10 grandes escenas en la historia musical

Después del sorprendente éxito de mi primera lista (con lo que quiero decir que no se lanzó de inmediato a la granizada virtual), me sentí inspirado a escribir otra. Esta lista se centra en algunas de las escenas más queridas en la historia del teatro musical, y abarca aproximadamente sesenta y seis años. No hace falta decir que es difícil componer seis décadas en más de 5000 palabras, pero uno lo intenta.

A diferencia de mi última lista, no todos los musicales de los que estas escenas son exitosos o memorables, pero las escenas en sí son clásicas, innovadoras o muestran un gran talento. He tenido la confianza suficiente para entrar en más detalles esta vez, aunque también he tratado de asegurarme de no repetir nada que ya haya visitado en la última lista. Les puedo asegurar que mi entusiasmo equivocado por los musicales es suficiente para llenar dos listas. Tal vez tres Hmmm

10

Cantando bajo la lluvia Cantando bajo la lluvia (1952)

http://www.youtube.com/watch?v=rmCpOKtN8ME

Un clásico perenne, Singin 'in the Rain produjo una estrella en Debbie Reynolds, de 19 años, mientras consolidaba aún más el brillo de Gene Kelly. También produjo la secuencia de baile más memorable y popular de su coprotagonista Donald O'Connor, "Make 'Em Laugh", en la que mostró sus agotadoras habilidades de baile acrobático. La escena ha sido recreada muchas veces desde entonces, en programas como Glee (lamentablemente), y los Oscar.

Pero la escena más famosa es sin duda el título de la canción, debido a la imagen inolvidable que transmite de Gene Kelly, paraguas en mano, bailando bajo la lluvia. Es difícil elegir lo que se convertirá en un clásico instantáneo, pero desde su inicio, esta escena ha sido recreada, honrada, referenciada y falsificada más veces que cualquier otra escena en el cine. También fue remezclado recientemente en un notable anuncio de Volkswagen.

Una de las cosas más cautivadoras de esta escena es lo pulida y estrictamente coreografiada que parece, mientras que entre bastidores no fue nada. Muchas personas son conscientes de la historia de que Gene Kelly está extremadamente enfermo mientras filma esta escena. Al negarse a abandonar el set hasta que pudiera correr a través de la escena al menos una vez, la leyenda es que se disparó en una toma, con un bloqueo muy limitado. La noción de que se creara una obra de cine tan clásica en una toma superficial es muy romántica y ha capturado la imaginación de los actores y el público desde entonces.

La lluvia en sí estaba hecha de agua y leche para hacerla más gruesa y más visible en la pantalla. El tapping de los zapatos de Gene también fue doblado más tarde, y esto también se hizo en gran parte del tapping de Debbie Reynolds en la película. A pesar de estos detalles técnicos torpes, el espectador nunca sabría qué esfuerzo se ha hecho para que la escena funcione. La canción, combinada con el innegable talento de Gene Kelly, creó una escena clásica en el cine y una de las más grandes en la historia del baile.

9

Dos niñas de los caballeros de Little Rock prefieren rubias (1953)

http://www.youtube.com/watch?v=iqBIhPOFA5w

Si bien no es un gran ejemplo de Marilyn Monroe o del mejor canto o baile de Jane Russell, esta canción fue la escena inicial de Gentlemen Prefer Blondes, la película que lanzó a Marilyn Monroe al estrellato. Marilyn había aparecido en algunas películas exitosas antes de esta producción, como Monkey Business (1952) y Niagara (1953), pero no fue hasta Gentlemen Prefer Blondes que obtuvo gran atención. En este momento, todavía era considerada una actriz menos famosa que Jane Russell, y su nombre aparece por tanto debajo de Jane's en los créditos iniciales.

Cuando los caballeros fueron filmados, ella había modelado una persona de atractivo sexual ardiente, envuelta en una inocencia casi ingenua y de ojos muy abiertos. Se dijo a Marilyn durante la filmación de Gentlemen que necesitaba atenuar este magnetismo sexual, que a veces podría ser demasiado intenso para el dulce y agradable (aunque algo confuso) papel que interpretaba (se dice que Jane Russell debía tonificar arriba). Sin embargo, ella apenas estaba empezando a ponerse de acuerdo con el público que iba al cine con esta calculadora sexualidad, y seguía siendo un aspecto popular de su actuación.

