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10 géneros musicales del siglo XXI que la mayoría de la gente no ha escuchado
La música evoluciona a un ritmo tan rápido que a menudo nos cuesta mantenernos al día con lo mejor y lo mejor. Gracias a la reducción de los costos de los equipos de grabación y al uso generalizado de las computadoras personales, producir y lanzar música ahora es tan accesible que parecen surgir nuevos géneros cada pocos meses.
10 MIDI negro
Advertencia: ¡No mire videos MIDI negros si es epiléptico!
En la década de 1980, el mundo de la música fue revolucionado por la invención de la Interfaz Digital de Instrumentos Musicales (MIDI). Este nuevo sistema agilizó la capacidad de los instrumentos musicales electrónicos y las computadoras para "hablar" entre sí, lo que hace posible controlar la notación, el tono, el tempo y otros innumerables parámetros con solo presionar un botón. Hoy en día, sería difícil encontrar artistas que no usen MIDI de alguna manera, ya que se ha vuelto omnipresente con la música pop y electrónica.
El concepto de MIDI ha llegado a nuevos extremos con el desarrollo de "MIDI negro", un género musical con una premisa simple: Cram tantas notas como sea humanamente posible en una sola composición. Los humildes comienzos de Black MIDI se remontan a 2009 cuando los usuarios de un popular sitio web japonés para compartir videos comenzaron a cargar clips de videos y temas de anime que habían remezclado en el programa de aprendizaje de piano Synthesia.
Lo que comenzó como un hobby de nicho para muchos adolescentes japoneses explotó rápidamente en un fenómeno de Internet en toda regla. "Blackers", como se llaman a sí mismos cariñosamente, desde entonces han desarrollado una comunidad en línea muy unida, han lanzado cientos de canciones y han creado sus propios sellos discográficos para músicos MIDI negros.
A pesar de que las canciones en el género originalmente alcanzaron unos pocos cientos de miles de notas, ahora es común encontrar artistas que pueden alcanzar la marca de los mil millones. De acuerdo con las tablas de clasificación MIDI negras, el poseedor de registros actual es Gingeas, que logró encajar más de un billón de notas en su canción "Armageddon v2".
Artistas notables: Gingeas, RetroUniversalHT, TheSuperMarioBros2
9 Kawaii Metal
Un estereotipo común en el mundo occidental es la obsesión japonesa con todas las cosas adorables. Durante las últimas décadas, kawaii La cultura (linda) se ha arraigado en muchos aspectos de la vida japonesa, incluidos la comida, la ropa, los juguetes e incluso los comportamientos y maneras de las personas. En 2009, un empresario japonés decidió tomar kawaii cultura al siguiente nivel, mezclando la estética de colegiala de la música pop japonesa con los riffs de guitarra que adormecen la mente y los ritmos aplastantes de la música metal.
Kawaii El metal debe sus orígenes a la banda Babymetal y al enigmático ejecutivo que la respalda, Kobametal. Originalmente formado como un spin-off del grupo de J-pop Sakura Gakuin, Babymetal ha tenido mucho éxito en los últimos años y no solo en Japón. Su álbum debut salió bien en Austria, Bélgica, Holanda, Alemania e incluso Estados Unidos.
Quizás Babymetal es tan popular debido a su yuxtaposición de metal y J-pop, dos géneros en extremos totalmente opuestos del espectro musical. Es bastante cautivador escuchar brillantes voces pop sobre instrumentales de metal de estilo Slayer. La extraña persona encarnada por la banda también podría ser un factor. En una entrevista en fuse.tv, Kobametal afirmó que las acciones del grupo son impulsadas por "mensajes divinos que vienen del dios del metal al que llamamos el dios zorro". O tal vez son sorprendentemente buenos.
Artistas notables: Babymetal, Ladybaby, DOLL $ BOXX
8 minúsculas
Aunque la frase "menos es más" fue acuñada en 1855 por el poeta Robert Browning, no entró en el léxico público hasta que el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe adoptó la idea como un principio para el diseño minimalista en los años sesenta. Décadas más tarde, los músicos han tomado la expresión en serio, centrándose en tocar solo unas pocas notas para crear un ambiente más que en elementos musicales más tradicionales como el ritmo y la melodía.
