10 películas que cambiaron la industria del cine para siempre

Los últimos años han sido un buen momento para ser un fanático del cine. Las adaptaciones de cómics han pasado de ser un nicho de mercado condenado a dominar la taquilla debido al éxito de películas como Vengadores y El caballero oscuro, y la ciencia ficción sigue tomando riesgos, como se ve en Prometeo. Los aspirantes al Oscar a la Mejor Película en los últimos años han demostrado que no hay escasez de dramas que van desde los alentadores a los desgarradores. Sin embargo, muchos de los aspectos del cine moderno que damos por sentado tienen raíces en las películas de décadas pasadas.

10Promesas Promesas (1963)

Incluso el individuo más reservado puede recordar vívidamente las escenas más atractivas que haya visto en el cine. Desde phoebe cates en Tiempos rápidos en Ridgemont High a christina ricci en Black Snake Moan, el sexo ha condimentado el cine para siempre.

Por supuesto, tenía que empezar en alguna parte. La desnudez ha sido parte del cine desde su inicio, pero durante mucho tiempo, los cineastas tuvieron que luchar con políticas restrictivas basadas en la moral, como el Código Hays. En la década de 1960, sin embargo, las películas empezaron a desafiar esas restricciones sobre el sexo y la desnudez.

Comedia sexual Promesas Promesas Fue la primera película cinematográfica principal en la que se presentó una estrella importante: en este caso, Jayne Mansfield aparecía desnuda. Si bien antes había habido desnudos en películas más pequeñas (ya menudo silenciosas), esta película ayudó a legitimar el uso del sexo para vender una película y alimentar la fama de la estrella desnuda. Sin esta película, no habría habido comedias sexuales como las pie americano o Preñada, ni una generación que dominó el arte de presionar el botón de pausa en los momentos estratégicos de sus escenas favoritas.

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9Ocean's 11 (1960)

Cuando los créditos empiezan a rodar, una cosa queda muy clara: el público ha sido entrenado para permanecer sentado. Para las audiencias modernas, eso se debe en gran parte a Hombre de AceroEl "aguijón" posterior a los créditos, que es una escena extra que recompensa a los fanáticos por quedarse ahí. Todos los lanzamientos posteriores de Marvel y muchas otras películas no relacionadas han seguido su ejemplo.

Sin embargo, Marvel apenas fue pionera en esta idea. Se remonta a la segunda película de James Bond, Desde Rusia con amor, que prometió al público después de los créditos que "James Bond regresaría", una práctica que continúa hasta hoy.

El primer aguijón de la película, sin embargo, vino del original. Ocean's 11, que mostró a Sinatra, Davis y el resto de la tripulación caminando por una calle en Las Vegas. En comparación con los "aguijones" modernos que buscan sorprender a los espectadores, esto fue bastante moderado, pero sin los Ojos Azules de Ol por el bulevar, nunca habríamos visto a Samuel L. Jackson diciéndole a Robert Downey Jr. sobre la Iniciativa Vengadores. .

8Guerra de las Galaxias (1977)

Guerra de las Galaxias Revolucionó el cine de manera incontable, elevando el nivel de los efectos especiales, el uso creativo de escenarios prácticos y la narración de cuentos de ciencia ficción. En medio de todo esto, a menudo se pasa por alto una de sus principales contribuciones al cine: el simple hecho de jugar los créditos al final de la película en lugar del principio.

Todos reconocen el famoso "rastreo" de apertura de la película, las letras amarillas que atraen a los espectadores hasta el drama espacial que están a punto de ver antes de desplazarse hacia la inmensidad del espacio. Aunque luego se convertiría en un ícono, a la Directora no le gustó esta idea en ese momento. Ordenaron a George Lucas que exhibiera los créditos del elenco y que el equipo apareciera antes de la película, como había sido la tradición durante décadas. Lucas se negó a ceder y simplemente pagó la multa requerida al Gremio antes de renunciar.