En esta famosa escena, nos presentan los personajes de Jane Russell y Marilyn Monroe en Technicolor deslumbrante. Fue la segunda vez que la audiencia escuchó a Marilyn cantar (la primera fue en una película de 1948 B llamada Ladies of the Chorus) y uno de los primeros destellos de ella con los mechones rubios de platino que se convertirían en su firma (antes de Monkey). De negocios, había probado varios tonos de rubia; en Don't Bother To Knock (1952), su cabello es más amarillo amarillento que el rubio rubio con el que estamos familiarizados.

Debió haber quedado claro para los espectadores, cuando vieron esta bomba rubia explotar en el escenario con sus llamativas lentejuelas rojas, que estaban viendo a una verdadera estrella, una mujer de una belleza insondable y un talento tristemente subestimado. Fácilmente se mantiene al día con su co-estrella más experimentada, y hace alarde de la voz de canto de ensueño y ensueño que se convertiría en una de sus marcas famosas.

A lo largo de su corta carrera, Marilyn solía ser catalogada como sexpots hermosas pero idiotas. A pesar de este personaje en pantalla, tenía un profundo interés en el psicoanálisis, creencias muy liberales (especialmente sobre la igualdad de derechos), y fue dicho por el tercer marido (y escritor de la obra The Crucible), Arthur Miller, como un comprador devoto de libros. Existe un rumor recurrente de que tenía un coeficiente intelectual de más de 160, lo que, de ser cierto, la haría mucho más inteligente que la media.Ciertamente, mucho más inteligente que un cierto presidente estadounidense, se rumorea que ha rompedeado a escondidas. Pero el 'rumor IQ' es solo uno de los muchos que continuaron surgiendo en los años posteriores a la muerte de Marilyn, algunos más controversiales que otros. Sus comentarios, a menudo muy astutos, sugieren que estaba lejos de ser poco inteligente, una vez que dijo: "Hablando de los Oscar, ganaría abrumadoramente si la Academia otorgara un Oscar por falsos orgasmos. He hecho algo de mi mejor actuación convenciendo a mis compañeros de que estaba en medio del éxtasis ".

Sin embargo, nunca pudo enfrentarse a los frecuentes encasillados, aunque logró desviarse de su papel de rubio en algunas de sus películas, como Niagara, Bus Stop (1956) y The Misfits (1961). A pesar de su éxito, la vida de Marilyn también fue muy problemática. Hacia el final de su vida estaba muy enferma y sufrió dos abortos involuntarios. A lo largo de su vida, sufrió de depresión y hechizos de autodestrucción salvaje. Ella llegaría a la filmación tardía, aturdida, confundida con pastillas y, a veces, no aparecería en absoluto. Fue ampliamente criticada por ser una pesadilla con la que trabajar, debido a su comportamiento poco profesional y problemas con el alcohol y las drogas.

Uno de estos instantes fue en el set de The Prince and the Showgirl (1957) donde el estimado actor Laurence Olivier atacó a Marilyn con frecuencia por su retraso y por olvidar sus líneas. Marilyn sintió que el gran inglés la había hecho sentir inadecuada e indeseable (aunque después de su muerte él expresaría su disgusto por cómo la industria la había explotado despiadadamente). Pero también contó, de manera más alegre, cómo lo había apaciguado cuando, un día, él "le había dado un infierno" acerca de "arruinar": "Lo calmé diciéndole que creía que su Hamlet (1948) era uno de ellos". De las mejores películas jamás hechas. Sabes que ganó un Oscar por eso.

8

Girl Hunt The Band Wagon (1953)

Esta escena, de la película The Band Wagon, es una pequeña porción del clímax de la película. La película se centra en el languidecedor actor de Hollywood Tony Hunter (Fred Astaire), quien siente que su estrella está menguando y que su fama se está agotando. Él está convencido de protagonizar un musical alegre que sus dos amigos escritores han creado. Emplean erróneamente a Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), un actor y director con numerosos espectáculos que se ejecutan simultáneamente en Broadway, para ayudar en la producción.

