Top 10 mejores cantantes de reggae

Reggae, la música única que rebota con el ritmo pegajoso y el énfasis en la percusión y el bajo, formado por mento, rocksteady y ska. Se ha desarrollado en muchos subgéneros y ha dejado una marca indeleble en la música popular, incluso influyendo en el desarrollo temprano del hip hop. Esta lista presenta diez de, lo que el autor cree que son, los mejores cantantes de reggae de todos los tiempos. El éxito internacional de los cantantes, las ventas de álbumes y el impacto en la música en sí se han tenido en cuenta. Reducir esta lista a las diez más grandes fue difícil, por lo que algunos grandes cantantes cuyas carreras comenzaron más recientemente se han dejado de lado. Puede ser anacrónico referirse a ska y rocksteady como reggae, pero se ha vuelto común clasificar estos dos géneros bajo este encabezado.

Tenga en cuenta que esta es una lista de cantantes de reggae, por lo que esta lista no incluye deejays de reggae, deejays que también cantan, instrumentistas o productores.

10

Alton Ellis El padrino de Rocksteady (1938-2008)

El equilibrado y refinado Ellis fue un pionero en la escena musical jamaicana, su voz conmovedora calentó los oídos de muchos oyentes con sus incursiones pioneras en rocksteady y sus versiones únicas de clásicos del R&B. Alton Nehemiah Ellis nació en 1938, en Kingston, Trenchtown, de una familia que alentaba sus actividades artísticas. Ellis tomó clases de piano a una edad temprana y ganó varias competiciones de baile antes de centrarse en una carrera como cantante. En equipo con Eddy Perkins, el joven Alton comenzó a grabar canciones de R&B para Coxsonne Dodd. Con seis hits jamaicanos en sus cinturones, el dúo parecía destinado a un mayor éxito. Perkins, sin embargo, se mudó a los Estados Unidos después de ganar un concurso de talentos. Alton trabajó brevemente con John Holt, antes de formar su propio grupo, The Flames. Cuando ska comenzó a glorificar la a menudo violenta subcultura de chicos rudos, Ellis se sintió cada vez más frustrada: grabó varias canciones dirigidas a los chicos rudos y denunció a los artistas que glorificaron a los chicos rudos. Dos de estas canciones anti-rudie, "Cry Tough" y "Dance Crasher" se convirtieron en grandes éxitos.

"Girl I've Got a Date" y "Get Ready, Rock Steady" también fueron grandes éxitos para Ellis, siendo esta última la primera canción en el nuevo género de rocksteady (surgiendo de una sesión con la gran tecladista, Jackie Mittoo) . Ellis continuó dominando esta nueva forma de música. A principios de los años setenta, Ellis portadas de "Willow Tree", "Sitting in the Park" y "I'm Just a Guy" se convirtieron en grandes éxitos jamaicanos. Dos de las canciones originales de Ellis, las más arraigadas "Back to Africa" ​​y "Lord Deliver Us" también impactaron al oro jamaicano. Desafortunadamente, todo el éxito de Alton no se tradujo financieramente para el artista. Ellis se mudó brevemente a Estados Unidos y Canadá antes de establecerse en el Reino Unido y establecer su propio sello, Alltone. Tuvo un leve éxito con su nuevo sello, pero fue uno de los muchos cantantes de reggae eclipsados ​​por el gran éxito de Marley. Ellis recibió la Orden de Distinción del gobierno de Jamaica, en 2004, por sus logros musicales. Cuatro años después, Ellis murió de cáncer, dejando atrás a numerosos niños y un amado catálogo de clásicos de ska, rocksteady y reggae.

