10 técnicas musicales fascinantes e inusuales

En Mongolia, un tipo fascinante de cantante puede tomar una sola nota y descomponerla en sus tonos componentes, pareciendo cantar varias notas diferentes al mismo tiempo. En los EE. UU., Un "pastor" utiliza un tipo de "caja de ritmos de las colinas" para hacer que un público se ría y se golpeara. En las heladas extensiones del lago Baikal de Rusia, un grupo de percusionistas explora los diferentes sonidos que el hielo produce cuando los tamborilea. Lo que tienen en común, así como el resto de los elementos de esta lista, es que todos se conectan a la conexión humana universal con el sonido, el ritmo y la música.

Esta lista incluye técnicas compositivas, de interpretación, instrumentales y vocales.

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Tambores en un lago congelado

El lago Baikal es el lago más grande del mundo por volumen de agua; de hecho, es tan grande que contiene 1/5 de la superficie de agua dulce no congelada del mundo. También es el lago más profundo del mundo (poco más de una milla de profundidad), y quizás sea también el más antiguo del mundo. Baikal es el hogar de varios animales fascinantes, incluida una de las únicas especies de focas de agua dulce, así como un pez extremadamente graso, sin escamas y translúcido llamado golomyanka.

¿Pero qué tiene esto que ver con la música? Bueno, un grupo de percusión ruso conocido como "ETHNOBEAT", de la Universidad Técnica de Irkutsk, se trasladó al Lago Baikal en marzo de 2012 para tocar la superficie congelada del Lago Baikal. Observe cómo los miembros del grupo desafían el clima a -20 ºC para producir una hermosa variedad de sonidos percusivos usando solo sus manos y los diferentes tipos de hielo a su disposición. El grupo le debe el proyecto a una pieza de torpeza: Tatiana, la esposa de uno de los bateristas, había caído de antemano, produciendo un sonido musical intrigante cuando salió a la superficie. A partir de ahí, surgió un concierto singular, convirtiendo el agua congelada en una sinfonía.

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Eephing

Eephing (a veces escrito eefing) probablemente se puede entender mejor como un tipo de "beatbulling de hillbilly", aunque es anterior a beatboxing por casi 100 años. Es una técnica de canto apalache de ritmo rápido que se puede desglosar crudamente como 1/3 diciendo "eef" (u otra vocal + f), 1/3 de boca a boca y 1/3 de jadeo. Jennifer Sharpe, quien describió el legendario pastor de Jimmie Riddle en NPR, lo describió como "una especie de resuello rítmico y sibilante". Se originó en comunidades agrícolas rurales en Tennessee, donde los imitadores imitarían los sonidos de sus cerdos y pavos.

Eephing nunca ha visto mucho en el éxito de la corriente principal, pero obtuvo sus 15 minutos de fama en 1963 cuando Riddle apareció en el single "Little Eefin 'Annie" de Joe Perkins. Little Eefin' Annie alcanzó el número 76 en las listas de Billboard y expuso un Generación de oyentes a los sonidos únicos de eephing.

Echa un vistazo a este video para una breve lección de eephing de Riddle.

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Konnakol

Konnakol, a veces referido como "canto indio" o "beatboxing indio", es el arte de percusión vocal del sur de la India. Es un componente de "solkattu", el lenguaje de las sílabas del tambor, junto con "tala" (o "taal"), la parte de percusión hecha con la mano en un tambor "mridangam". Con tala, el medidor se mantiene con olas, palmadas y conteos de dedos, mientras que el músico vocaliza simultáneamente el konnakol.

Los intérpretes de konnakol aprenden reglas y técnicas muy complejas, sistemáticas, casi gramaticales para producir percusión vocal de fuego rápido. Al igual que con cualquier sistema musical avanzado, debe verse y escucharse para que se aprecie por completo. John McLaughlin, un músico y virtuoso de la guitarra británico que estudió konnakol y otras técnicas y estilos de la India, dijo de konnakol: “si puedes entender el Konnakol, el sistema de ritmo de aprendizaje más superior del mundo, puedes entender cualquier ritmo desde cualquier país el planeta."

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A través de la música compuesta

La música compuesta íntegramente se refiere a una pieza musical que no se repite ninguna parte de sí misma o que rara vez lo hace. Casi todas las composiciones tienen elementos musicales que ocurren una y otra vez, especialmente la música pop, que tiene una estructura bastante rígida que ve relativamente pocas desviaciones.