El tiempo le dio a Lucas la última risa. El éxito fugitivo de Guerra de las Galaxias significaba que los cineastas de todo el mundo tomarían prestadas sus fórmulas para siempre, incluida la eliminación de créditos al comienzo de la película. En última instancia, Luke Skywalker no solo hizo estallar la Estrella de la Muerte: aumentó las posibilidades de que alguna vez tengas cinco minutos de créditos antes de que comience tu película.

7Garganta profunda (1972)

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Garganta profunda Por supuesto, no fue la primera película pornográfica, pero sí definió lo que el consumidor moderno consideraría una. Antes de esta película, la mayoría de los pornos consistían en solo unos 10 minutos de metraje, que se repetía repetidamente para crear la impresión de una película más larga. Además, esas películas se veían principalmente en tiendas que vendían libros para adultos o clubes de adultos.

Con su parcela campiña y su tiempo de ejecución de casi una hora, Garganta profunda Hizo la pornografía más generalizada. Salir para ver la película se consideraba una actividad de moda, y la vista de parejas de aspecto normal que se dirigían a teatros de aspecto normal para ver una película pornográfica hizo que la pornografía fuera más aceptable. Si el porno ya no parecía estar a la altura de los jóvenes, la imagen de las autoridades federales que intentaban confiscar los carretes de películas y cerrar los cines mostraba a los jóvenes rebeldes, consolidando el lugar de la pornografía mientras otro hablaba en las ruedas de la revolución sexual.

6Blanca Nieves y los Siete Enanos (1937)

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Al contrario de los rumores persistentes, Disney's. Blanca Nieves y los Siete Enanos No fue el primer largometraje animado, mayor o no. Sin embargo, fue el primer largometraje animado producido en inglés y en tecnicolor, y representó un intenso nivel de riesgo para Walt Disney. En ese momento, muchas personas, incluida su esposa, asumieron que el público no tenía ni tiempo ni paciencia para sentarse en una película de dibujos animados.

Sin desanimarse, Disney tomó prestados la mayor parte de los $ 1.5 millones necesarios para financiar su visión.Como sabemos ahora, la apuesta dio sus frutos: la película ganó $ 8 millones durante el apogeo de la Gran Depresión y anunció una revolución en la animación. No solo proporcionó la base para compañías de animación posteriores (como Hannah-Barbera, Pixar y Don Bluth Productions), también lanzó la animación CGI, el imperio que eventualmente dominaría los parques temáticos y las franquicias de mega éxitos como Guerra de las Galaxias y Marvel.

5Joven sherlock holmes (1985)

Joven sherlock holmes No fue la primera película en ofrecer animación por computadora, pero sí fue la primera en presentar un personaje CGI hiperrealista que tuvo que ser escaneado y pintado en la película. En retrospectiva, la escena puede parecer relativamente simple: Sherlock Holmes luchando contra una figura de vidrio que cobra vida con una ilustración de vitrales. Sin embargo, sin esta escena, es posible que nunca hayamos tenido los habitantes de futuros éxitos. Historia del juguete y Congelado.

Esta simple escena mostró que CGI no solo era útil para el espectáculo SFX de películas como Star Trek-Puede ser usado para crear personajes por completo. Sin esta película, nunca tendríamos íconos del logro de CGI como Gollum de la señor de los Anillos serie. Más interesante aún, el personaje del caballero de vidrio de colores fue animado por John Lasseter, quien fundaría Pixar y crearía personajes memorables como Woody y Buzz Lightyear antes de que Disney adquiriera la compañía.

4El nacimiento de una nación (1915)

D.W. La histórica película de Griffith ocupa un lugar dudoso en la historia. En el nivel más básico, es notable por ser la primera película de larga duración. El éxito de la película de tres horas mostró que las películas podrían ser más que simples clips y, en cambio, contar una historia expansiva. Desafortunadamente, la historia que Griffith eligió contar es horriblemente racista.

El título original de la película, El miembro del clan, es mucho más honesto sobre lo que retrata la película. Mientras que la trama se concentra en dos familias después de la Guerra Civil, los personajes negros alternativamente perezosos, peligrosos y lujuriosos interpretados por actores blancos en cara negra se roban el espectáculo. Estas despreciables figuras amenazan con invadir el sur hasta que el heroico Ku Klux Klan salve el día. Afortunadamente, Hollywood intentó emular los logros artísticos de la película (la idea de múltiples tramas, ritmo, estructura y un innovador trabajo de cámara) y no su contenido impactante.

