947 está ahora en el dominio público.

En 1944, Leon Schlesinger vendió su estudio a Warner Bros. Robert McKimson, quien se convirtió en el animador principal en los últimos años 30 (un papel que encontró bastante abrumador), inicialmente rechazó un puesto de director de Schlesinger en 1937, considerando que el puesto estaría lejos. demasiado desafiante El trabajo fue a Chuck Jones en su lugar. Cambió de opinión en 1945 después de que Frank Tashlin (Director) y Bob Clampett (Animador) abandonaran Warner Bros., lo que obligó al equipo restante a unirse y seguir luchando. Para entonces, el estudio ya había pasado de Porky, Daffy y Bugs, y un nuevo personaje 'Tweety' era básicamente todo lo que tenían. Mientras continuaban desarrollando un gato llamado Willoughby, que luego se convertiría en Sylvester, el villano de Tweety, también necesitaban un nuevo conjunto de personajes para ponerse al día. Robert McKimson produjo algunos bocetos para su primer proyecto de dirección, que giraba en torno a un gallo de corral. El diseño inicial de los personajes fue refinado por Cal Dalton, y el siempre popular Mel Blanc entró para hacer la voz.

De acuerdo con McKimson, la voz del gallo blabbermouth se originó en dos fuentes: de un personaje de sheriff con problemas de audición en un programa de radio llamado Blue Monday Jamboree de la década de 1930, y principalmente del personaje Claghorn de Delmar en el programa de Fred Allen, completo con el El mismo cofre hinchado, su andar y sus frases. El nombre de los personajes también viene en dos partes, en primer lugar Claghorn fue cambiado a Foghorn para acentuar el hecho de que el personaje hablaba muy directamente y muy fuerte (como Claghorn), y en segundo lugar añadió "Leghorn", que es una raza de pollo.

Walky Talky Hawky apareció el 31 de agosto de 1946, la primera de las 28 caricaturas con el personaje de Foghorn Leghorn hasta que Leghorns se retiró con Banty Raids marcando su última aparición el 29 de junio de 1963. Para entonces, los diseñadores habían creado Yosemite Sam, Speedy, Wile E. Coyote y The Road Runner, y estos personajes también estaban llegando al final de sus carreras de producción, con un nuevo Marvin el marciano haciendo su primera aparición solo cuatro meses después. El estudio continuó durante tres años más hasta que la división de animación de Warner Bros. se cerró a fines de 1966, lo que obligó a McKimson a abandonar el barco para unirse a sus antiguos asociados Friz Freleng y David H. DePatie (que había sido productor en el estudio Warners ) en el recientemente lanzado DePatie-Freleng Enterprises. McKimson regresó brevemente a Warner cuando el estudio de animación se reabrió bajo la bandera de 'Seven Arts' en 1967, hasta que el estudio se cerró definitivamente el 20 de septiembre de 1969, con Injun Trouble (dirigida por Robert McKimson) como la última Merrie Melodies / Looney Toons dibujos animados.McKimson decidió regresar a DePatie-Freleng, donde dirigió The Pink Panther Show, entre muchos otros espectáculos, antes de morir de un ataque al corazón en 1977.

5

Los Picapiedras

Producido: 30 de septiembre de 1960 - 1 de abril de 1966.
Inspiración: El programa de televisión de Honeymooners (1955-56)

The Honeymooners era una comedia estadounidense de mediados de la década de 1950 sobre cuatro personajes extraños en un edificio de apartamentos de Brooklyn. El esposo Ralph (interpretado por Jackie Gleason) era un conductor de autobús cuyos planes locos por enriquecerse rápidamente a menudo desalentaban a su esposa Alice Kramden (Audrey Meadows), quien siempre lo apuraba y le señalaba la inutilidad de los planes de Ralph. En un departamento adyacente, vivían el mejor amigo de Ralph, Ed, un trabajador de alcantarillado de la ciudad de Nueva York, y su esposa Trixie, la mejor amiga de Alice. Cuando Ralph se enoja e ignora el consejo de Alice, a menudo decía: "¡Uno de estos días ... POW! ¡En el beso! ”, Que se convirtió en un eslogan nacional, y el espectáculo se convirtió en un gran éxito.