La música verdaderamente compuesta es bastante rara, pero hay algunos ejemplos bien conocidos. Schubert escribió una serie de "lieds" (poemas románticos alemanes con música), donde escribió diferentes músicas para cada línea. La "Sinfonía de despedida" de Haydn también está compuesta en su totalidad. En la música popular, la mayoría de las así llamadas piezas compuestas tienen, de hecho, cierta cantidad de elementos que se repiten, pero aún se consideran en gran parte parte del género. Quizás el ejemplo más conocido en el rock es el "Bohemian Rhapsody" de Queen; el clásico de 1975 no tiene un coro y está dividido en distintas secciones que incluyen elementos de folk, rock, hard rock, ópera y balada. Los Beatles tienen una serie de melodías (que incluyen "La felicidad es un arma caliente", "Un día en la vida") que son canciones híbridas que comprenden dos partes muy distintas.

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Hollerin '

Hollerin 'es una antigua tradición de canto cuyos orígenes se remontan a los primeros tiempos del lenguaje. Sirvió a un propósito práctico: comunicar información a través de largas distancias. En la década de 1700, en Carolina del Norte, los madereros gritaban que se comunicaban instrucciones importantes entre sí; Sobrevivió durante muchos años en diversas formas. El hollín tiene muchos propósitos diferentes, incluidos la angustia (peligro), el comunicativo (generalmente un saludo básico), el funcional (llamadas cotidianas a la agricultura) y el expresivo (el placer puro del hollerin).Aunque Hollerin 'ha estado funcionalmente muerto durante algún tiempo, se ha iniciado un avivamiento desde 1969 en la forma de The National Hollerin Contest en Spivey's Corner, NC. El concurso, que se celebra el tercer sábado de junio, busca revivir el arte extinto y mantener vivo su legado.

Field hollering, un primo afroamericano a hollerin ', es un tipo de canto que se puede considerar un pariente cercano de la "canción de trabajo". Se cree que es un potencial precursor del blues, el hollering de campo no aparece en ninguna Grabaciones hasta mediados de la década de 1930, pero se sabe que tienen raíces mucho más antiguas. Se trata de falsete, portamento (deslizamiento de un tono a otro) y cambios repentinos de tono.

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Tuvan Garganta Cantando

Los cantantes de la garganta de Tuvan logran algo bastante sorprendente: son capaces de cantar múltiples tonos simultáneamente. Estos cantantes, de la región siberiana de Tuva, utilizan una técnica vocal que es un tipo de "canto de armónicos", un estilo de canto que existe en todo el mundo. El canto en exceso probablemente se originó en Mongolia, en las regiones ahora conocidas como Khovd y Govi-Altai. Tradicionalmente, estos "xöömei" han sido hombres, pero cada vez más mujeres están empezando a aprender la práctica.

Cuando escuchas una pieza de garganta cantando música por primera vez, es bastante impresionante, y probablemente no se parece a nada que hayas escuchado. El cantante comienza con un sonido profundo, bajo y gutural, y luego, con el tiempo, lo divide en sus tonos componentes, amplificando cada uno por separado para que pueda escucharse como una nota distinta. Es una técnica tremendamente difícil de dominar, ya que involucra varios componentes diferentes: los cantantes de garganta deben respirar circularmente (ver ítem 2), para permitir que la voz sea continua e ininterrumpida, luego controlar varias partes de su garganta y boca (labios, lengua, etc.). mandíbula, velo y laringe) para crear cámaras de eco en sus pliegues vocales. Desde allí, manipulan el sonido para crear música distinta, multifacética y verdaderamente única.

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Keening

¿Ese gemido, inquietante sonido que hace un banshee? Esto se denomina "afilado", un tipo de lamento vocal y musical que generalmente se asocia con Irlanda, aunque existe en varias formas en muchas otras culturas. Agudizar es “hacer un fuerte y largo grito de tristeza; lamentarse con un entusiasmo ”. Aunque no se escucha comúnmente en Irlanda en la actualidad (la mayoría del entusiasmo cesó a principios del siglo XX), solía ser una práctica habitual en los funerales, ya sea por una sola mujer o por un grupo de mujeres. Érase una vez, los entusiastas ("mná caointe") realizaron estas "caoineadh" en velatorios y funerales como una forma de unir a la comunidad en una exhibición o pena y duelo. Keeners elogiaba a los muertos, pero también solía maldecir a los que habían cometido un error al fallecido. Más que simples dolientes, mná caointe ayudó a las comunidades a manejar la muerte, también a cumplir con sus deberes espirituales, incluida la asistencia a los difuntos en su viaje a la otra vida.

La práctica puede remontarse a los israelitas (y quizás incluso más allá), quienes pasaron la costumbre a través de las civilizaciones orientales, luego a través de los griegos y romanos. En el idioma irlandés, la palabra se escribió "cine", muy similar a la palabra hebrea "cina": "lamentación o llanto con palmas".