Melodramático y un poco pretencioso, Cordova inmediatamente convierte el pintoresco musical en un drama tormentoso, completo con complejos conjuntos mecánicos que eventualmente funcionan mal y arruinan el estreno del espectáculo. También emplea a la bailarina de ballet escultural Gabrielle Gerard (Cyd Charisse) para protagonizar junto a Tony. Los dos inicialmente chocan, pero se unen al final para hacer que el espectáculo sea un éxito.

Después de que la producción de Cordova se derrumba, Tony lo convence de volver a las canciones originales de sus amigos. Estos incluyen un montaje titulado "Girl Hunt", que es una parodia de la ficción criminal y los detectives "duros" que a menudo aparecen en él. En esta escena, el personaje de Fred Astaire interpreta a un brusco detective en la búsqueda de los atormentadores de una rubia delicada, interpretado por Gabrielle, el personaje de Cyd Charisse. Gabrielle también interpreta a una sensual morena "peligrosa", que intenta seducir al detective.

Cyd Charisse y Fred Astaire eran bailarines extraordinarios, como muestra esta escena, sin duda. Cyd Charisse fue, literalmente, criado para ser un bailarín y lo mantuvo en estima incluso a la hora de actuar. Sus piernas estaban aseguradas por $ 5 millones, y es una de las pocas mujeres que han bailado con Fred Astaire y Gene Kelly, otras incluyen a Rita Hayworth, Debbie Reynolds y Judy Garland.

Fred Astaire era conocido por su increíble gracia, su perfeccionismo y su ligereza. Gene Kelly fue conocido a menudo por su vigor y fuerza, mientras que Fred Astaire era más preciso y, a veces, se consideraba más coordinado. Sin embargo, incluso Cyd Charisse se mantuvo muy diplomática al respecto, comentando en su autobiografía: “Es como comparar manzanas y naranjas. Los dos están deliciosos ".

7

Frug Sweet Charity del hombre rico (1969)

Para saltar unos dieciséis años, Sweet Charity no tuvo la suerte de nacer en la década de 1950, donde las tramas cuestionables y las heroínas de lo más dulce en general fueron perdonadas si los números musicales lo compensaron con éxito. La bailarina, cantante y actriz de Sweet Charity, Shirley MacLaine, quien tomó una de las canciones de la película "If My Friends Could See Me Now" como su marca registrada.

La película también tiene otro favorito perenne, "Hey, Big Spender". La película en sí sigue las desventuras de Charity Hope Valentine (te dije que era dulce), una ingenua bailarina de alquiler, también conocida como prostituta. A pesar de ser aprovechada constantemente en la vida y caer en tiempos difíciles, ella sigue teniendo esperanzas. Sus sueños parecen haberse hecho realidad cuando abandona el sórdido salón de baile en el que trabaja, y conoce a Oscar Lindquist (John McMartin), que parece estar entendiendo su ex profesión, aunque más tarde lucha con la idea.

Hecho a finales de los 60, este musical podría atreverse a abordar temas que los musicales anteriores no podían. La prostitución a menudo se insinuaba en películas de los años 30, 40 y 50, al igual que la promiscuidad sexual (Jezebel de Bette Davis (1938), y The Damned Don't Cry de Bette Davis (1938) vienen a la mente), pero moralmente las mujeres dudosas generalmente eran castigadas finalmente por humillación o angustia, o fueron asesinadas (el puente de Waterloo de Bette Davis en 1931 es un ejemplo de este último).

A veces se insinuaba la sexualidad sin palabras para evitar la ira del censor.Cyd Charisse y Marilyn Monroe a menudo eran "víctimas de la censura", lo que significa que fueron observadas atentamente para asegurarse de que no se mostraran cantidades inapropiadas de piel o que sobrepasaron la marca cuando se trataba de su atractivo sexual. Cyd Charisse expresó su diversión ante esta atención, diciendo: “Los censores siempre estaban allí cuando estaba en el set. "Cuando me levantaron, en un elevador, estaban en las escaleras para ver si estaba bien cubierto".

Sin embargo, en Sweet Charity Charity afirma que ella duerme con hombres por dinero, pero nunca se avergüenza, ni se la mata por sus acciones. Cómo manejar este problema hizo que incluso la filmación de la película fuera bastante polémica. Ross Hunter (productor de 1967 Thoroughly Modern Millie) originalmente iba a ser productor, pero se retiró debido a desacuerdos con el director Bob Fosse sobre cómo manejar el delicado asunto de la prostitución. A Ross Hunter no se le conocía por su agrado realismo, por lo que es posible que no deseara que se mencionara la profesión de Charity.