9

Lanza ardiente Alma negra (1948)

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Winston Rodney nació en 1948, en el mismo lugar que Bob Marley, y fue una reunión con Marley, en 1969, lo que inició el viaje de Rodney hacia el éxito. Rodney le pidió consejo a Marley para ingresar al negocio de la música, y Bob le aconsejó que buscara a Clement "Coxsonne" Dodd. Actuando a dúo con su amigo, Rupert Willington, los dos atraparon la oreja de Dodd. Inspirado por Jomo Kenyatta, líder de Mau Mau en Kenia, Rodney eligió el nombre de "Lanza Ardiente" para el grupo. Delroy Hinds se unió al grupo que ayudó a Willington a respaldar las voces inconfundibles de Winston. Su primer sencillo exitoso fue "Joe Frazier (él oró)", que fue un gran éxito de Jamaica. Desde el principio, los grupos individuales se centraron en temas conscientes de la profunda espiritualidad y conciencia cultural rastafari, lanzando una serie de singles y dos álbumes. Incapaz de igualar su primer golpe, el grupo dejó a Dodd, en 1975, por Jack Ruby, y sus dos primeros singles "Marcus Garvey" y "Slavery Days" rápidamente iluminaron las listas de éxitos. Respaldado por los Black Disciples (que incluía al bajista Robbie Shakespeare y al guitarrista Earl “Chinna Smith), su primer álbum con Ruby, Marcus Garvey, se considera una escucha esencial para cualquier fanático. Isla rápidamente se dio cuenta del grupo y los firmó. Burning Spear se alienó casi de inmediato, sin embargo, cuando el sello discográfico relanzó el álbum Marcus Garvey para el consumo internacional al remezclar todo.

Como reacción, Rodney creó su propio sello y Burning Spear lanzó un seguimiento bien recibido, Marcus Gavey, Man in the Hills, de 1976, así como un álbum de doblaje. En este punto, tanto Willington como Hinds dejaron el grupo y Rodney cortó la producción de Ruby. Rodney mantuvo el nombre de Burning Spear y comenzó a producirse por sí mismo, todavía respaldado por los Discípulos Negros y aún en la etiqueta de la Isla. Cuando se lanzó Dry and Heavy en 1977, Burning Spear era bien conocido en el Reino Unido. Después de actuar con la banda de reggae del Reino Unido, Aswad, Spear retuvo a algunos de sus músicos junto a los Black Disciples para su próximo álbum, 1978 Living Social. Spear fue invitado a la inauguración del Reggae Sunsplash en 1980, y ha aparecido en casi todos los festivales posteriores de Sunsplash. 1980 también vio el lanzamiento de Hail H.I.M., producido en el estudio Tuff Gong con los Black Disciples y Aston "Family Man" Barrett como coproductores.A lo largo de los años ochenta, Spear realizó una gira y lanzó álbumes, recibió una nominación al Grammy en el '85 y volvió a formar su banda de acompañamiento dos veces. A mediados de los años noventa, Spear se mudó a Queens, donde continúa grabando. Spear recibió una nominación al Grammy en el '95 por Rasta Business, finalmente ganó en 2000 con Calling Rastafari y en 2009 con Jah is Real.

8

Michael Rose Sr. Tu Tu Tweng (1957)

Conocido como el cantante principal de Black Uhuru, Michael Rose ha emergido como un cantante talentoso por derecho propio. Nacida el 11 de julio de 1957 en el violento Waterhouse District de Kingston, Rose, sin embargo, tenía un hogar estable. Cuando era adolescente, Rose se sintió atraída por el rastafarianismo y comenzó a crecer sus rastas. La mayoría de la sociedad educada en este momento consideraba los temores con aborrecimiento, y los rastafaris eran considerados como un grupo sucio de narcotraficantes y desalmados. Los padres de Rose, descontentos con su elección de peinado, le exigieron que le quitaran los candados o que se enfrentaran a las calles. Rose se negó, y fue empujada a las calles para valerse por sí misma. Se las arregló para mantenerse fuera de problemas, pero perdió a muchos amigos en el camino. En su adolescencia temprana, Rose compitió en concursos locales de talento y actuó en Hoteles a lo largo de la costa norte de Jamaica. A la edad de 15 años, Rose grabó su primer sencillo, y pronto lo siguió con otros sencillos bajo la producción de Winston "Niney" Holness. Pocas de sus canciones se registraron, pero Rose fue alentado por su amigo de la infancia, el baterista Sly Dunbar, y continuó con su carrera como cantante. A través de Dunbar, Rose conoció a Ducky Simpson, una cantante que esperaba restablecer su trío vocal, Uhuru. Con la incorporación de Rose y Errol Nelson, nació Black Sounds Uhuru. Grabaron un álbum "Love Crisis" antes de que Errol Nelson se fuera y fue reemplazado por una mujer estadounidense, Puma Jones.

