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Top 10 mejores cinematógrafos
La cinematografía es, en muchos sentidos, un trabajo ingrato. Todos saben cuál es su propósito básico, qué tan importante es para la película y cómo las imágenes visuales son a menudo las más memorables y, sin embargo, muchos luchan por nombrar incluso a un director de fotografía. En la historia del cine, el papel del director de fotografía es a menudo descuidado, y sin embargo, han sido tan importantes e influyentes como directores, escritores y actores. Para conmemorarlos, aquí hay una lista de los diez mejores y más influyentes cineastas. También te puede interesar nuestras 10 mejores obras maestras cinematográficas.
10Kazuo Miyagawa 1908-1999
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Se puede decir que Miyagawa es el director de fotografía más importante en la historia de Japón, ya que trabajó con un quién es quién de autores japoneses, entre ellos Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu y Kenji Mizoguchi. Quizás es más famoso por su trabajo en Rashomon, donde fue la primera persona en apuntar una cámara directamente a la luz solar (utilizando años de estudio sobre exposición a la luz). También fue conocido por usar múltiples configuraciones de cámara para escenas, y fue aclamado por su contraste de barrido de tomas de seguimiento y primeros planos nítidos. Otras innovaciones en la película incluyen el uso de espejos para reflejar la luz natural y el uso de agua negra teñida como lluvia, para que se vea más vívida en la cámara. También fue un maestro de géneros, trabajó en comedias (The Rickshaw Man), películas de samurai (las películas de Zatoichi), y supervisó 164 cámaras y usó más de 234 lentes diferentes para la Olimpiada de Tokio, a menudo comparado con la Olympia de Leni Riefenstahl. Los mejores documentales olímpicos.
Algunos de los impresionantes trabajos de Miyagawa en Rashomon se pueden ver en el clip.
Películas notables: Rashomon (1950), Ugetsu (1953), Sansho the Bailiff (1954), Weating Weeds (1959), Yojimbo (1961), Zatoichi (1964), Olimpiada de Tokio (1965)
9 Sergei Urusevsky 1908-1974[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = GFrHPcKiXaQ & hl = en & fs = 1 &]
Aunque no es tan prolífico como otros en esta lista, Urusevsky ha ganado un estatus casi mítico entre los directores de fotografía debido a su trabajo con el director ruso Mikhail Kalatozov en películas como Soy Cuba y The Cranes are Flying. Su combinación casi increíble de enfoque profundo, tomas de seguimiento acrobático, perspectiva subjetiva y otros trucos cinematográficos notables fue tan avanzada que no se vería en el oeste hasta más de una década después. Desafortunadamente, sus colaboraciones de Kaltozov fueron enterradas en gran parte por la maquinaria de propaganda soviética, y solo recientemente se han restaurado gracias a admiradores reconocidos como Martin Scorsese y Francis Ford Coppola. Su espectacular trabajo de cámara, que a menudo se distraía del enfoque adecuado de la escena, fue defendido por Urusevsky, señalando que "nunca me ha interesado, como camarógrafo, simplemente registrar lo que está pasando frente a la cámara".
El clip de arriba, muy celebrado, es quizás la escena más famosa del repertorio de Urusevsky. Un disparo de seguimiento balético desde la apertura de I am Cuba muestra su trabajo de cámara original y lleno de ampollas.
Películas notables: The Forty-First (1956), The Cranes are Flying (1957), The Unsent Letter (1959), I am Cuba (1964)
Vittorio Storaro Nacido en 1940
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Vittorio Storaro (nacido el 24 de junio de 1940 en Roma) es un cineasta italiano ganador de tres premios de la Academia. Es famoso por su trabajo en Apocalypse Now (su primer Oscar), donde Francis Ford Coppola le dio rienda suelta para fotografiar el aclamado aspecto visual de la película. Continuó ganando los Oscars para Reds y The Last Emperor, que fue dirigida por Bernardo Bertolucci, su colaborador más frecuente. Storaro es considerado un maestro de fotografía con una filosofía sofisticada inspirada en gran medida por la teoría de los colores de Johann Wolfgang von Goethe, que se centra en parte en los efectos psicológicos de los diferentes colores y en la forma en que los colores influyen en nuestras percepciones de diferentes situaciones. Con su hijo, Fabrizio Storaro, creó el sistema de formato Univisium para unificar todas las futuras películas teatrales y televisivas en una relación de aspecto respectiva de 2.00: 1.