Mientras tanto, William Hanna y Joseph Barbera aún intentaban pagar las facturas en Hanna-Barbera Productions Inc luego de la separación de MGM en 1957. Ahora, privados de sus $ 600,000 al año ($ 35,000 por caricatura de siete minutos) en el presupuesto de MGM, habían tomado su arte. a la televisión: primero con The Ruff y Ready Show, y luego con The Huckleberry Hound Show y The Quick Draw McGraw Show, con una línea de animación limitada mucho menos sofisticada y un presupuesto de solo $ 3,000 por caricatura de cinco minutos. A pesar de algunos problemas de control de calidad, el estudio se estaba volviendo cada vez más conocido como el Rey de las caricaturas del sábado por la mañana, y aún así carecía de un mega éxito para competir con su apogeo de Tom y Jerry. Joseph Barbera comenzó a trabajar en varios diseños de personajes nuevos, casi todos rechazados. Finalmente se le ocurrió la idea de basar una comedia en dos amantes enredados (y su Hijo, Fred Jr.) en el mismo estilo que The Honeymooners. Durante una entrevista, Barbera observó: “En ese momento, The Honeymooners fue el programa más popular de la televisión. Los personajes fueron estupendos. Eso influyó enormemente en lo que hicimos con The Flintstones ". La personalidad de Fred era ser una combinación de Ralph Kramden de The Honeymooners y Chester A. Riley de The Life of Riley (también interpretada originalmente por Jackie Gleason) como la figura de padre de la familia. . Wilma Flintstone también fue una imitación directa de Alice Kramdem, completa con desprecios condescendientes y un don para gastar el dinero de Fred. Barney y Betty Rubble se agregaron más tarde y conservaron gran parte de la química de los "mejores amigos" de The Honeymooners, y fueron las consecuencias de los Flintstones. Mel Blanc fue elegido para hacer la voz de Barney.

El espectáculo pasaría por una gran cantidad de cambios de diseño antes de que se lograra el concepto final. Inicialmente, los personajes fueron modelados como Hillbillies, antiguos romanos, peregrinos y luego indios nativos americanos antes de establecerse en la familia de la Edad de Piedra. Parte de la razón de esto fue que pensaban que los artilugios y artilugios modernos podían transferirse fácilmente al formato de civilización antigua (p. Ej., Picos de pájaros para paños de tela, aardvarks como aspiradores) y, por lo tanto, podían instalar una gran cantidad de gags visuales de esta manera. El nombre del programa originalmente se tituló 'The Flagstones', pero esto se cambió a 'The Gladstones' debido a los derechos de autor, y finalmente a The Flintstones. Al final de la preproducción también se decidió abandonar a Fred Jnr. del elenco para concentrarse más en los personajes principales, a pesar de varias tiras cómicas con Fred Jnr. Ya se había producido.

Joe Barbera participó en un programa piloto para los Flintstones y se dirigió a Nueva York para pasar ocho semanas agotadoras viviendo y saliendo de maletas y repitiendo la misma rutina audiovisual todos los días. Cuando interpretaba las escenas y interpretaba todas las voces de los personajes, a menudo se pedía a Barbera que presentara el espectáculo como una forma barata de entretenimiento ligero para los potenciales patrocinadores, aunque ninguno de los cuales quería comprar el espectáculo. Después de lanzar durante siete semanas y seis días, a veces con hasta cinco lanzamientos por día, Barbera estaba al borde del agotamiento y estaba lista para rendirse y regresar a California para deshacerse de toda la idea. Su último lanzamiento ocurrió a las 9 am en una mañana gris en su habitación de hotel, donde Leonard Goldenson y Oliver Treyz de la cadena de televisión ABC compraron el programa en solo 15 minutos. Joe Barbera luego dijo que se despertaría con sudores fríos incluso muchos años después, sabiendo que este era el día que salvó a Hanna-Barbera.