Todos los días, nos bombardean tanto el ruido de los automóviles, aviones, electrodomésticos y la construcción, que las formas más sutiles de ruido a menudo pasan desapercibidas. No prestamos mucha atención al zumbido del viento ni a la olla que burbujea en la estufa. Minúscula, un subgénero de la electrónica minimalista, elabora sobre esta idea, utilizando estos "microsonidos" ignorados e incluso silencio para hacer algo completamente diferente al tipo de música que estamos acostumbrados a escuchar.
La minúscula se estableció en 2001 cuando Steve Roden lanzó Formas de papel, un álbum compuesto únicamente por los sonidos del crujido del papel. Distorsionado y amplificado usando una computadora, se dispuso digitalmente en una composición inquietante de 54 minutos. Los artistas del género pueden usar cualquier cosa, incluidas las grabaciones de campo de hojas susurradas, personas que respiran o campanas que suenan en la distancia.
En el sitio web de Electro Acoustic Research, Roden dijo: “[en minúsculas] tiene un cierto sentido de tranquilidad y humildad; no exige atención, debe descubrirse ”. Esa es una declaración refrescante, considerando las“ guerras de sonoridad ”que se escuchan en el oído dentro de la música popular.
Artistas notables: Steve Roden, Richard Chartier, Alva Noto
7 Seapunk
La década de 2010 ha visto un enorme aumento en las subculturas en línea, en gran parte debido a la creciente popularidad de las redes sociales. Las tendencias pueden explotar de la noche a la mañana, ser el tema de conversación durante un par de días y retroceder en la oscuridad con apenas un momento de aviso. Nada abarca la naturaleza efímera de la vida moderna como seapunk, un micro-género de música electrónica que, por un breve tiempo, fue un gran problema para un puñado de personas.
Originalmente llamado "broma web con música" por Los New York Times, seapunk fue creado por un grupo de músicos en línea con una nostalgia compartida por la cultura de los años noventa. El género combina la música electrónica con los sonidos hipnóticos de los videojuegos temáticos del océano (como Ecco the Dolphin o los niveles de agua en Donkey Kong) y los instrumentos tropicales sintetizados, como las marimbas y los tambores de acero. No solo confinado a la música, Seapunk también generó una tendencia de diseño muy popular que usaba imágenes acuáticas, así como todos los tonos de turquesa imaginables.
A finales de 2012, la comunidad seapunk se alzó con la "cooptación" del género por parte de Rihanna y Azealia Banks. Rihanna realizó su exitosa canción "Diamonds" en SNL frente a fondos que recuerdan mucho al video del pionero del género Jerome LOL para su canción "Blockz". Solo unos días después, Banks lanzó un video musical inspirado en el seapunk para su canción "Atlantis".
Artistas notables: Unicorn Kid, Blank Banshee, iamamiwhoami
6 Wizard Rock
En 1990, J.K. Rowling estaba en un tren abarrotado de Manchester a Londres cuando la premisa de Harry Potter se materializó repentinamente en su cabeza. Pasó las siguientes cuatro horas garabateando los detalles que darían nacimiento a una de las series literarias más queridas de la historia, y vendió más de 400 millones de copias en todo el mundo. La locura de Harry Potter ha inspirado tanto a niños como a adultos, generando innumerables spin-offs hechos por fanáticos, una liga de Quidditch de la vida real, e incluso un género musical completo.
Wizard rock (a veces conocido como "Wrock") apareció en los Estados Unidos alrededor de 2002 con la banda de Massachusetts Harry and the Potters. Desde entonces, el género ha crecido a nivel internacional, inspirando a los imitadores por todas partes e incluso inspirando a Wrockstock, un festival anual de bandas de wizard rock.