El clip es una escena de The Sheltering Sky, que muestra la cinematografía del desierto más hermosa que jamás se haya filmado. Para una mejor calidad de vista (y una versión más larga) de esta escena, vaya aquí. Usted absolutamente no será decepcionado.
Películas notables: The Conformist (1970), Last Tango in Paris (1972), Apocalypse Now (1979), Reds (1981), The Last Emperor (1987), The Sheltering Sky (1990)
7 Sven Nykvist 1922-2006[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = c1Xrg9uw_8g & hl = en & fs = 1 &]
Como cineasta elegido por Ingmar Bergman, a Nykvist se le encomendó la tarea poco envidiable de transformar las imágenes sorprendentes, a menudo surrealistas del autor sueco, en realidad frente a la cámara. A pesar de esto, Nykvist se destacó por su sutileza y simplicidad, favoreciendo la iluminación naturalista para complementar el estilo lento y dinámico de narración de Bergman. Era modesto y, a menudo, se escondía detrás de su imponente director, pero Nykvist aún era reconocido por su trabajo con dos Premios de la Academia por Cries and Whispers y Fanny y Alexander. Nykvist también trabajó con directores como Roman Polanski, Woody Allen y Andrei Tarkovsky. Fue el primer director de fotografía europeo en unirse a la American Society of Cinematographers, y recibió un Premio a la Trayectoria de la ASC en 1996.
Arriba hay una bella escena de Persona. Note el notable desvanecimiento de la luz.
Películas notables: The Virgin Spring (1960), Persona (1966), Gritos y susurros (1973), Fanny y Alexander (1982), El sacrificio (1986), La insoportable ligereza del ser (1988)
6Gregg Toland 1904-1948
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Gregg Toland no estuvo con nosotros mucho tiempo, pero es un mérito a su brillantez que hoy sea tan venerado. Toland fue nominado cinco veces al Oscar a la Mejor Cinematografía durante un período de oro de siete años que duró desde 1936 hasta 1942, pero es su colaboración con Orson Welles en Citizen Kane lo que más se recuerda. Aunque no creó una cinematografía de enfoque profundo, la perfeccionó en Citizen Kane, permitiendo que los personajes en primer plano y el fondo se enfocaran al mismo tiempo. De hecho, gran parte del genio visual y cinematográfico de la película (ángulos bajos, alto contraste, sombras oscuras), aunque a menudo se atribuye a Welles, fue obra de Toland. Welles reconoció más tarde que Toland lo estaba aconsejando sobre la colocación de la cámara y los efectos de iluminación en secreto para que el joven director no se sintiera avergonzado frente al experimentado equipo. Tan endeudado estaba con el trabajo de Toland, que Welles insistió en que sus nombres aparecen juntos en los créditos finales. Más tarde, Toland trabajó en Disney's Song of the South, que combinaba acción en vivo con animación.
Arriba hay un ejemplo de enfoque profundo en Citizen Kane.
Películas notables: Wuthering Heights (1939), The Grapes of Wrath (1940), The Long Voyage Home (1940), Citizen Kane (1941), How Green Was My Valley (1941), Song of the South (1946)
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Apodado 'El príncipe de la oscuridad' por su afición por el uso de negros ricos e interiores oscuros, más famoso en las películas de El Padrino por las que es más conocido, Gordon Willis es famoso por su cinematografía innovadora que le ha valido dos nominaciones al Oscar y un montón de respeto . Su trabajo en las películas de El padrino es legendario, y sus innovaciones incluyen ser pionero en el uso de cálidos, borrosos y ámbar para representar escenas nostálgicas del pasado en El padrino parte II, y la recreación única de la fotografía de 1920 para Woody Allen Zelig.
Arriba hay un clip que muestra a Gordon Willis (y otros) discutiendo la cinematografía de El padrino.
Películas notables: The Godfather (1972), The Godfather Part II (1974), Todos los hombres del presidente (1976), Zelig (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), The Godfather Part III (1990)
4Christopher Doyle Nacido en 1952
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Aunque nacido en Australia, Doyle dejó su marca al fotografiar películas asiáticas, especialmente el trabajo del director de Hong Kong, Wong Kar-Wai. Su trabajo con el director, particularmente las películas Chungking Express, In the Mood for Love y 2046, es alabado por sus vívidos toques de colores y alta saturación, y es considerado uno de los arquitectos más importantes del cine asiático New Wave. También es uno de los pocos directores de fotografía "superestrella", cuya reputación es a menudo más alta que los directores con los que trabaja.
Arriba hay un clip de la película Hero, donde la atención de Doyle a los colores vivos fue crucial para la historia.