El primer episodio de Los Picapiedra se transmitió a las 8 pm el viernes 30 de septiembre de 1960. Al día siguiente, Variety lo llamó "Un desastre con la pluma y la tinta" y los críticos rápidamente condenaron el concepto. Sin embargo, los Flintstones abrieron nuevos caminos en todos los sentidos y esto eventualmente obligó a los críticos a ceder. Seis años después, el 'desastre' seguía en marcha. Las primeras dos temporadas fueron copatrocinadas por los cigarrillos Winston y los personajes aparecieron en varios comerciales de televisión en blanco y negro para Winston, prácticamente los únicos personajes de dibujos animados que fuman y promueven fumar en la pantalla. Los Flintstones fue el primer programa animado estadounidense en representar a dos personas del sexo opuesto que duermen juntas en una cama, el primer programa animado que duró más de dos temporadas y el primero en mostrar un embarazo cuando Wilma quedó embarazada en el episodio "The Surprise ”(25 de enero de 1963) y un nacimiento (Peddles Flintstone) en“ Dress Rehearsal ”(22 de febrero de 1963). Los productores más tarde revivieron el Fred Jr. y se le ocurrió el hijo adoptivo de Barney y Betty, Bamm-Bamm, con "Little Bamm-Bamm" (emitido el 3 de octubre de 1963), que también fue el episodio # 100.

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Razas extravagantes

Producido: 14 de septiembre de 1968 - 4 de enero de 1969.
Inspiración: La Gran Raza (1965).

The Great Race fue una película de comedia de slapstick protagonizada por un fanático de la pelota Jack Lemmon, un Tony Curtis seco y una valiente Natalie Wood, y dirigida por Blake Edwards, quien ya había puntuado altamente con Breakfast at Tiffany's (1961), y recientemente The Pink Panther (1963) y A Shot in the Dark (1964). La historia habla de una carrera de Nueva York a París (el largo camino) y presenta las locas travesuras del Profesor Fate (Jack Lemmon) y su compañero Maximilian 'Max' Meen (Peter Falk) en su convertible negro personalizado 'The Hannibal Twin- 8, 'mientras intentan superar a The Great Leslie (Tony Curtis) en el' Leslie Special 'usando todos los medios necesarios. No pasa mucho tiempo antes de que los otros pilotos se encuentren saboteados fuera de la carrera, dejando a los héroes torpes enfrentados (incluso hombro con hombro), hasta que un ruso loco decide echar a perder toda su diversión.

Después de Los Picapiedra, Hanna y Barbera regresaron a la mesa de dibujo para encontrar una nueva inspiración. Encontraron a su musa con las exitosas adaptaciones de The Impossibles (1966), The Herculoids (1967) y los héroes de Marvel Comics The Fantastic Four (1967) antes de regresar a los archivos para sacar sus notas sobre The Great Race. Se habían hecho muchos diseños conceptuales de un posible proyecto de 'Wacky Races', y para 1968 estos planes estaban casi completos. Los personajes principales se mantuvieron sin cambios con respecto a la película: el villano Dick Dastardly y su compañero Muttley eran copias de Fate y Meen, con Dastardly vistiendo el mismo abrigo largo de color azul con sombrero de copa y gafas protectoras, un bigote en el manubrio y una conducción casi idéntica El auto negro 'cohete de nariz' ahora se llama 'The Mean Machine 00' (The Double Zero) - que presentaba artilugios similares. Muttley también lució el mismo sombrero y gafas que Peter Falk en el original. Dastardly conservó muchas de las frases de Lemmon como Prof. Fate, como "Drat, drat, and double drat!", "¡Maldiciones, frustradas de nuevo!" Y su grito de desesperación habitual: "¡Muttley, haz algo!" Peter Perfect se hizo cargo de El papel de Curtis en 'The Turbo Terrific'. Penelope Pitstop reemplazó a Natalie Wood en el 'Compact Pussycat', un auto rosado que recuerda mucho a la 'Leslie Special' de White, junto con The Slag Brothers en 'The Bouldermobile,' Rufus Ruffcut and Sawtooth en 'The Buzzwagon' y Sergeant Blast and Private Manualmente en 'The Army Surplus Special' para reemplazar a personajes similares de la película. Trajeron a Daws Butler y Don Messick para hacer las voces masculinas, con Paul Winchell como Dastardly y Janet Waldo como Penelope Pitstop.