Dejando a un lado las tormentas en las tazas de té, "Rich Man's Frug" es una escena excepcionalmente bien coreografiada y alegre, en la que Charity acompaña a una celebridad a un club exclusivo, y mira el espectáculo. El número de música también parece satirizar la naturaleza de las celebridades y los acomodados, creando una escena bastante extravagante y extravagante, completa con guepardos en jaulas y elaboradas estatuas de mármol. La escena también prácticamente gotea con los años sesenta, siendo muy fieles al estilo y el aspecto de la época, y solo por esa razón es muy memorable y agradable de ver. Casi esperas que Austin Powers salga en cualquier momento.

6

Grasa de noches de verano (1978)

Para saltar otros nueve años, Grease volvió a empujar el sobre cuando se trataba de temas tabú. En esta película, el sexo entre adolescentes, el consumo de alcohol y el hábito de fumar aparecen con fuerza en la historia (aunque el letrista se asegura de mencionar que Sandy y Danny tienen "dieciocho años" y, por lo tanto, al menos la edad de consentimiento). En lugar de alejarse de los hechos, el número musical "Summer Nights" pinta una imagen realista de una escuela secundaria: casi todos los chicos están fascinados con el sexo, las chicas pueden ser mezquinas y con dos caras. Hay una rivalidad obvia entre Sandy y Rizzo, que no comparte el interés de las otras chicas en el romance de verano de Sandy con Danny, mientras que los amigos de Danny están más interesados ​​en "qué tan lejos" llegó Danny con Sandy que en cualquier otra cosa.

Este musical tan querido fue adoptado desde el escenario y modificado para adaptarse al hecho de que Olivia Newton-John era australiana (¿tal vez no podría hacer un acento estadounidense convincente?), Lo que hace que Sandy no sea una chica completamente estadounidense, sino una australiana estudiante de intercambio. Dependiendo de la producción, las actuaciones de este musical desde entonces han optado por mantener este cambio o no (la producción en mi escuela secundaria optó por mantener la herencia australiana de Sandy, como era de esperar).

Los censores aún hunden sus dientes en las muchas referencias sexuales de la película, asegurándose de que algunas de las referencias más crudas hayan sido eliminadas. Tal vez por temor a engañar innecesariamente a los censores, los productores decidieron no elegir a Harry Reems como entrenador Calhoun, debido a su convicción anulada de "conspiración para distribuir obscenidad a través de las fronteras estatales" y sus vínculos con películas para adultos. Stockyard Channing, quien interpretó al promiscuo Rizzo, afirmó en una entrevista que los chupetones en su cuello en una de las escenas eran reales, y que Jeff Conaway "insistió en aplicarlos él mismo". Aunque personalmente creo que esa afirmación ejemplifica más el ingenio ácido de Stockyard que cualquier método de actuación inusual utilizado.

La escena de "Noches de verano" se produce al principio de la película, y es posiblemente la más conocida y amada de todas las escenas de Grease. "You're The One That I Love" y "Greased Lightning" también son favoritos recurrentes y duraderos, pero "Summer Nights" es la única canción que aparece en un comercial de repelentes de insectos por lo que claramente encabeza la lista. Proporcionó, en un número bastante breve, una gran visión del ambiente escolar de la década de 1950 que la película quería crear. Presentó y distinguió los personajes de Marty superficial, el espinoso Rizzo y el dulce y burbujeante Frenchy, y los de las amigas de "T-Bird" de Danny.

Olivia Newton-John mostró su voz de canto fuerte, si no sus habilidades de actuación, mientras que John Travolta siguió su papel popular en Saturday Night Fever (1977) con un papel igualmente aclamado, y comenzó una carrera muy larga y exitosa en el cine.

5

Primavera para los productores de Hitler (1968/2005)

Soy una de esas personas sin alma que prefieren el terrible remake de The Producers en 2005 que el clásico, original e innovador. Me siento impuro por admitirlo, pero ahí está. Es Nathan Lane, y él es fabuloso, y yo soy débil. Pero, aparte de las confesiones, este número musical es quizás uno de los números más hilarantes y bellamente satíricos jamás realizados. Está goteando con el ingenio rudo de Mel Brooks.