3Vaquero de medianoche (1969)

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Hoy en día, la mayoría de nosotros no nos sorprendería por el sexo, las drogas y la desnudez representados en Vaquero de medianoche, lo que nos permite centrarnos en su mensaje sobre el vínculo forjado entre los marginados en un mundo opresivo e indiferente. En 1969, sin embargo, la Motion Picture Association of America cantó una melodía diferente cuando le dieron a esta película no pornográfica una calificación de "X".

Una calificación de X es normalmente una sentencia de muerte para una película. Sin embargo, Vaquero de medianoche Logré trascender esa barrera, siendo la única película con clasificación X que recibió el Oscar a la Mejor Película. En total, fue nominado en siete categorías en los Premios de la Academia de ese año y ganó tres de ellos. Al año siguiente, la calificación de la película se rebajó a una R.

El legado artístico de la película no es un logro pequeño. Creó una conversación continua sobre la división entre la pornografía y el arte, lo que obligó a las audiencias de las próximas décadas a no descartar el valor artístico de una película debido a su contenido para adultos. También ayudó a suavizar las políticas de calificación seguidas por la MPAA, quien reconoció a regañadientes que una película con tanto atractivo y una gran cantidad de nominaciones al Oscar no podía considerarse obscena.

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2Codicia (1924)

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El lamento común de los fanáticos de los libros cuando se trata de las adaptaciones cinematográficas de sus novelas favoritas es que siempre queda algo en la sala de despiece. Desafortunadamente, tales truncamientos son necesarios, ya que pocos espectadores están dispuestos a participar en épicas de cuatro horas. Sin embargo, los poderes de Hollywood que tuvieron que aprender esta lección de la manera más difícil, lo hicieron en gran parte debido a la película de Eric Von Stroheim de 1924. Codicia.

Von Stroheim decidió que ni un solo detalle de la página podría omitirse de la pantalla en esta adaptación de la novela estadounidense. McTeague. El excéntrico director pasó más de dos años trabajando en la película hinchada, que se demoró mucho en filmar porque evitó los estudios de Hollywood en favor de ubicaciones reales que van desde las montañas de Sierra Nevada hasta el Valle de la Muerte.

El resultado fue una película de casi ocho horas de duración. Después de que el estudio se resistió a su longitud, logró cortarlo por la mitad, pero ni siquiera eso fue suficiente. Más tarde, el estudio ordenaría que se recortara aún más hasta aproximadamente dos horas y quince minutos por alguien que nunca había leído el libro en el que se basaba. Los rollos extra de la película, un total de 32 negativos editados, se fundieron para obtener su nitrato de plata. Se aprendió una costosa lección, y Hollywood nunca la olvidó. Hoy en día, las adaptaciones de los libros generalmente no buscan recrear completamente los libros en los que se basan.

1El gran robo de trenes (1903)

Esta película de 1903 es silenciosa y solo dura 12 minutos, pero cambió completamente la película. Primero, contó una historia, específicamente de bandidos que robaron un tren antes de ser baleados durante su escape. Esto contrastaba con las películas anteriores, que consistían solo en escenas únicas destinadas a entusiasmar y entretener a los espectadores. Por primera vez, el público fue testigo de una violencia realista, que incluía el juego de armas que se esperaba, pero también el uso del carbón como una mancha, y efectos especiales rudimentarios en forma de maniquí que representaba a un hombre que era expulsado del tren.

Esta película también patentó muchas técnicas de filmación y edición, desde el uso de múltiples ubicaciones hasta la panorámica de la cámara y el uso de cortes cruzados para mostrar eventos que ocurren simultáneamente. La popularidad de la película en salas de níquel contribuyó directamente a la explosión de salas de cine en todo Estados Unidos, lo que abrió el camino para toda la industria cinematográfica que siguió.