El programa se emitió en septiembre de 1968 en la Red CBS a una pequeña fanfarria, y se presentó durante una temporada de 17 shows. Penelope Pitstop y Ant Hill Mob formaron parte de su propia serie de dibujos animados en 1969 titulada The Perils of Penelope Pitstop, y en el mismo año Dastardly y Muttley obtuvieron su propio programa llamado Dastardly and Muttley en sus máquinas voladoras (a veces conocido erróneamente como ' Stop The Pigeon 'después de que el título de trabajo de la serie fue cambiado después de que se completó el tema de la música). Ambos shows corrieron durante dos temporadas. Luego, en 1976, apareció The Mumbly Cartoon Show, basado de manera idéntica en Muttley de Wacky Races (y aún expresado por Don Messick), pero esta vez visto como un detective y con un abrigo largo. Al año siguiente, Dread Baron apareció en la caricatura de Laff-A-Lympics, que aún se oía por Paul Winchell y que nuevamente miraba de forma casi idéntica a Dick Dastardly, excepto por unos pocos cambios cosméticos. Dread Baron y Mumbly seguirían apareciendo durante los años siguientes hasta que Dastardly y Muttley regresaran brevemente en la serie de 1985 Yogi's Treasure Hunt, solo para ser extrañamente reemplazados nuevamente por Dread Baron y Mumbly para la próxima temporada. Los Slag Brothers de Wacky Races también se actualizaron en 1977 y se transformaron en Captain Caveman para la serie Captain Caveman and the Teen Angels.

Vale la pena señalar que Peter Falk, quien apareció como la inspiración original de Muttley / Mumbly, usaría estos mismos personajes para inspirar su propia creación: Frank Columbo en la exitosa serie 'Columbo' (1968-2003). En Columbo, Falk usaría una gabardina similar a la de Mumbly, caminaría con el mismo escalón, conduciría autos viejos rotos y, en general, tenía el mismo estilo satírico y los mismos patrones de habla que Mumbly, a menudo murmurando palabras entre dientes y hablando solo. . Además, Mumbly y Columbo eran ambos tenientes detectives de la policía y ambos tenían risas sibilantes, en el caso de Columbo debido a fumar cigarros.

3

Scooby Doo

Producido: 13 de septiembre de 1969 - Presente.
Inspiración: La serie de televisión Archies (1968-69)

En 1967, organizaciones dirigidas por padres como Action for Children's Television (ACT) comenzaron a protestar contra lo que consideraban una tendencia creciente hacia la violencia en las caricaturas del sábado por la mañana. Citaron en particular los dibujos animados de Hanna-Barbera como Jonny Quest, Space Ghost y The Herculoids como los principales delincuentes, y presionaron a los estudios para que los reemplazaran. Como resultado, Hanna-Barbera comenzó en 1969 con la mayoría de sus shows cancelados, con miembros de algunos de estos grupos de presión instalados para monitorear toda la producción posterior. Fred Silvermann, el encargado de la programación infantil en CBS, vio la necesidad de revitalizar las caricaturas del sábado por la mañana y encargó The Archie Show, basado en el cómic cómico de humor de Bob Montana "Archie", y fue principalmente una comedia sobre una banda de pop y su los intentos de obtener reconocimiento de una manera similar al programa de televisión The Monkeys, que había cesado su producción solo el año anterior. El espectáculo fue un éxito y generó muchos éxitos como "Sugar, Sugar", que fue el éxito número uno de Billboard más exitoso de 1969.The Archies se desarrolló entre el 14 de septiembre de 1968 y el 30 de agosto de 1969 y condujo directamente a: Sabrina, la Bruja Adolescente (1971-1974) y The Groovie Goolies (1971-1972). La serie fue creada por Filmation, una compañía que ya había alcanzado un nivel de éxito con las caricaturas de Superman de 1966, y alcanzaría un mayor éxito en los años ochenta.