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Hannes Coetzee y su cuchara de guitarra

Hannes Coetzee vive en la pequeña ciudad sudafricana de Herbertsdale, donde se gana la vida extrayendo aloe de las suculentas en el desierto. Sin embargo, es conocido en todo el mundo por su estilo único de tocar la guitarra; se presenta a sí mismo como un "guitarrista de diapositivas de cucharadita". Con una cuchara en la boca que sirve como un tipo de diapositiva, Coetzee engatusa una música distinta y áspera de su cadena de acero. guitarra. La técnica se llama "optel an knyp", que significa "levantar y pellizcar", y es un estilo de juego que, por lo que se sabe, fue inventado por Coetzee.

La historia de Coetzee recibió un reconocimiento más amplio en un documental de 2003 llamado "Karoo Kitaar Blues". La película narra los esfuerzos realizados en 2001 por el músico sudafricano David Kramer para organizar un concierto con algunos de los mejores músicos desconocidos del país.

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Respiración circular

La respiración circular es una técnica de respiración bastante delicada que le permite a una persona mantener una nota musical (o una sucesión de notas) de manera indefinida. En la superficie, no es demasiado complicado: cuando practicas esta técnica, esencialmente estás respirando normalmente, mientras almacenas una pequeña cantidad de aire extra en tus mejillas para que cuando te quedes sin aliento en tus pulmones puedas respirar Rápidamente por la nariz mientras usas esa reserva de mejillas para seguir jugando. La mecánica no es compleja de comprender, pero en realidad hacerlo requiere mucha práctica. Ciertos instrumentos, quizás el más famoso, el didgeridoo, requieren este tipo de respiración para tocar correctamente; Si bien no se conocen los originales de la respiración circular, es posible que los aborígenes australianos hayan desarrollado la técnica específicamente para el didgeridoo.

Si bien muchos músicos se han hecho un nombre por sí mismos (al menos en parte) a través del uso de la respiración circular, incluido el trompetista mexicano Rafael Mendéz, el saxofonista británico Andy Sheppard y el director de orquesta estadounidense Irvin Mayfield, no es otro que Kenny G, quien estableció un récord mundial. . En 1997, el adulto de jazz suave y contemporáneo tocó un E-Flat en su saxofón soprano durante 45 minutos y 47 segundos, logrando sostener la nota usando la técnica de respiración circular.

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Guitarras parlantes

http://www.youtube.com/watch?v=0dTFajHVyHo

El músico de guitarra y habla más conocido es probablemente Peter Frampton, quien cantó su famoso "Talk Box" en los exitosos singles "Do You Feel Like We Do" y "Show Me The Way". The Talk Box es una unidad de efectos. que permite al usuario conectar su voz a un instrumento; Frampton tiene su propia línea de cajas de conversación y debe al menos parte de su éxito al sonido distintivo de su voz hablada a través de su guitarra eléctrica.

Frampton, sin embargo, no fue el primer músico en experimentar con guitarras parlantes. Alvino Rey, un músico estadounidense de la era del swing, a menudo se le atribuye la invención de la guitarra de acero y pedal, y fue pionero en un micrófono de garganta de carbono que estaba conectado para afectar el tono de su guitarra eléctrica. Rey colocó el micrófono en la garganta de su hermana, quien pronunció palabras y produjo lo que Rey llamó "Guitarra cantante". Muchas de las melodías de Rey presentaban una pequeña marioneta de guitarra llamada "Stringy", que actuaba como una especie de canto, con voz de guitarra. Maniquí ventrílocuo.

En 1964, el pionero de la música Pete Drake lanzó "Forever", un álbum cuyo single del mismo nombre fue un gran éxito. El estilo de "guitarra cantante" fue resucitado y la canción llegó al número 22 en las listas de Billboard. El dominio de Drake de la guitarra, tanto "hablando" como de otro modo, lo llevó a aparecer en docenas de éxitos en la década de 1960, incluyendo "Lay Lady Lay" y (probablemente) "Stand By Your Man".

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Chanking

"Chanking" es una técnica de guitarra, que se encuentra (entre otros estilos) en punk, reggae, y rhythm and blues, donde aprietas (y mantienes) las cuerdas contra el cuello de la guitarra y el rasgueo al mismo tiempo. La palabra es un baúl (el resultado de dos palabras combinadas para formar una nueva) de "choke" y "yank". El resultado es un sonido percusivo y repetitivo que se hizo famoso por James Brown y su guitarrista Jimmy Nolen. y se puede escuchar claramente en su éxito de 1965 "Papa's Got a Brand New Bag".

El chanking está muy relacionado con el "raspado de pollo", una técnica similar que se diferencia por la liberación rápida y leve de la mano de afeitado. Para hacer que el ruido de los pollos suene, los guitarristas presionan ligeramente contra las cuerdas y se sueltan rápidamente, a la vez que tocan muy rápido con la otra mano cerca del puente de la guitarra.