A partir de este momento, Black Uhuru fue producido por Sly Dunbar y Robbie Shakespeare, quienes también proporcionaron la distintiva instrumentación de batería y bajo. Junto con "General Penitentiary", el re-grabado "Guess Who's Coming to Dinner" y "Shine Eye Gal" fueron todos éxitos bien recibidos. Siguieron más éxitos, y el grupo firmó con Island, en 1980. Su primer álbum de Island fue Sinsemilla, y esto fue seguido rápidamente, en 1981, con Red, que alcanzó el número 28 en la lista de álbumes del Reino Unido. Rolling Stone clasificó al álbum 23 en su lista del 89 de los 100 mejores álbumes de los ochenta. Cuando los Grammys crearon la categoría Reggae, en 1984, Black Uhuru fue el primer acto de reggae que lo tomó, con su álbum Anthem. Desafortunadamente, Rose y Simpson estaban entrando en un conflicto creciente, lo que llevó a Michael a abandonar el grupo. A pesar de que seguía teniendo cierto éxito, el grupo no era el mismo después de la partida de Rose. Rose comenzó una finca de café en las Montañas Azules de Jamaica, un proyecto sin fines de lucro que aún maneja y que emplea a jóvenes locales. Rose permaneció callada durante varios años después de su partida de Black Uhuru, hasta que volvió a aparecer en la escena del reggae, en 1989. Desde entonces ha estado publicando álbumes y singles bien recibidos desde que insiste en la ortografía etíope de su nombre. , Mykal Rose. La voz distintiva y el estilo de dispersión de Rose han inspirado a muchos vocalistas de reggae. Rose ha comenzado a reunirse de vez en cuando con Black Uhuru mientras continúa con su propia música, a menudo colaborando con artistas de dancehall. Su hit número uno más reciente, "Shoot Out" de 2007, fue grabado con Damian "Jr. Gong ”Marley.

7

Dennis Brown, el príncipe heredero del reggae (1957-1999)

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Con una carrera de más de treinta años, Brown fue un artista prolífico con una voz poderosa y una personalidad amable. Dennis Emmanual Brown nació en 1957, en medio de la floreciente industria musical de Kingston, en Orange Street. Rodeado por los sonidos de ska, rocksteady y reggae a lo largo de su juventud, el joven Brown estaba cautivado por la música. Influenciado por este ambiente y el trabajo de artistas estadounidenses como Frank Sinatra, Dean Martin, Sam Cooke y Nat King Cole, Brown comenzó a cantar seriamente a la edad de nueve años. Pronto fue descubierto por productores locales, y su primer éxito fue bajo Clement Dodd a la tierna edad de doce años con "No Man is an Island". Brown trabajó como cantante de respaldo del gran reggae, Alton Ellis, quien lo convenció para que aprendiera. tocar la guitarra. Lanzando una gran cantidad de canciones de varios productores mientras aún completaba su educación, la perspicacia musical de Brown creció. A principios de los años setenta, Brown comenzó a grabar en el sello Observer bajo la dirección de su productor y amigo, Winston "Niney" Holness. El éxito musical de Brown creció con "Money in My Pocket" recibiendo una fuerte rotación en los clubes de reggae del Reino Unido y "Westbound Train", un éxito número uno en Jamaica. Siguió una serie de éxitos, mientras Brown pasaba de las canciones de amor a más temas culturales que reflejaban sus creencias rastafari.