Mel Brooks sintió que la mejor venganza que podríamos enfrentar contra Adolf Hitler, por infligir tanto odio y miseria al mundo, era burlarse de él, sin piedad, y él lo hace. En el remake de 1983 de Ser o no ser, él aparece como el mismo devorador de combustible y pregunta: "¡¿Qué quieren ellos de mí ?! ¡Soy de buen carácter! ¡Estoy de buen corazón! ¡Soy guapo! ”Cuando descubre cómo lo llaman los periódicos extranjeros y canta diciendo que no quiere la guerra, ¡quiere la paz! Un pedacito de cada país en Europa.

The Producers fue una de sus comedias más exitosas y amadas, unió a Gene Wilder con Zero Mostel y creó uno de los números más divertidos y ofensivos de la historia musical. Brooks más tarde adaptó la película para el escenario, convirtiéndola en un musical. Nathan Lane apareció como Max Bialystock en la producción teatral, ganando su segundo premio Tony. Su experiencia en el escenario es quizás la razón por la que le fue mejor que Mathew Broderick en la nueva versión, y es tan divertido como el sórdido Max Bialystock.

El remake de 2005 es en realidad más un remake fiel del musical de escenario que la película original, que no tuvo ninguno de los números musicales escritos más adelante para el escenario ("Podemos hacerlo", "Keep It Gay", "You Nunca digas buena suerte en la noche de apertura "," Traicionado ", etc.), y diferentes personajes para el remake. Por ejemplo, en el remake de 2005, Hitler es descrito como muy afeminado, mientras que en la versión original se lo describe más como un maracón con drogas.

Tanto la película como el musical se centran en Max Bialystock (incidentalmente, 'Bialystock' es también la ciudad polaca en la que vivieron los antepasados ​​de Brooks y que fue devastada por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial), que se une con el contable Leo Bloom para hacer el mayor fracaso en la historia, con la esperanza de que el dinero que recauden para la producción sea mucho más de lo que se necesita. Eligen "Springtime For Hitler", una obra que seguramente ofenderá a la gente en todas partes, y emplean a un director cursi, al dramaturgo demente que simpatiza con los nazis y a actores ineptos para asegurarse de que el musical tenga la carrera más corta de Broadway en la historia.

Convertir a la Alemania nazi en un escenario musical es casi lo más ofensivo que cualquiera podría intentar, pero, con su extravagante locura, "Springtime for Hitler" no es más que brillante en su intencionalidad. Las versiones de 1968 y 2005 de la escena "Primavera para Hitler" abarcan fuertemente el humor satírico de Brook, pero el original tiene la ventaja de ser, bueno, el original. Y de tener a Brooks doblando una de las líneas de bailarines ("No seas estúpido, sé inteligente. ¡Ven y únete al Partido Nazi!"), Pero en la versión de 2005 vemos a mujeres soldado apenas vestidas que quitan los alfileres de lo invisible. granadas con sus dientes, mientras que un rubio John Barrowman (Torchwood) lleva un uniforme alemán. Es una pregunta difícil.

4

La Vie Boheme ALQUILER (2005)

http://www.youtube.com/watch?v=czJHTEeEJmU

Aunque no necesariamente una película particularmente memorable en sí misma, RENT produjo una escena verdaderamente excelente y que fue acompañada por la canción "La Vie Boheme". Basada en la producción teatral del mismo nombre, RENT se centra en las vidas de los bohemios empobrecidos que viven en Nueva York. Entre ellos se encuentran un cineasta, un músico, un bailarín exótico drogadicto, un transexual y un profesor de filosofía (ambos con SIDA), y un artista de performance bisexual.

Parece una premisa abarrotada y algo desconcertante para un musical, pero RENT no se trata de comedia o romance desenfadado. Aborda numerosos problemas controvertidos y se centra especialmente en el pánico del SIDA de fines de los años ochenta y noventa. También se basa en la ópera Puccini La Boheme, que tiene una historia similar de artistas y músicos en apuros.