Después de The Archie Show, Fred Silverman se acercó a William Hanna y Joseph Barbera con la idea de crear un "programa de misterio" con cinco niños locos en un grupo de rock de adolescentes y sus esfuerzos por resolver misterios y cometer crímenes. El trabajo de diseño del espectáculo fue entregado a los escritores de cuentos Joe Ruby y Ken Spears y al artista Iwao Takamoto, cuyos diseños iniciales fueron rechazados por Silverman, quien sintió que la trama se estaba volviendo "demasiado aterradora", y temía una reacción violenta de los diversos grupos de acción del hora. Para hacer que el concepto sea menos atemorizante, a Joe Barbera se le ocurrió incluir a un perro como personaje principal y como complemento del espectáculo, de la misma manera que Muttley se había utilizado en Wacky Races. El segundo diseño conceptual vio el título de trabajo cambiado a 'Misterios Cinco', y presentaba a: Geoff, Mike, Kelly, Linda, el hermano de Linda "WW" y su perro, un gran danés llamado "Demasiado": todos eran miembros de un Banda de rock llamada Mysteries Five. Aún así, el proyecto fue rechazado por Silverman, quien influyó aún más en el control sobre el tercer borrador del concepto. Ahora llamados Who's S-S-Scared, y sin gran parte del elemento de la banda de rock, Geoff y Mike se fusionaron en un personaje llamado Ronnie, quien más tarde fue renombrado nuevamente a Fred Jones a petición de Silverman, quien interpretó al tenebroso novio en el show. Kelly pasó a llamarse Daphne Blake, la novia atractiva de Fred. Linda ahora se llamaba Velma Dinkley, el cerebro del atuendo que reunía las pistas. "W.W" pasó a llamarse Norville "Shaggy" Rogers y ya no era el hermano de Velma, sino que ahora era un personaje más hippie para adaptarse a los sentimientos de pensamiento libre de finales de los sesenta.

Para 1969, el concepto del espectáculo había pasado a la revisión # 4, y ahora que los diseños estaban casi completos, era hora de implementar las personalidades y los atributos de los personajes. Una inspiración para esto vino de un programa anterior de CBS llamado The Many Loves of Dobie Gillis (1959-1963), donde Fred se basaba en Dobie, Velma en Zelda, Daphne en Thalia y Shaggy en Maynard, así como en varios elementos de Enid. Los cinco libros famosos de Blyton. Shaggy and Too Much se desarrollaron como tipos cobardes, con la misma capacidad de "comer cualquier cosa, en cualquier momento" compartida por Muttley en Wacky Races. Se le pidió a Don Messick que expresara Too Much, con el legendario DJ de radio y animador Casey Kasem como la voz de Shaggy, y con Nicole Jaffe como la voz de Velma Dinkley. Tarde en la producción final, y después de escuchar "Strangers In The Night" de Frank Sinatra (1966) en la radio del estudio, Fred Silverman se enamoró del scat "doo-be-doo-be-doo" al final de la canción y cambió el nombre de los perros a "Scooby-Doo", y el título del programa a Scooby-Doo, ¿Dónde estás? El producto final se emitió por primera vez el 13 de septiembre de 1969 y duró dos temporadas en CBS antes de cambiar de canal por otras nueve temporadas en ABC, con programas spin-off que se emitieron en la década de 1980 y un intento de reactivación en la década de 2000.

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El hombre

Producido: 5 de septiembre de 1983 - 15 de diciembre de 1984.
Inspiración: Conan y Barbarian (Personaje) (1932-presente)

Conan the Barbarian había sido una popular serie de fantasía escrita por Robert E. Howard en 1932 y publicada en la revista Weird Tales. Conan fue famoso por su gran cuerpo y músculos notables, que recuerda al superhéroe 'Superman' que apareció por primera vez en cómics de DC ese mismo año. A finales de la década de 1970, Mattel (quien recientemente había rechazado una oferta de George Lucas para producir figuras de acción para la serie Star Wars) quería una nueva línea de personajes para salvarlos de la ruina financiera. La tarea recayó en Roger Sweet, un diseñador jefe que trabaja en el Departamento de Diseño Preliminar de Mattel, quien pegó un torso de una de las figuras de Big Jim de Mattel en una pose de "acción" y agregó mucha arcilla para eliminarlo. Luego se hicieron moldes de yeso y se prepararon tres prototipos para su aprobación a principios de 1980. En las entrevistas, Sweet comentó más tarde: "Esta fue una figura poderosa que se podía tomar en cualquier lugar y colocarla en cualquier contexto porque tenía un nombre genérico: ¡He-Man!" Los modelos prototipo que representan a He-Man como un soldado, un astronauta y un bárbaro, y de los tres conceptos, la versión bárbara fue la elegida. La figura prototipo de la etapa uno fue significativamente diferente del resultado final, con He-Man con cabello negro, una piel muy bronceada y un casco. Casi al mismo tiempo en 1980, CPI (que era propietario de la licencia para Conan el Bárbaro) comenzó las conversaciones para permitir que Mattel produjera las figuras con licencia oficial de Conan El Bárbaro. Las conversaciones continuaron durante muchos meses, dejando a Conan en el limbo mientras He-Man seguía desarrollándose.