Bob Marley se fijó en el joven Brown y se mostró entusiasmado de que era el mejor cantante de reggae del mundo. Siguieron más singles de éxito y álbumes, y Brown alcanzó el número 12 en las listas de éxitos del Reino Unido con la versión disco mix de "Money in my Pocket". No fue hasta 1981, después de la muerte de Marley, que una importante discográfica se interesó por Brown. Brown, reconociendo a Marley como el rey del reggae, tomó el título de Príncipe heredero de Reggae. Dennis Brown firmó con A&M y produjo dos álbumes con Joe Gibbs. A los álbumes no les fue bien, ya que los aficionados al reggae detectaron demasiada música pop para su gusto. El acuerdo de Brown con A&M fracasó, pero ahora él y otros cantantes se enfrentaban al desafío de la nueva era digital del reggae y al surgimiento de los deejays que conversan rápidamente.Cantantes como Brown e Isaacs respondieron inundando el mercado con canciones, creyendo que la falta de material fresco había llevado al surgimiento de estos deejays recién llegados. Desafortunadamente, la calidad de su material sufrió como resultado. Aún así, se produjeron una serie de grandes álbumes y colaboraciones, con duetos y colaboraciones con artistas como Gregory Isaacs, Mutabaruka y Beres Hammond. A principios de los años noventa, Brown continuó grabando temas de raíces y colaboraciones con dancehall y artistas de raíces. Lamentablemente, Brown había comenzado a consumir cocaína y su ya frágil sistema respiratorio se había debilitado por la nueva adicción. Brown contrajo neumonía mientras viajaba por Brasil y regresó a Jamaica, donde fue trasladado de urgencia al hospital después de un paro cardíaco. Su pulmón debilitado, su pobre condición exacerbada por el abuso de la cocaína, colapsó y Brown murió, el 1 de julio de 1999. Brown dejó atrás numerosas canciones clásicas de reggae, y el mundo había perdido una de las estrellas más grandes del reggae.

6

Desmond Dekker El rey de Ska (1941-2006)

Aunque se crió en Kingston, Desmond Dacres nació en St. Andrew Jamaica. En su juventud, Dacres fue enviado a Alpha Boys School, una escuela católica estricta que, sin embargo, es famosa por producir algunos de los mejores talentos de Jamaica a través de su banda de música. La escuela no solo produjo una serie de conocidos músicos jamaicanos, sino que también fue el hogar de cuatro de los diez miembros fundadores de los Skatalites. Cuando era adolescente, Dacres se mudó a Jamaica, hasta que la muerte de sus padres lo llevó a regresar a Kingston. Animado a cantar por sus compañeros de trabajo (incluido uno de Robert Marley) en su trabajo de soldadura, Desmond audicionó sin éxito para Clement Dodd y Duke Reid. Finalmente, fue firmado por Leslie Kong después de una audición frente a la leyenda del ska, Derrick Morgan. Desmond Dacres se convirtió en Desmond Dekker y lanzó su primer éxito, "Honra a tu padre ya tu madre", seguido de otros tres. Su "Rey de Ska", donde estaba respaldado por los Maytals, lo consolidó como uno de los cantantes más populares de Jamaica. Después de este éxito, Dekker formó una banda de apoyo, los Cuatro Ases, formada por los hermanos Barry, Carl, Clive y Patrick Howard.