La película es más o menos una serie de números arenosos y contundentes, relacionados con numerosos temas, como la sexualidad y la adicción a la heroína. La producción teatral fue mucho mejor que la película, ganando el Tony a Mejor Musical, mientras que la película sufrió esa "estupidez" que a menudo aleja a las audiencias de los musicales. Su material sombrío (a veces abrumadoramente) no es suficiente para compensar el hecho de que hay muy poco diálogo, y algunos de los números parecen incómodos y poco realistas fuera del escenario. Algunas de las escenas de los desaliñados bohemios que se lanzan repentinamente a cantar son muy torpes.

Pero, dejando de lado las fallas, "La Vie Boheme" es uno de los números más ligeros y divertidos, que proporciona un alivio muy necesario del drama sobrio. En lugar de centrarse en las dificultades de los bohemios, "La Vie Boheme" abarca sus diversas diferencias y se opone firmemente a las convenciones, el conservadurismo y los prejuicios. El número es alegre e ingenioso, especialmente en el ex compañero de habitación de los bohemios Benny Coffin III (Taye Diggs), que creen que los ha traicionado y abandonado. Benny adopta un enfoque más realista de su situación, señalando que están muriendo de hambre y viviendo en un vecindario peligroso y sucio, pero que parece estar alterado por las demostraciones de sexualidad y desafío.

La canción también hace referencia al Mago de Oz en la línea: "¿Por qué Dorothy y Toto cruzaron el arco iris para volar a la tía Em?". ¡La Vie Boheme!

3

El Tango De Roxeanne Moulin Rouge! (2001)

En 2001, después de un lanzamiento limitado en los Estados Unidos, Moulin Rouge se embarcó en un lento pero seguro dominio de las taquillas de todo el mundo. Baz Luhrmann, con su marca errática y llamativa, creó una película de tremendo poder y atractivo, y adoptó la noción de "musicales de la gramola" en mayor medida que cualquier otra película anterior. Se refirió a una gran selección de artistas y música, sobre todo en la canción "Elephant Love Melody", donde la mayoría de la canción se crea a partir de una sola letra de famosas canciones de amor de artistas como The Beatles, Whitney Houston, David Bowie, Elton John. , y U2.

"El Tango De Roxanne" (basado en la canción "Roxanne" de The Police) se lleva a cabo hacia el final de la película.Christian y Satine son amantes, pero el duque está persiguiendo agresivamente a Satine y no hace ningún secreto de lo que ocurrirá si descubre que Satine le está siendo infiel. A medida que el número comienza, Satine ha sido obligada a pasar la noche con el duque, y Christian está intensamente celoso. Sentado en un silencio melancólico con los otros residentes del Moulin Rouge, se enfurece con una de las otras prostitutas, lo que incita a su amante, el inconsciente argentino (Jacek Koman), a tomar represalias contra Christian, acusándolo de acusarlo por sí mismo. enamorarse de una mujer que se vende a sí misma: “Cuando el amor es para el mejor postor no puede haber confianza. Sin confianza, no hay amor ”.

El número es casi un retroceso al cine de la 'Edad de oro', en la medida en que se centra principalmente en el baile tradicional, en pareja. Esto era común en los musicales más antiguos: "Pick Yourself Up" de Swing Time (1936), "You Were Meant for me" de Singin 'In the Rain, "Girl Hunt" de The Band Wagon (1953) son ejemplos, entre muchos otros. . Pero pareció perder popularidad a medida que pasaba el tiempo, y se hizo cada vez más raro, tal vez porque era cada vez más difícil convencer a las audiencias más jóvenes y cínicas de una situación realista cuando una pareja esporádicamente estallaban para bailar juntos. Por el contrario, el baile caótico e improvisado, como en “La Vie Boheme”, es mucho más fácil de integrar.

Pero en Moulin Rouge, la imagen de las filas de parejas que bailaban en "El Tango De Roxanne" funcionó espectacularmente, a pesar de la difícil tarea de coser esto junto con la trama secundaria de Satine y el Duque. Es un ejemplo de cine musical impecable. No hay costura entre el diálogo hablado y la música, se funde a la perfección.

Atados entre el tango de los hombres y mujeres del Moulin Rouge, vemos escenas del Duque y Satine cenando juntas. El duque cree que Satine está enamorado de él y le está regalando regalos, pero su estado de ánimo se agrava cuando se da cuenta de que no es de él de quien Satine está enamorada.