Wrock no se adhiere a un estilo particular de música, sino que se basa en temas del universo de Harry Potter. Las bandas en gran parte escriben canciones desde la perspectiva de personajes específicos y, a menudo, se ponen disfraces para agregar un nivel más profundo de inmersión en sus actuaciones. Aunque las referencias literarias fantásticas en la música no son un concepto nuevo (Led Zeppelin hizo referencia al famoso Reino de la Tierra Media de la Re. Tolkien en una serie de canciones), ninguna otra franquicia, pero Harry Potter ha inspirado todo un género musical.
Artistas notables: Harry y los Potter, Draco y los Malfoy, Los Parselmouths
Casa de 5 brujas
Los músicos han sido asociados con el ocultismo durante mucho tiempo. En la antigüedad, los chamanes hacían encantamientos para convocar espíritus. En la década de 1990, las bandas de black metal noruegas quemaron iglesias y asesinaron a los miembros de su propia banda. A finales de la década de 2000, el lado oscuro de la música experimentó un resurgimiento con la aparición de un pequeño género conocido como la casa de las brujas.
Mezclando la atmósfera nebulosa de las bandas góticas de la década de 1980 como Cocteau Twins y The Cure con música de baile electrónica y de hip-hop más convencional, la casa de brujas se originó en Salem, con sede en Massachusetts, en su álbum de 2010 Noche de rey.
Al igual que Seapunk, el género implementa una estética visual que se basa en gran medida en la cultura pop de los años 90, sobre todo El proyecto de la bruja de Blair, Twin Peaksy Encantado. Otros elementos comunes del género son las referencias a la brujería, la carátula del álbum inspirada en el horror y el uso de triángulos, cruces y otros símbolos en los nombres de artistas y títulos de canciones.
La casa de las brujas fue vista en gran parte como una reacción al chillwave, un micro-género concurrente que enfatizaba el brillo cálido y las vibraciones estivales de la música pop de finales de los 70 y principios de los 80. Aunque los lanzamientos se han ralentizado significativamente desde su pico, varios artistas del género han encontrado éxito en todo el mundo.
Artistas notables: Salem, Crystal Castles, oOoOO, Ritualz
4 Nintendocore
Para muchos de nosotros nacidos en los años 80 y 90, podemos agradecer a Koji Kondo por haber compuesto la banda sonora de nuestra infancia. Kondo escribió algunas de las melodías más inolvidables de la historia para los videojuegos de las franquicias de Super Mario y Legend of Zelda, entre otras. Sus contribuciones revolucionaron no solo los videojuegos sino toda la industria musical. Habría sido una gran hazaña para Kondo haber predicho el alcance de su influencia, que ha llegado a casi todos los rincones del mundo.
Nintendocore fusiona dos aliados improbables: los sonidos de 8 bits de la música de los videojuegos iniciados por Kondo con la agresividad del punk y el metal. Aunque el género no surgió hasta principios de la década de 2000, la fundación se estableció en la década de 1990. Autoclave fue la primera banda en cubrir una canción de videojuego; La última canción de su álbum homónimo es el tema de Paperboy. Mientras tanto, los rockeros excéntricos Mr. Bungle usaron sonidos de Super Mario Bros. en su álbum de debut homónimo.
El primer álbum de Nintendocore fue lanzado en 2001 por Horse the Band. La conjunción entre los riffs pesados de guitarra del álbum y los teclados utilizados para replicar los sonidos de Nintendo de 8 bits llamó la atención del público en todas partes, y la banda ha tenido un éxito modesto en sus casi dos décadas de existencia. El término "Nintendocore" fue acuñado por el líder del grupo para describir el álbum, aunque originalmente lo usó como una broma. Sin embargo, el término se prendió, y el resto es historia.
Artistas notables: Horse The Band, The Advantage, Minibosses
3 piratas de metal
Gracias al éxito de películas como Peter Pan, Ganchoy piratas del CaribeTodos conocemos bien la estética pirata: barbas, tatuajes y mucho ron. Naturalmente, esta imagen parece traducirse bastante bien en el mundo de la música. Se sabe desde hace mucho tiempo que los músicos se ponen el vello facial, se tatúan el cuerpo y beben grandes cantidades de alcohol. Por lo tanto, el término "metal pirata" puede no parecer demasiado extenso, después de todo.