Desmond Dekker y los Ases crearon una serie de éxitos, inicialmente intercambiando una imagen absolutamente limpia, antes de que sus canciones comenzaran a atender a los rebeldes muchachos groseros. En una gira por el Reino Unido, Dekker se sorprendió al descubrir que había sido adoptado por la subcultura mod. Con cada golpe jamaicano entre los mods, Desmond Dekker tuvo más de veinte éxitos número uno en Jamaica, incluyendo "Rudie Got Soul", "Pretty Africa" ​​y "007 (Shanty Town)". Finalmente, en 1968, Dekker estaba en su apogeo cuando lanzó su canción más conocida, "Israelites". "Israelites" alcanzó el top ten en los American Charts y el top of the UK Singles Chart. Dekker tuvo un leve éxito en sus giras por el Reino Unido de los años setenta, y su grabación de sus éxitos anteriores en una fusión punk-ska llamada 2-Tone. En la década de los ochenta, el movimiento de 2 tonos desapareció y Dekker se vio obligado a declararse en bancarrota en 1984. Posteriormente, colaboró ​​ampliamente y fue muy solicitado por sus populares shows en vivo. Murió en mayo de 2006, a la edad de 64 años de un ataque al corazón. Su más conocido single "Israelites" se había convertido en un éxito tres veces y había allanado el camino para futuros éxitos de reggae en los Estados Unidos y el Reino Unido.

5

Gregory Isaacs El gobernante fresco (1951)

Gregory Isaacs, en palabras de Milo Miles, del New York Times, "es el vocalista más exquisito del reggae, su barítono flexible se siente a gusto con las baladas de seda y los ritmos de baile". Isaacs nació y se crió en el vecindario de Kingston al oeste de Fletcher's Land, donde participó en muchos concursos de canto cuando era adolescente. Fue su participación frecuente en estos programas de talentos lo que finalmente lo hizo llamar la atención del productor Byron Lee en 1968. Junto a Winston Sinclair, grabó un dúo, "Another Hearbreak", un sencillo sin éxito. Inspirado por el éxito de otros tríos vocales, Isaacs formó las Concordias y trabajó con varios productores, incluido Prince Buster. Las Concord tampoco tuvieron éxito en la grabación de un hit y pronto se disolvieron. Isaacs, a pesar de su falta de éxito, persiguió obstinadamente su sueño musical. Gregory Isaacs intentó auto-producir sus propias canciones y todavía no pudo grabar un hit. Finalmente, creó su propia tienda de discos y sello, asociándose con el exitoso cantante, Errol Dunkley. Poco después, Isaacs produjo y lanzó lo que se considera la primera canción de rock de los amantes, "My Only Lover".

Finalmente, Isaacs tuvo un golpe, y fue como si la represa hubiera estallado con una inundación de singles exitosos. The Cool Ruler, como se le conoce, produjo una prolífica cantidad de canciones, cosechando numerosos éxitos en casi sesenta álbumes (sin incluir compilaciones). Después de firmar con Island Records en 1982, lanzó su mejor álbum de estudio, Night Nurse. Respaldado por los Roots Radics en la pista titular, el hit recibió una gran cantidad de radio y música de club, aunque el álbum solo alcanzó el número 32 en el Reino Unido. A pesar de su éxito, no todo estaba bien con Isaacs. Cumplió una condena de seis meses ese mismo año por poseer armas de fuego sin licencia y se había vuelto adicto a la cocaína crack. Continuó lanzando álbumes mientras luchaba con su adicción, pero su voz había perdido algo de su suave calidad de cantos. Aún así, logró eliminar su adicción y continúa colaborando y creando álbumes fuertes.

4

Peter Tosh The Steppin 'Razor (1944-1987)