Películas notables: Chungking Express (1994), In the Mood for Love (2000), The Quiet American (2002), Hero (2002), Infernal Affairs (2002), 2046 (2002), Paranoid Park (2007)
3 Conrad L. Hall 1926-2003[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = DWTNBRs7Ccs & hl = en & fs = 1 &]
Comenzando con películas como Cool Hand Luke y Butch Cassidy y Sundance Kid, Hall ayudó a liberar los enfoques de la filmación al hacer, como dice Sight and Sound, "cometer virtudes de los errores". Manchas como el sol que golpea la lente, la suciedad que se pone en la lente, u otras aparentes distracciones que hubieran necesitado reparaciones en el pasado, pero el enfoque de Hall fue un ejemplo de la nueva ola del cine estadounidense y ayudó a establecer una plantilla para películas independientes e independientes. Pero Hall también demostró que podía manejar más fotos "prístinas", fotografiando películas como American Beauty más adelante en su carrera. Ganó su primer Oscar en 1969 para Butch Cassidy y Sundance Kid, y luego tendría que esperar 30 años para su próxima, para American Beauty. Su tercer Oscar le fue otorgado a título póstumo por Road to Perdition. Además de eso, fue nominado siete veces más durante su vida.
Arriba hay una escena divertida de Butch Cassidy y Sundance Kid, por la cual Hall ganó un Oscar.
Películas notables: Cool Hand Luke (1967), In Cold Blood (1967), Butch Cassidy y Sundance Kid (1969), El día de la langosta (1975), American Beauty (1999), Camino a la perdición (2002)
2James Wong Howe 1899-1976
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James Wong Howe tenía más de 130 películas en su haber, desde la época del silencio hasta el color. Durante las décadas de 1930 y 1940 fue considerado uno de los cineastas más buscados de Hollywood. Fue nominado a diez premios de la Academia por cinematografía, ganando dos veces. Además de ser uno de los primeros cinematógrafos en utilizar la fotografía de enfoque profundo, Howe fue pionero en las técnicas para aumentar los ojos en la película en blanco y negro, las técnicas iniciales de las muñecas, las técnicas de cámara de mano y el disparo con fuentes de luz inusuales, como la luz de las velas en The Molly Maguires.
El clip es una hermosa fotografía en blanco y negro de Hud, por la que Howe ganó un Oscar.
Películas notables: The Thin Man (1934), Argel (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), The Rose Tattoo (1955), Sweet Smell of Success (1957), El viejo y el mar (1958), Hud (1963), Divertido Dama (1975)
1 Charles Rosher 1885-1974[youtube = http: //www.youtube.com/watch? v = CvUvr715rjg & hl = en & fs = 1 &]
Charles Rosher fue dos veces cineasta ganador del Premio de la Academia que trabajó desde los primeros días de las películas mudas hasta los años cincuenta. Nacido en Londres, fue el primer director de fotografía en recibir un Premio de la Academia, junto con el co-ganador de 1929 Karl Struss. Rosher estudió fotografía en su juventud, pero se ganó la reputación de camarógrafo antes de mudarse a los Estados Unidos en 1909. Posteriormente, encontró trabajo para David Horsley en su compañía de producción en Nueva Jersey. Debido a que la primera película se restringió en gran medida al uso de la luz del día, Horsley trasladó su compañía de producción a Hollywood en 1911, llevando a Rosher con él, y abrió el primer estudio de cine allí. Esto convirtió a Rosher en el primer camarógrafo a tiempo completo en Hollywood. En 1913 viajó a México para filmar las imágenes de la rebelión de Pancho Villa. En 1918, fue uno de los fundadores de la Sociedad Americana de Cinematógrafos y se desempeñó como primer vicepresidente del grupo. En la década de 1920, fue uno de los cineastas más solicitados de Hollywood y uno de los favoritos de estrellas como Mary Pickford. Su trabajo con Karl Struss en la película de 1927 de F. W. Murnau, Sunrise, es visto como un hito en la cinematografía. Además, Rosher también recibió dos Medallas Eastman (nombradas por George Eastman), la medalla de oro de la revista Photoplay y la única beca otorgada por la Society of Motion Picture Engineers.
Arriba hay un ejemplo del trabajo revolucionario de Rosher en Sunrise.
Películas notables: Sunrise (1927), The Affairs of Cellini (1934), Little Lord Fauntleroy (1936), The Yearling (1946), Annie Get Your Gun (1950), Show Boat (1951)
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