Por cierto, la bailarina principal en esta escena ("Roxanne") es interpretada por Caroline O 'Connor, una actriz australiana célebre, mejor conocida por su papel de Velma Kelly en la producción teatral de Chicago.

2

El Bloque Celular Tango Chicago (2002)

Leí recientemente que un crítico, al revisar Chicago, había creído que "Cell Block Tango" se había desarrollado en la película como lo había hecho en el escenario, y puedo decirles que nadie que haya visto tanto la película como la producción teatral. podría hacer tal afirmación. La producción teatral se centra en gran medida en el minimalismo, y los actos se representan de manera muy parecida a los actos de un espectáculo de vodevil, el tipo de espectáculo que el personaje de Renee Zellweger, Roxie Hart, desea protagonizar desesperadamente.

Los Ziegfeld Follies a menudo se describen como una "clase más alta" de los programas de variedades de vodevil que se desarrollaron desde finales de la década de 1880 hasta la década de 1930. Los espectáculos de vodevil se componían de una amplia gama de actos, todo, desde "espectáculos freak" hasta canciones y bailes. Por lo general, también tenía presentes a las coristas hermosas vestidas con trajes arquetípicos. Para seguir con este sabor de vodevil, la producción teatral de Chicago presenta los dos números de danza clásica, como "All That Jazz" y "I Can't it Alone", y otras actuaciones, como la "Ley de desaparición húngara".

La película también conservó el sabor de vodevil de algunos de los números, pero obviamente fue capaz de crear escenas mucho más complejas y complejas que la producción en escena. Al igual que "El Tango de Roxanne", donde se muestran escenas recortadas de Satine y Duke, "Cell Block Tango" usa escenas recortadas de Roxy en la cárcel para crear dos tramas, una que está ocurriendo en la mente de Roxy y la segunda que es la realidad. Hay otros ejemplos de esto. Particularmente notable es la escena en que una de las mujeres encarceladas es ahorcada. La escena colgante se encuentra entre las tomas de un "acto mágico" llamado el "Acta de desaparición húngara famosa". La escena es menos efectiva en el escenario, porque el foco de la audiencia se divide entre observar el "acto de desaparición" y el ahorcamiento real.

La crítica tiene razón en que, posiblemente, la versión de la película sobre "Cell Block Tango" podría haberse traducido al escenario, ya que no se usaron efectos CGI en la escena. Pero tendría que ser una producción de Phantom of the Opera proporciones de tamaño para lograr tal hazaña.

A pesar de las ventajas añadidas de las escenas recortadas (y de un gran presupuesto), la versión de la película sobre "Cell Block Tango" es bastante simple. Es, en esencia, un acto de vodevil a gran escala extremadamente elegante. El concepto involucra a cada asesina en la cárcel del condado de Cook que narra el asesinato que ella cometió, usando una bufanda roja para emular "donde habría estado la sangre".

La producción escénica en la que se basa la película se basa en realidad en una película (en realidad, dos películas), que a su vez se basan en dos juicios muy públicos de dos asesinas en la década de 1920 en Chicago. La historia ha sido llevada a la pantalla dos veces antes, una en una película muda de 1927 del mismo nombre y otra vez en Roxie Hart (1942), en la que Ginger Rogers (el compañero preferido de Fred Astaire) aparece como Roxie.

1

En algún lugar sobre el arco iris El mago de Oz (1939)

Decidí agregar esto como una especie de extra, porque tiene diferencias obvias con las otras escenas. Lo más obvio es que no contiene baile. Pero ciertamente se haría un descuido si se omitiera esta escena clásica (yay por el agente menos oraciones). El Mago de Oz lanzó a Judy Garland, de 17 años, al estrellato.Antes de esta película, había aparecido en varias películas pequeñas y nada destacables, y no fue hasta que interpretó "You Made Me Love You" en la fiesta de cumpleaños de Clark Gable que su compañía MGM pareció darse cuenta de su potencial.