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Este rastafari de 6'4 moniciclos que tocaba una guitarra con forma de rifle M-16 era sin duda una figura única en la música reggae.A menudo se dice que si Bob Marley era Martin Luther King, Peter Tosh era Malcolm X. Nacido en el campo de Westmoreland, Jamaica, Winston Hubert McIntosh fue criado por una tía en ausencia de sus padres. Su tía murió cuando Tosh tenía solo quince años, y Tosh se mudó con un tío en Trench Town, el proyecto de vivienda notoriamente pobre y violento de Kingston. Estas experiencias sirvieron para convertirlo en un individuo ferozmente independiente que se hizo conocido por su terquedad y tenacidad. Tosh era un guitarrista autodidacta, aprendiendo a tocar su guitarra acústica barata a través de la observación y la práctica. De hecho, fue él quien le enseñó a Bob Marley a jugar. Peter Tosh había conocido al joven Bob Marley y a Bunny Wailer a través de su entrenador vocal, Joe Higgs. Los tres formaron los Wail Wailers, y produjeron una serie de éxitos de ska y rocksteady. Después de convertirse a Rastafari, se unieron con el gran Lee Perry para crear una serie de hits. Marley convenció a la banda de la casa de Perry, The Upsetters, que acababa de ser estafada por Perry, para unirse a los Wailers. Al principio, Perry estaba furioso, pero Marley logró alentarlo para que actuara como productor.

Ayudado por el genio de la producción de Perry y que ahora posee las habilidades musicales de Aston "Family Man" Barrett en el bajo y de Carlton Barrett en la batería, los Wailers captaron el interés de Chris Blackwell y fueron firmados con prontitud a su sello. Tosh permaneció con el grupo durante los dos primeros álbumes, "Catch a Fire" y "Burnin '", pero se fue debido al riguroso programa de giras y su desagrado personal por Chris Blackwell, o, como él prefería llamarlo, Chris White- peor. En 1973, Peter Tosh había estado involucrado en un accidente automovilístico que mató a su novia y le fracturó el cráneo. Muchos de los que lo rodeaban dijeron que era aún más difícil tratar con él después de esta experiencia. Aunque previamente había incursionado con los solteros bajo su propio sello, Tosh finalmente se embarcó en una carrera en solitario, lanzando su primer proyecto en solitario, “Legalize It” en 1976. Era este himno que pedía la legalización de la marihuana, su frecuente ganja fumando. , su personalidad descarada, y su negativa a censurar su discurso que llevó a varias golpizas severas a manos de la fuerza policial. Uno de los ataques, en 1978, fue casi fatal. Tosh pronto llamó la atención de los Rolling Stones, pero tuvo poco éxito en su etiqueta. Regresó a su propio sello y lanzó dos grandes álbumes, "Wanted: Dread or Alive" y "Mama Africa". El 11 de septiembre de 1987, Peter Tosh fue asesinado a tiros en su casa por un hombre al que le había dado dinero y que había comprado un cama para Junto con otros tres hombres, el hombre había entrado en la finca de Tosh con un arma, buscando más dinero. Tosh, que nunca se dejó intimidar, simplemente había declarado que no tenía nada que dar y que le dispararon de inmediato. Sin embargo, no se tomó dinero de la casa de Tosh, lo que provocó que algunos cuestionaran la historia oficial.

3

El rey perdido de Jimmy Cliff Reggae (1948)

Instantáneamente reconocible por sus voces altas y claras, Jimmy Cliff emergió como un símbolo popular del reggae a finales de los años sesenta y principios de los setenta. James Chambers nació de padres pentecostales en el pueblo de Adelphi Land en St. James, Jamaica. Encontró oportunidades para usar su voz única en la escuela primaria y en la iglesia de sus padres. Se le prohibió buscar activamente música secular, por lo que escuchó subrepticiamente el sistema de sonido local y se escabulló al recinto ferial local para absorber la última música latina y RnB. Chambers se mudó a Kingston en el 62 para asistir a una escuela secundaria vocacional. Aprovechó la oportunidad para competir por el oído de los productores locales, y finalmente llamó la atención de la productora Leslie Kong. Jimmy Cliff tomó su nombre de los acantilados que rodeaban su aldea de la infancia y comenzó a grabar. Después de dos fracasos, grabó su primer golpe de ska, "Hurricane Hattie" a la edad de 14 años. Esto fue seguido por una serie de éxitos superiores bajo la guía de Kong. La muerte de Leslie Kong por un ataque al corazón golpeó duramente a Cliff, ya que había mantenido fielmente al productor durante toda su carrera. Jimmy Cliff fue finalmente firmado por Chris Blackwell, el influyente productor y empresario jamaicano / británico. Su primer álbum de larga duración, "Hard Road to Travel", fue lanzado en 1968, con un leve éxito.