En 1981, Tom Kalinske, gerente y diseñador de Mattel, refinó la idea para que He-Man ahora luciera una cabeza sin casco con cabello rubio (que se veía más amigable que negro) y tenía una piel mucho más clara. Mattel luego contrató a escritores de libros de cómics y artistas como Donald F. Glut y Earl Norem para crear los personajes adicionales y la historia de fondo que necesitaban para completar la serie, y para producir carteles, incrustaciones de paquetes, arte de caja y mini cómics. Para su distribución con las figuras de acción. En julio de 1981, CPI le otorgó a Mattel los derechos para reproducir figuras plásticas de Conan The Barbarian, pero solo seis meses después, en enero de 1982, Mattel solicitó la finalización del Acuerdo de licencia.He-Man apareció en febrero de 1982 con gran éxito, lo que permitió que la serie "Masters of the Universe" se convirtiera en una marca reconocida universalmente. En mayo de 1982 Conan el Bárbaro (con Arnold Schwarzenegger) fue lanzado a los cines, momento en el que CPI intentó demandar a Mattel por la extraña "semejanza" de He-Mans a Conan, un asunto que no fue ayudado por las versiones de prototipo de cabello castaño de He-Man ( teniendo un gran parecido con el personaje de Conan) siendo liberado por error. CPI finalmente perdió el caso y Mattel se quedó con los derechos de He-man.

Fue en este punto que Filmation Studios recibió el encargo de producir las series de televisión He-Man y Masters of the Universe, y se les dio la base de una historia desde la cual trabajar. A estas alturas, He-Man era conocido como 'un bárbaro de una tribu eterna', que debe proteger a Castle Grayskull del malvado Lord Skeletor que empuñaba la mitad de una Espada de poder mágico y He-Man era el dueño de la otra mitad. Cuando estas espadas se colocaron juntas, formarían una 'súper' arma y el que controlaba ambas armas sería el maestro del Universo. Los diseñadores de Filmation agregaron varios conceptos más a la historia. He-Man era ahora el 'Príncipe Adam' (hijo del rey Randor y la reina Marlena) y su mascota era un tigre verde cobarde llamado Cringer que se convertiría en un corcel blindado llamado Battle Cat por el uso de la magia. Se agregó Teela y fue hija de la Hechicera de Castle Grayskull y Man-At-Arms (Duncan) se incluyó para un mejor balance de personajes buenos y malos. Tanto Mattel como Filmation tomaron el producto final por separado y lanzaron la idea a la red ABC, quien la rechazó y solo aceptó comercializar el producto si los productores aceptaban regalar la serie de forma gratuita a cambio de los ingresos publicitarios durante la sindicación (conocida como sindicación de trueque), que permitió que el primer programa saliera al aire el 5 de septiembre de 1983. En 1984, He-Man estaba siendo visto en 120 estaciones de televisión estadounidenses y en más de 30 países en todo el mundo. El origen de la franquicia sigue siendo un secreto, aunque considerando que el personaje de Conan fue creado 50 años antes, es una réplica visual de He-Man, y que Mattel estuvo trabajando para asegurar la franquicia de Conan todo el tiempo, es difícil imaginar cómo Conan No podría haber sido la idea inicial inicial de He-Man. La filmación continuó para crear She-Ra: Princess of Power (1985-1987), The Original Ghostbusters (1986-1988) y Bravestarr (1987-1988), antes de que el estudio cerrara en 1988.