Los orígenes del metal pirata se remontan a la versión de Running Wild de 1987 de Bajo Jolly Roger. Cuando las primeras imágenes satánicas y el lirismo político del grupo no fueron bien recibidos por la población alemana, adoptaron la imagen de pirata que influiría en decenas de bandas algunas décadas después.
El metal pirata se define por la incorporación del atuendo pirata, el folclore y la jerga en su música. Los grupos también pueden usar instrumentos folclóricos más tradicionales como concertinas y chapotear en el coro del mar ocasional. El género trae un tono más jovial al heavy metal, que generalmente se caracteriza por la tristeza, la muerte y la destrucción.
Artistas notables: Alestorm, Running Wild, Lagerstein, Swashbuckle
2 Vaporwave
Entre los jóvenes, la desilusión con la sociedad en general parece estar en su punto más alto. La participación de los votantes disminuye constantemente, y un número excesivamente elevado de personas sufre un desempleo crónico, especialmente en Europa. La palabra alemana "weltschmerz" (dolor del mundo) describe la angustia y la disonancia cultural experimentada por las personas cuando el mundo no está a la altura de sus expectativas, un sentimiento repetido por los artistas en el micro-género Vaporwave de la década de 2010.
Vaporwave se caracteriza por su fuerte muestreo de jazz suave y música lounge desde la década de 1970 en adelante, así como muestras vocales y sintetizadores electrónicos nebulosos. El género fue formado casi por pura coincidencia por Daniel Lopatin y James Ferraro, músicos experimentales que lanzaron álbumes casi al mismo tiempo que sonaban inquietantemente similares. Empapado en la nostalgia y la estética retro obsoleta, el género no solo apunta a llevar a los oyentes a tiempos más simples sino también a ofrecer una crítica contemporánea de la cultura de consumo y el capitalismo.
Como seapunk y bruja house, vaporwave incorpora su propia estética visual para adaptarse a la música. Las imágenes destacadas incluyen diseño web de la década de 1990 (piense en Angelfire y Neocities), imágenes tridimensionales anticuadas, el uso de caracteres japoneses en nombres de artistas y títulos de canciones, arte glitch, y sin ninguna razón aparente, escultura romana y griega antigua.
Artistas notables: Macintosh Plus, Saint Pepsi, James Ferraro, Chuck Person
1 pared de ruido áspero
El pintor y compositor del siglo XX, Luigi Russolo, es quizás mejor recordado por su manifiesto. El arte de los ruidos, que argumentaba que la revolución industrial había dado paso a una gran cantidad de sonidos nuevos, una vez insondables para que la humanidad los disfrute. Se sentía constreñido por la música contemporánea, que daba demasiado énfasis a la melodía. En cambio, Russolo propuso una nueva forma de música caracterizada por el ruido. Pasó décadas improvisando instrumentos musicales experimentales que llamó intonarumori.
Desde la época de Russolo, la música de ruido ha inspirado una amplia gama de géneros, aunque la mayoría aún se mantiene al margen de la escena musical. Pocos músicos han podido llegar a una amplia audiencia a través del ruido porque los oídos humanos valoran los sonidos que son nítidos, formulados y armónicos.
Una de las iteraciones más recientes de ruido es la pared de ruido fuerte (HNW). En pocas palabras, HNW es un gran dedo medio para todo lo que sabemos sobre lo que hace que la música sea placentera. El género carece totalmente de elementos que normalmente asociamos con la música, como la melodía o el ritmo estructurado. Es quizás el tipo de música más extremo que existe actualmente, que a veces desestabiliza al oyente al crear una “pared” implacable de ruido sin dinámica o progresión. El HNW es implacable, cacofónico y disonante. A veces, puede causar dolor o un aumento de la respuesta suprarrenal. Se aconseja la discreción del oyente.
Artistas notables: Vomir, The Rita, Hombre lobo de Jerusalén