Su álbum del '69, "Wonderful World, Beautiful People" tuvo mucho más éxito, ya que la canción titular llegó al top 25 en los Estados Unidos y alcanzó el número 6 en el Reino Unido. Bob Dylan ha afirmado que "Vietnam" de este álbum fue la mejor canción de protesta que había escuchado. En el '72, se le pidió a Cliff que protagonizara la película de Jamaica, "The Harder They Come". Aceptó, grabó la mayoría de la banda sonora de la película, y la película se convirtió en un clásico del culto clandestino. El reggae se hizo mucho más conocido debido a la película y su banda sonora, y hasta que Marley lo eclipsó, Cliff fue el rostro del reggae jamaicano. Descontento con la dirección de Chris Blackwell, renunció a la etiqueta de la isla y siguió adelante por su cuenta, decidido a seguir su propio camino. Cliff siempre ha sido socialmente activo, y continúa recorriendo y grabando a la edad de 61 años. Recientemente fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

2

Toots Hibbert El Skafather (1945)

La entrega enérgica y funky de Hibbert y su voz áspera y conmovedora son inconfundibles. Proveniente de la pequeña ciudad de May Pen, Jamaica, Frederick "Toots" Hibbert ha tenido un profundo efecto en el crecimiento y desarrollo del ska y el reggae. Este diminuto y único cantante creció como el miembro más joven de una gran familia pentecostal. En su juventud cantó música gospel en el coro de la iglesia, una influencia que aún se puede escuchar en su música.Siendo todavía un adolescente, se mudó a Kingston y formó un grupo vocal, los Maytals, con Henry "Raleigh" Gordon y Jerry Matthias. Respaldado por los Skatalites y producido por Clement "Coxsone" Dodd, el trío finalmente tuvo éxito en las listas. Los ritmos infecciosos y la energía del grupo superaron fácilmente los esfuerzos de otro joven trío, los Wailers. Toots y Maytals trabajaron con los mejores productores jamaicanos, incluidos Byron Lee, Prince Buster y Leslie Kong, y tuvieron 39 hits número uno en Jamaica. A Hibbert a menudo se le atribuye haber escrito la primera canción para usar la palabra reggae en "Do the Reggay" de 1968. Rolling Stone clasificó a Toots Hibbert como el número 71 en su lista de los 100 mejores cantantes de todos los tiempos (Marley era la número 19). Nunca alcanzó la popularidad de Marley.

Esto, a pesar de sus giras por Europa y América, el renovado interés en los Maytales que surgieron del renacimiento del ska y las posteriores portadas de la obra de Hibbert por The Clash and the Specials. A pesar de ser rastafari, ha renunciado al crecimiento de las rastas, prefiriendo interiorizar su posición sobresaliente sobre Rastafari. Esto también puede tener algo que ver con la antigua ocupación de Hibbert como peluquero. Hibbert aún está de gira, colaborando ampliamente y lanzando álbumes a la edad de 64 años.