1

Los Simpsons

Producido: 17 de diciembre de 1989 - presente.
Inspiraciones: Homer Simpson (Personaje) en el libro "El día de la langosta" (1939)
y Ken Osmond (Actor) como Eddie Haskell en la serie de televisión "Leave it to Beaver" (1957-1963)

Life in Hell comenzó en 1977 como un cómic de auto-publicación escrito y producido por Matt Groening y fue una historia sobre la vida en Los Ángeles y las cosas que Groening encontró en la escuela, en el trabajo en una sucesión de trabajos sórdidos y en su personal. relaciones de amor La serie llamó la atención de James L. Brooks, quien le encargó a Groening la creación de 'parachoques' (características de puente corto) como parodias para el Show de Tracey Ullman. Mientras esperaba en la recepción de la oficina de Brooks para la entrevista, Groening dibujó una serie de diseños básicos que se convertirían en la base de Los Simpson. Entró en la oficina, presentó sus dibujos de 10 minutos y recibió la comisión.

Nombró a los personajes después de miembros de su propia familia, su padre Homer, su madre Marge y su hermana Lisa, y sustituyó a Bart por sí mismo. La inspiración detrás de los gestos de Homero tenía mucho menos que ver con su padre (que, según todos los testimonios, era un hombre bastante inteligente) y, en cambio, se basó en (según Matt Groening) la novela de 1939 Nathanael West, "El día de la langosta", que presentó un personaje de "todos los hombres" irremediablemente torpe y descontento llamado Homer Simpson. El segundo nombre de Homers 'J' es simplemente la letra J, y es un homenaje a la 'J' en Bullwinkle J. Moose y Rocket J. Squirrel de The Rocky and Bullwinkle Show y su creador Jay Ward. Bart Simpson fue nombrado como un anagrama de "mocoso", y el hermano mayor de Groening, Mark, produjo gran parte de la inspiración temprana de la actitud de Bart. Se suponía que el personaje debía seguir el típico estereotipo infantil de mal comportamiento con algunos rasgos de Tom Sawyer y Huckleberry Finn. En las entrevistas, Matt también afirma que una de las ideas iniciales de Bart surgió cuando consideró: "¿Qué pasaría si Eddie Haskell [de Dejalo en manos de Beaver. ¿Tiene su propio show?

Toda la familia Simpson se diseñó para que se dibujaran muy rápidamente, lo que permitió que el presupuesto, con frecuencia ajustado, pudiera llegar más lejos, y ser reconocibles en su silueta, por lo que las características eran fácilmente reconocibles. Cuando diseñó el cabello de Homers, inicialmente solo dibujó sus iniciales, 'M' para la línea del cabello y 'G' para el oído de Homers, esperando que el equipo de producción arreglara el cabello para la obra final. No lo hicieron, y simplemente rastrearon los perfiles de Groening, de modo que las iniciales de Matt Groening aún permanecen en el carácter final hasta el día de hoy. El cabello de Marge se basó en el icónico peinado de Elsa Lanchester, usado en The Bride of Frankenstein (1935), y en un estilo similar que usó Margaret Groening durante los años sesenta. El cabello de Lisa era inicialmente un grupo de líneas dibujadas a mano, pero esto se cambió al diseño más simple de "cabello hexagonal" antes del episodio piloto. Los rasgos de carácter finales surgieron como resultado de las voces e ideas del equipo de locutoras, especialmente Nancy Cartwright como la voz de Bart y Dan Castellaneta como la voz de Homer.

El 19 de abril de 1987, apareció el primer corto de los Simpson en el show de Tracey Ullman, seguido de tres temporadas más, con la primera serie completa de episodios de media hora el 17 de diciembre de 1989.Hasta ahora, el programa sigue en el aire después de 508 episodios y es considerado como la serie de animación de más larga duración (y debatably más popular) de todos los tiempos. En un giro final, en 1992, Tracey Ullman presentó una demanda contra Fox alegando que su programa fue la fuente del éxito masivo de la serie. La reclamación de una parte de las ganancias de los espectáculos fue rechazada y rechazada por los tribunales.