El Mago de Oz convirtió a Judy en un nombre familiar, y luego apareció en varios musicales exitosos: Meet Me in St. Louis (1944), junto a Fred Astaire en Easter Parade (1948), y junto a Gene Kelly en The Pirate (1948) . A la edad de tres años, su hija, Liza Minnelli, también apareció a su lado en The Good Old Summertime (1949).

Al igual que Marilyn, la vida de Judy era extremadamente problemática y estaba plagada de cinco matrimonios y numerosos asuntos (algunos de sus supuestos amantes incluían a Frank Sinatra, Yul Brynner y Orson Welles), así como varios intentos de suicidio. A menudo acusaba a MGM de hacerla sentir inadecuada con su apariencia y de tratarla mal. Al igual que muchas figuras cinematográficas de su tiempo, sufrió un problema de alcohol y una adicción a las drogas recetadas, y esto puede haber llevado a su sobredosis y muerte en 1969, a los 47 años.

Judy sigue siendo una de las actrices más reconocidas y celebradas de todos los tiempos. Este estatus es ayudado por la popularidad perdurable de The Wizard of Oz, y la canción "Over The Rainbow", que la convirtió en una estrella y le trajo su contralto cantando con gran admiración. La canción atrapó el número 1 en la lista de "Las mejores canciones" de The American Film Institute durante los últimos 100 años. La triste tristeza de la canción está fuertemente asociada con Judy y su vida trágica en última instancia.

Judy a menudo era muy abierta sobre los problemas en su vida, y sus palabras a menudo insinuaban una profunda infelicidad. Ella fue citada en la biografía Judy (1999) diciendo: “Quería creer y traté de hacer todo lo posible por creer en el arco iris que intenté superar y no pude. ¿Y qué? Mucha gente no puede ...

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Las locuras de Babbitt y Bromide Ziegfeld (1945)

Menos una película que una serie de actos musicales individuales, Ziegfeld Follies cuenta con una gran cantidad de estrellas: Fred Astaire, Gene Kelly, Judy Garland, Cyd Charisse, Lucille Ball, Lena Horne y una de las chicas originales de Ziegfeld Follies, Fanny Brice.

Los Ziegfeld Follies eran espléndidos espectáculos teatrales que iban desde 1907 hasta 1937, y en su mayoría mostraban mujeres cantando, bailando o simplemente mostrando sus looks y figuras. Los Ziegfeld Follies eran conocidos por su extravagancia. El creador, Florenz Ziegfeld Jr., concibió la idea de tomar la popular premisa de vodevil de los actos musicales no relacionados y luego rodearlos de grandes sets y disfraces. También tenía escenas en las que las mujeres hermosas simplemente posaban de diferentes maneras, y las llamaban "imágenes vivientes".

La historia de los Ziegfeld Follies es extremadamente interesante y controvertida, pero es demasiado larga para discutirla aquí. Sin embargo, proporciona un lienzo extremadamente rico para cualquier película. Desafortunadamente, la premisa de Ziegfeld Follies es bastante débil, y consiste en Florenz Ziegfeld sentado en el cielo y mentalmente evocando las escenas que siguen. A pesar de esta trama endeble, "El babbitt y el bromuro" es verdaderamente notable. De lado a lado hay dos bailarines legendarios: Fred Astaire y Gene Kelly. Sería la única vez que los dos bailarían juntos en sus carreras, a excepción de That's Entertainment Part II (1976), 31 años después.

El acto en sí consiste en un "Babbitt" y un "bromuro" en la calle y se embarca en una discusión sin sentido y superficial. Un "Babbitt" es una palabra bastante oscura para un hombre de clase media complaciente y de mentalidad estrecha, y un "bromuro" es una palabra para una forma de hablar poco original o poco sincera, lo que sugiere que el personaje de Fred Astaire también es ambos características (suponiendo que el carácter de Astaire fuera el bromuro, creo que nunca se abordó). La gracia y precisión de Fred Astaire, la fuerza física de Gene Kelly y sus notables habilidades de coreografía conforman una escena clásica e inolvidable.

También es memorable porque se ve como el encuentro de dos genios, especialmente cuando los dos hombres juegan a sí mismos y no a personajes. Se bromean al principio de la escena, Gene hace referencia al frecuente compañero de baile de Fred, Ginger Rogers, y Fred hace lo mismo al compañero de baile de Gene, Rita Hayworth, en la película Cover Girl de 1944.