1

Robert Nesta Marley Tuff Gong (1945-1981)

El nombre de Bob Marley se ha convertido en sinónimo de reggae, y sigue siendo el músico más conocido en el género. Nacida en Nine Mile, St. Ann Jamaica a Cedella Booker, Marley creció sin conocer a su padre blanco, Norval Marley. Aunque Norval proporcionó apoyo financiero, estuvo ausente de la vida de Marley y murió cuando Bob tenía solo diez años. La herencia mixta de Marley hizo que se burlara de él en su juventud, pero la joven Marley sabía cómo defenderse, si es necesario, con los puños. Su sorprendente fuerza y ​​dureza le valieron el apodo de Tuff Gong. Junto con su amigo y hermanastro de la infancia, Neville O'Riley Livingston (Bunny Wailer), Marley estaba fascinada por la escena musical jamaicana y la cultura del niño grosero. La joven Marley y Livingstone abandonaron la escuela para seguir carreras musicales bajo la tutela del entrenador vocal rastafari Joe Higgs. Fue aquí donde conocieron a Peter McIntosh con quien formaron el núcleo de la banda que se conoció como los Wailers. Los Wailers fueron firmados por Clement "Coxsone" Dodd, registrando una serie de golpes menores. Después de una breve pausa en Delaware, Marley regresó a Jamaica y se convirtió en rastafari. Después de una disputa, los Wailers dejaron a Dodd para unirse al gran Lee "Scratch" Perry y su banda Upsetters. Llevando a los hermanos Barrett junto con ellos, los Wailers firmaron con el sello de Chris Blackwell's Island, lanzando dos álbumes en 1973, Catch a Fire and Burnin '. Ambos álbumes se vendieron bien, pero no fue hasta que Eric Clapton grabó una versión de "I Shot the Sheriff" que Marley se hizo realmente visible en la escena musical internacional. Tanto Tosh como Bunny abandonaron la banda en este punto, descontentos con el riguroso programa de la gira y con la intención de seguir carreras en solitario. A pesar de la pérdida de dos de los miembros originales de los Wailers, Marley mantuvo el nombre de la banda agregando un percusionista, tres vocalistas de apoyo y dos guitarristas principales a su banda. En 1974, Marley lanzó Natty Dread, que incluyó su exitoso éxito, "No Woman, No Cry".

Aunque se notaba en los Estados Unidos, el avance estadounidense de Marley finalmente llegó con Rastaman Vibration de 1976, alcanzando el número 8 en las listas Billboard 200. Ese mismo año, Marley aceptó participar en lo que se suponía que sería un evento gratuito no partidista, el concierto Smile Jamaica organizado por el primer ministro Michael Manley. La política era un juego mortal en Jamaica, donde los partidarios del Partido Laborista de Jamaica y el Partido Nacional del Pueblo a menudo luchaban violentamente. Quizás esta fue la razón por la que Marley, su esposa y su gerente fueron heridos por hombres armados no identificados en una redada nocturna. Marley tenía heridas leves en el pecho y el brazo, pero se negó a someterse a la presión y tocó el concierto de todos modos. Marley abandonó Jamaica poco después y grabó sus álbumes de Exodus y Kaya, los cuales tuvieron un gran éxito internacional. Exodus llegó a ser nombrado el mejor álbum del siglo 20 por Time Magazine, mientras que Rolling Stone lo colocó en 169 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Los siguientes álbumes de Marley, Survival y Uprising, fueron más políticos en su alcance y se vendieron 3x y 5x platino respectivamente. Sin el conocimiento de sus fanáticos, Marley había contraído una forma maligna de cáncer sostenido por una herida de un taco oxidado mientras jugaba al fútbol. A pesar de su cáncer y su salud deteriorada a partir del '76 en adelante, Marley continuó recorriendo y grabando. Cuando finalmente buscó tratamiento, ya era demasiado tarde y sucumbió al cáncer el 6 de febrero de 1981. Ocho de los hijos de Marley están actualmente involucrados en la música, y tres de ellos (Ziggy, Stephen y Damian) han recibido múltiples Grammys por su esfuerzos Las canciones de Marley siguen inspirando a los oprimidos en todas partes, y su música sigue siendo muy apreciada en todo el mundo.

Menciones de honor: Laurel Aitken, Max Romeo, John Holt, Sugar Minott, David Hinds (pulso de acero), Barrington Levy, Lucky Dube, Bunny Wailer, Jacob Miller, Beres Hammond, Luciano.